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lunes, 31 de agosto de 2015

Patrimonio: ¿quién cuida las obras del Museo de Bellas Artes?

El curador Roberto Amigo guía al público por la sala dedicada a Berni en la última edición de Bellos Jueves.  Foto:  Gentileza Ministerio de Cultura de la Nación
El curador Roberto Amigo guía al público por la sala dedicada a Berni en la última edición de Bellos Jueves.  Foto:  Gentileza Ministerio de Cultura de la Nación
El replanteo curatorial en las salas del primer piso del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), esbozado por el historiador de arte Roberto Amigo e inaugurado el sábado 22 por la Presidenta, carga con un costo museológico invisible a los ojos del público. Para los expertos en conservación, el "precio" solapado de esa renovación es aún más que los 41 millones de pesos que insumió el reacondicionamiento de los 3000 m2 donde dialogan, sin complejos, el arte argentino con el internacional.
Según denunciaron a LA NACION fuentes del staff del MNBA, parte del patrimonio nacional e internacional que hoy se exhibe es objeto de un incomprensible maltrato que el personal de planta pide erradicar: "Las obras sufrieron un manejo desaprensivo en términos de conservación, reñido con los más elementales estándares museísticos. Distintos departamentos lo reclamaron sucesivamente, pero nunca fueron oídos por la dirección".
Durante esos cuatro años de indefiniciones, las obras siguieron un derrotero kafkiano. Más acorde -graficaron- al de un improvisado centro cultural que al de la más señera colección de América latina. "Las obras subieron de la reserva a las salas cuatro veces; permanecieron luego semanas fuera de su recinto de conservación, en otro salón improvisado como depósito en el primer piso. Mientras volaba el polvo y se hacían las refacciones, el grueso de las grandes esculturas [tapadas con telas] se amontonaban en el hall central. Ya en el tramo final, muchos de los cuadros fueron colocados en tránsito sobre el piso, apilados en hileras, aunque protegidos con punteras de polietileno, más tiempo del recomendable", se quejaron las fuentes.
No son pocos los disconformes con el trato que recibe el patrimonio. Pero, por temor a represalias, en un museo politizado y sin margen para el disenso, piden que sus identidades no sean reveladas. "Semanas atrás, por ejemplo, cerca de la entrada, un albañil rasqueteaba una pared para luego pintarla a un metro del óleo, sin protección, de Miguel Harte, Empanada criolla, una reciente adquisición que recién después de dos días de polvo fue cubierta y trasladada al segundo piso." Según dicen, el maltrato al patrimonio comenzó en el último tramo de la gestión del ex director Guillermo Alonso, cuando se movieron y colgaron obras en salas sin terminar para ser mostradas a la prensa, que luego regresaron a la reserva. Pero se acentuaron con la actual conducción de la interventora Marcela Cardillo. No sólo por el innecesario peregrinaje de la reserva al primer piso de un acervo sensible a la suciedad, los cambios de temperatura y humedad, sino también por el daño que estarían acumulando obras maestras en las puestas de los Bellos Jueves.
El ciclo Bellos Jueves, que convoca unas 2500 personas una vez por mes, promueve visitas guiadas rapeadas, cruces de repertorios musicales y performances. Nació hace dos años durante la gestión de Cardillo para aggiornar la experiencia museística y atraer público joven. Un camino que siguen también instituciones extranjeras, como la National Gallery, aunque con otras previsiones.
 

Según el curador Santiago Villanueva, "Bellos Jueves concreta el interés del MNBA de pensar su acervo en constante metamorfosis: toda producción contemporánea altera y modifica las obras del pasado". Así, el museo se corre de la visión contemplativa para convertirse en una experiencia sensorial y emotiva. Pero el Bellas Artes redobla la apuesta: Radio Nacional Rock transmite desde el hall del primer piso, y hasta la medianoche los ritmos electrónicos del DJ Villa Diamante animan las terrazas. Los raperos Malajunta ofician de guía al ritmo del hip-hop y las salas son colonizadas por música en vivo.
Pero no está allí el problema, sino en que, en la planta baja, lienzos como Mujer de mar, de Gauguin, el retrato de Degas, Le Mouline de la Galette, de Van Gogh, y otros tesoros quedan expuestos a los decibeles de los amplificadores durante los números musicales en vivo que hasta la semana pasada se ceñían a las salas impresionista y barroca. Desde el jueves pasado, esas cajas de resonancia, con aplausos y ovaciones del público, llegaron al primer piso.

EL SONIDO Y LA FURIA

La sala barroca y manierista funciona también como auditorio. Con tal tumulto de gente el recinto se asemejaba a un sauna. "La carga humana altera las condiciones de temperatura, humedad e incrementa el anhídrido carbónico. Es un punto importante en la conservación preventiva y debería cuidarse", apuntó el conservador de Tarea Néstor Barrio, decano del Instituto de Investigaciones sobre Patrimonio Cultural de la Unsam. "Al mural de Siqueiros, por ejemplo, entran diez personas por vez. Pero estimo que todas las salas del Bellas Artes deben contar con estaciones climatológicas que regulan temperatura y humedad." Lo cierto es que no.
El impacto que las vibraciones sonoras generan en lienzos de los siglos XVII, XIX y XX y, en menor grado, la insuficiencia de guardias para tal afluencia de público, son parte de las objeciones. "En las instituciones foráneas, los conciertos son acústicos y se realizan en grandes espacios acondicionados. No estamos en desacuerdo con la iniciativa si se cuida y respeta el patrimonio. Pero lo que aquí sucede es inédito: ahora pusieron música electrónica en la nueva sala del primer piso que exhibe obras de Picasso, Léger, Klee, Rivera y Pettoruti. Es poco probable que en el Louvre o el MoMA se amplifique el sonido con tal estridencia en un espacio cerrado a 50 cm de los lienzos", señalan las fuentes.
"El sonido actúa por acumulación", explica el conservador Pino Monkes, de la Universidad Nacional de las Artes. "Son ondas vibracionales que siempre tienen o tendrán un impacto sobre los soportes de las telas, sensibles a ese movimiento. Como producen un daño acumulativo, los amplificadores de sonido no están aconsejados en la museología en general, aunque todo depende de los decibles y del tiempo de exposición al sonido. Pero el ICOM [The International Council of Museums], que rige la museología de los principales museos del mundo, no lo aconseja para el patrimonio sensible." Sólo en los museos de arte contemporáneo y en centros culturales se flexibilizan los protocolos respecto a decibles y sonido, pero siempre en espacios alejados prudentemente de obras sensibles, apuntan los especialistas.
El responsable de prensa del MNBA, Martín Reydó, militante de La Cámpora y uno de los 30 contratados que sumó la gestión de Cardillo, dijo: "No hay percusión, ni batería, ni contrabajos conectados a amplificadores. Sólo se usa para la voz de los cantantes que se quejaban por el esfuerzo vocal". Reydó negó que para las salas del primer piso las obras hayan sido trasladadas de forma innecesaria, y aseguró que jamás existieron objeciones por el trato que recibe el patrimonio. "Ahora se quejan por la cantidad de gente, pero nadie dice nada durante la Noche los Museos, cuando se quintuplica la convocatoria." Reydó se comprometió, al igual que el curador Villanueva, a enviar por escrito las consultas técnicas que trasladó LA NACION, que al igual que la precisión sobre el costo de Bellos Jueves, al cierre de esta edición todavía no llegaban.
La propuesta genera adhesión entre un público joven. "Si no fuera por Bellos Jueves, jamás hubiera venido al museo. Abre el espacio a la gente con propuestas, que, si bien son desparejas, en líneas generales están buenas", opinó Denise, una estudiante de la UNA que prefirió no dar su apellido. "Lo que sí, en la entrada avisé que traía botellas de alcohol en la mochila y que quería dejarlas en los lockers, pero me dijeron que pasara igual porque ya no había lugar." Otros observadores entre el público han manifestado un rechazo categórico. Como escribió en las redes sociales Alejandro Aizar: "¿Se volvieron locos en la dirección del museo? ¿O la idea es destruirlo? Esto es una locura. Demasiada gente en una sala con obras maestras impresionistas". La respuesta de los foristas pinta la situación actual: "¿Qué parte del Museo Nacional de Bellas Artes no entendiste?", respondió Neko Cerati.

CONDICIONES IMPRESCINDIBLES PARA QUE UNA COLECCIÓN GOCE DE BUENA SALUD

Sonido
Una obra enfrentada a grandes valores de decibeles recibirá el impacto de esa onda de vibración. Las ondas de sonido pueden mover la tela y ejercer presión sobre ella en los intervalos relativos a las ondas. Son daños acumulativos, que es la energía de activación de procesos de deterioro. Un parlante con mucha potencia cerca de una tela puede craquelar el óleo o ayudar al desprendimiento de capas pictóricas.
Clima
Los cuerpos generan calor y humedad. En los ambientes museísticos, con patrimonio sensible, no son aconsejables las grandes fluctuaciones termohigrométricas. Los materiales orgánicos como las telas y las maderas, ante cada cambio medioambiental se mueven. Con un aumento de la humedad relativa, las telas se aflojan y las maderas se hinchan. Pero lo más importante es que el óleo envejecido, ya endurecido, no puede acompañar esos movimientos. Los valores internacionales de temperatura son de 20°C (+/-2) y de humedad relativa de 50% (+/-5). Acá se regula con aire acondicionados y deshumidificadores.
Manipuleo
El mayor daño en museos se da por manipulación indebida. Debe ser planificado aun en los recorridos hasta establecer su punto de exhibición. No es aconsejable dejar obras en tránsito más de tres días. Tampoco en el piso por los agentes de polvo y suciedad. El transporte de obras puede generar movimientos vibratorios en los lienzos.
Conservación preventiva
Toda obra envejece y preservarla consiste en postergar el deterioro. La conservación es algo que para el público no existe y es una asignatura pendiente en el país, que sí atienden los países desarrollados.

  • FUENTE: Pino Monkes y Néstor Barrio
  • Fuente
  • http://www.lanacion.com.ar
  •                                              

Museo Tamayo se prepara para recibir a Picasso, Rothko y Magritte




Juan Gaytán, curador y director del Museo Tamayo. Foto: Conaculta
Juan Gaytán, curador y director del Museo Tamayo. Foto: Conaculta

Ciudad de México, 31 de agosto (SinEmbargo).- Obras de Pablo Picasso, Mark Rothko y René Magritte, además de artistas contemporáneos como Nairy Baghramian y Leon Golub, forman parte del programa de exposiciones del Museo Tamayo Arte Contemporáneo en lo que resta del año. Así lo adelantó el director Juan A. Gaitán al Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), a siete meses de haber asumido la dirección general de este recinto ubicado en la zona del Bosque de Chapultepec. El 5 de septiembre será inauguradaEnsayo museográfico # 2 (de lo moderno a lo contemporáneo), muestra que busca generar un diálogo entre obras de arte moderno y contemporáneo pertenecientes a la colección del museo. “Estas dos colecciones no necesariamente concuerdan. Una está fundada dentro de medios tradicionales, como pintura, escultura y dibujo, y en la otra empieza a entrar la instalación, el performance y otro tipo de prácticas artísticas, como el cine y el video”, dijo el funcionario en entrevista con CONACULTA.

La muestra está integrada por más de 20 piezas de artistas como Mark Rothko, Rufino Tamayo, Simon Starling, Manuel Álvarez Bravo, Carlos Mérida, David Weiss, Luisa Lambri, Peter Fischli, entre otros. Varias de estas obras se han convertido en hits de la colección que se solicitan en México y en el extranjero, mientras otras creaciones, como una serie de tapices realizada por Pablo Picasso, se exhibirán por primera vez al público. “Queremos distinguir la forma de pensamiento artístico que caracterizó al arte moderno que llega hasta los setenta y ochenta del siglo pasado y lo que caracteriza a lo que llamamos arte contemporáneo”, señaló el también curador de origen colombiano. “Los ensayos museográficos los hacemos para ver cómo podemos crear un diálogo entre esas dos formas de pensamiento artístico. La meta, a largo plazo, es generar una instalación de la colección permanente para que el público pueda admirarla en cualquier momento que visite el museo”. EL ESPLENDOR DEL ARTE CONTEMPORÁNEO Juan A. Gaitán explicó que la forma de exhibir el arte en un museo ha cambiado, por ello para esta exposición habrá una sala con el tipo de iluminación y museografía utilizadas en la época moderna. Por otro lado, en el área dedicada al arte contemporáneo podrá observarse la tendencia actual de exhibición, caracterizada por muros blancos, espacios neutros y una iluminación plana. “El museo mismo va cambiando de acuerdo con el tiempo y afecta la forma en que interactuamos con las obras. Antes era más solemne y ahora es más horizontal. Hay un fin didáctico en donde el público no sólo va a apreciar las obras como tal, sino que también va a entrar en diálogo con el mundo de los museos y la forma de exhibir arte”. La curaduría está a cargo del propio Juan Gaitán; la subdirectora artística del museo, Daniela Pérez; Juan Carlos Pereda, quien es uno de los especialistas que más conoce la colección Tamayo, así como Manuela Moscoso y Andrés Valtierra.

 Las exposiciones continuarán el 12 de septiembre con Leon Golub. Bite your tongue, considerada la primera gran muestra en México del pintor figurativo estadounidense que renovó las formas realistas con el grupo denominado Chicago Imagists. “Originario de Chicago, comenzó a pintar en los años cincuenta. Sus pinturas tempranas estaban muy influenciadas por el muralismo mexicano, la cultura maya, pero también por las culturas de la antigüedad clásica. Son una mezcla de diferentes tipologías y la gente podrá reconocer esas influencias”, detalló el director del Museo Tamayo. Señaló que alrededor de esas obras tempranas hay unas telas de hasta ocho metros de altura en lienzo crudo en las que Leon Golub comenzó a pintar con un mayor sentido político en torno de la guerra de Vietnam y las invasiones de Estados Unidos en Centroamérica. Por último, a partir del 7 de noviembre se exhibirán Nairy Baghramian. Segundas opciones yHeinz Peter Knes. Intimidad absoluta. La primera está conformada por la obra de esa escultora iraní nacionalizada alemana que reflexiona sobre las dimensiones del cuerpo en el ámbito social, a través de esqueletos metálicos y órganos hechos de piel; la segunda, consta de imágenes del fotógrafo alemán que se acerca a la industria de la moda desde una perspectiva personal. A partir del fenómeno generado por la exposición de Yayoi Kusama, que derivó en la asistencia de más de 330 mil visitantes, el director del Museo Tamayo reconoce que hay un interés por atraer nuevos públicos al recinto mediante diferentes estrategias. Con ayuda de las redes sociales se trata de mantener ese contacto para diseminar el programa de exposiciones y actividades, y así la gente siga acercándose a este espacio museístico. “Desde la exposición de Francis Alys establecimos que el costo máximo de un catálogo no rebase los 150.00 pesos. Estamos diseñando nuevos textos de muro, escritos de una forma más amable, sencilla y clara, sin palabras complicadas para que la gente se sienta más cercana a las obras”.

El Museo Tamayo, con todo para finalizar el año. Foto: Facebook
El Museo Tamayo, con todo para finalizar el año. Foto: Facebook

Aunado al camión Jugando con Tamayo, encargado de difundir la obra del pintor y acercar a los niños el lenguaje y disfrute del arte, se sumará otro transporte recientemente donado, con el cual se pretende organizar recorridos cercanos en colaboración con el Bosque de Chapultepec. Para Juan A. Gaitán, quien fue curador de la Bienal de Arte Contemporáneo de Berlín en 2014, uno de los principales retos a los que se enfrenta actualmente el recinto es convertirse en el museo público con una colección líder a nivel mundial. “No existe en América Latina una gran colección pública de arte contemporáneo y queremos sacar adelante al Museo Tamayo para hacerlo. Es un proyecto que requiere muchos recursos, pero gracias a que los artistas mexicanos pueden pagar impuestos en especie hemos podido contactarlos para preparar adquisiciones para la colección. Ojalá que a largo plazo podamos enriquecer las colecciones de arte moderno y contemporáneo”. Con información de Conaculta
Fuente
http://www.sinembargo.mx


El arte rupestre desde el Paleolítico hasta la Edad de Hierro presentes en la región

  • Extremadura tiene un "conjunto extraordinario" de arte rupestre porque reúne desde pinturas del Paleolítico, en la Cueva de Maltravieso en Cáceres



Extremadura es "una de las pocas zonas peninsulares" que mantiene manifestaciones de los cuatro ciclos de arte rupestre que se conocen, desde el Paleolítico hasta la Edad de Hierro poco antes de la llegada de los romanos, de manera que cuenta con yacimientos repartidos por toda la región en los que se puede apreciar la evolución de este arte en sus diferentes etapas.

Así lo ha indicado el profesor e investigador de la Universidad de Extremadura (UEx), José Julio García Arranz, que es uno de los organizadores del XIX Congreso de Arte Rupestre IFRAO que se ha inaugurado este lunes en Cáceres y que reúne a más de 700 investigadores de 52 países que debatirán sobre la difusión y conservación de este patrimonio rupestre.

De esta forma, García Arranz ha destacado que Extremadura tiene un "conjunto extraordinario" de arte rupestre porque reúne desde pinturas del Paleolítico, en la Cueva de Maltravieso en Cáceres, hasta un ciclo preesquemático equivalente al levantino, arte de transición entre las sociedades depredadoras del Paleolítico y las productoras del Neolítico, así como un "ciclo impresionante" de arte esquemático con 500 lugares de pinturas que quizás, ha dicho, "sea uno de los más densos de la península", para acabar con representaciones grabadas de la Edad de Hierro.

Todos estos enclaves se pueden encontrar en lugares como La Calderita en Zarza de Alange (Badajoz), en la Cueva Chiquita de Cañamero (Cáceres), en el Risco de San Blas en Alburquerque (Badajoz) o en varios lugares del Geoparque Villuercas-Ibores-Jara así como en enclaves del Parque Nacional de Monfragüe, cuyas pinturas han sido elegidas, precisamente, como el logotipo del congreso porque son "un emblema de las representaciones esquemáticas de Extremadura", ha dicho García Arranz.

Respecto al nivel de conservación de estos yacimientos, el profesor ha indicado que en la región ""está bastante bien" porque estos lugares no son muy conocidos "todavía" pero cuando se estudia, se publica y se difunde "atrae a gente y no todo el mundo es tan respetuoso", recuerda el profesor, que añade que, por lo general, "está bien conservado porque no ha sufrido mucha presencia humana y el deterioro es por cuestiones medioambientales".

Cabe recordar que en la era del Paleolítico, el arte rupestre se encuentra en cuevas y las visitas pueden alterar las condiciones ambientales que mantienen las pinturas durante tanto tiempo por lo que es necesario "tomar un tipo de medidas especiales" para su preservación. En el caso de la pintura esquemática, que suelen estar en zonas al aire libre, su conservación "es más difícil" porque no se trata solo de colocar verjas que impidan la entrada de personas, sino que la propia meteorología daña las pinturas.

En cualquier caso, García Arranz insiste en que hay que concienciar a las nuevas generaciones de la importancia de preservar el patrimonio ya que éste puede convertirse en un importante recurso económico y de atracción turística para las localidades donde se asientan los yacimientos.

Para estudiar estas y otras cuestiones se está celebrando en Cáceres el XIX Congreso Internacional de Arte Rupestre que organiza la Federación Internacional de Organizaciones de Arte Rupestre (IFRAO) y que reúne a más de 700 investigadores históricos y arqueológicos de 52 países en esta cita anual de expertos en patrimonio que, surgió en Australia a finales de los 80 y que llega a España por primera vez, después de haber visitado en otras ediciones países como Estados Unidos, Bolivia, Brasil o China.

La Facultad de Filosofía y Letras del campus de Cáceres es el lugar donde se desarrollará este congreso, que lleva por título 'Símbolos en el paisaje: el arte rupestre y su contexto', hasta el próximo 4 de septiembre y en el que participan investigadores, especialistas, profesores, conservadores, gestores y profesionales del patrimonio cultural que expondrán más de 500 comunicaciones junto a las cinco grandes ponencias que vertebrarán los debates de las jornadas de trabajo.

No obstante, el congreso también incluye otras actividades como visitas a los principales núcleos arqueológicos de Extremadura como Monfragüe, el Geoparque Villuercas-Ibores-Jara, la zona del Tajo Internacional, la Sierra de San Serván o Tierra de Barros, donde se congregan los enclaves con vestigios rupestres más relevantes de la región.

La inauguración este lunes ha contado con la presencia de la presidenta de la Diputación de Cáceres, Rosario Cordero, el alcalde en funciones de Cáceres, Laureano León, y la secretaria general de Cultura de la Junta de Extremadura, Miriam García, quien ha resaltado el papel que juegan las administraciones en la conservación del patrimonio y en la necesidad de difundirlo para que la población lo conozca y lo respete.
Fuente
http://www.hoy.es


jueves, 27 de agosto de 2015

Coleccionistas de arte multiplican actividad en medio de una caída de mercados

Coleccionistas de arte multiplican actividad en medio de una caída de mercados
Muchas entidades financieras ofrecen préstamos con garantía de arte a clientesEn 2014, el mercado de arte superó el nivel más alto anterior a la recesión con 51.200 millones de euros.
Las vacaciones del marchand Asher Edelman en Comporta, Portugal, se vieron interrumpidas el lunes debido a consultas de clientes a medida que caían las acciones globales.
Algunos preguntaban sobre toma de crédito contra sus colecciones de arte de la compañía de financiamiento de arte de Edelman, ArtAssure Ltd. Otros querían vender obras. Todos buscaban lo mismo: liquidez.
“Hay muchos ajustes de márgenes”, dijo Edelman en entrevista telefónica, y agregó que aún no se han cerrado negocios.
Las entidades de crédito especializadas dijeron que tenían un nivel de actividad insólito para fines de agosto, cuando la mayor parte del mundo del arte toma vacaciones. Las acciones globales y el mercado de arte han quedado entrelazados conforme los precios del arte han aumentado y son más los compradores acaudalados que consideran su colección como una inversión contra la cual tomar crédito.
“Hace 10 años, nadie en el mercado de arte prestaba tanta atención a las correcciones en el mercado bursátil”, dijo Elizabeth von Habsburg, directora gerente de Winston Art Group, una firma independiente asesora y tasadora de arte. “Ahora los clientes reaccionan de inmediato”.
En 2014, el mercado de arte superó el nivel más alto anterior a la recesión con 51.200 millones de euros (US$54.100 millones) en ventas globales, en comparación con 48.000 millones de euros en 2007, según las últimas cifras de la Fundación Europea de Bellas Artes. En mayo, una pintura de Pablo Picasso se vendió en US$179,4 millones, el precio más alto de la historia de las subastas de arte.
La próxima prueba
Dado que muchas galerías están cerradas por vacaciones, el impacto inmediato de la caída del mercado bursátil en los precios y las ventas resultó difícil de medir. Las subastas semianuales neoyorquinas en noviembre serán la próxima gran prueba para el mercado de arte, dijeron galeristas y entidades financiadoras.
“La principal pregunta es: ¿Esta es la corrección que todos han estado esperando?”, dijo Ian Peck, fundador y máximo responsable ejecutivo de Art Capital Group, una firma con sede en Nueva York que da crédito contra arte y piezas de colección.
Los resultados de las subastas globales en el primer semestre declinaron 5,8 por ciento, a US$8.100 millones, respecto de igual período de 2014, debido a la debilidad de las ventas en China, Gran Bretaña, Francia y Alemania, según Artnet, que tiene sede en Nueva York.
El financiamiento del arte se ha expandido con el resto del mercado en tanto bancos de inversión como Citigroup Inc., JPMorgan Chase Co., Morgan Stanley y Goldman Sachs Group Inc. ofrecen préstamos con garantía de arte a clientes. En 2014, Winston Group hizo tasaciones para préstamos con arte como garantía por valor de US$1.000 millones, el doble que el año anterior, dijo von Habsburg.
“Los coleccionistas por fin se dan cuenta de que pueden hacer que su arte trabaje como un activo sobre el que pueden obtener liquidez para pagar otros préstamos, comprar una empresa, un seguro de vida o más arte, dijo von Habsburg.
Fuente
http://www.elespectador.com


Subasta más arte más impacto

Subasta más arte más impacto
La Casa Phillips de Nueva York estará presente en la subasta en beneficio de la Fundación Juan Felipe Gómez Escobar.
Foto: Archivo del artista
Leyenda foto: Álvaro Barrios. “Aunque Ud. No Lo Crea (Paul Mc Carthy)” (2010). Acrílico sobre tela.
La Fundación Juan Felipe Gómez Escobar se formó en 2001 con el objetivo de mejorar la calidad de vida de la población infantil y adolescente en situación de pobreza extrema en la ciudad de Cartagena, con un enfoque especial en las mujeres, en las madres jóvenes, en madres jóvenes que han sido abusadas y en sus bebés en riesgo.
Con el apoyo de la galería La Cometa de Bogotá y la casa de subastas Phillips de Nueva York Catalina Escobar, presidente de la fundación Juan Felipe Gómez Escobar, organizó una subasta para recaudar fondos que se realizará mañana, jueves 27, en la Galería La Cometa de Bogotá a las 7:30 p.m. (registro, 6:00 p.m.). Desde el martes las obras están expuestas al público y lo estarán hasta la subasta, que será tanto silente (con obras de 10 millones de pesos o menos, que va hasta después del evento del jueves) como de martillo. Se puede participar presencial o telefónicamente, con previo registro, y en ausencia, estableciendo un tope, en cualquiera de las dos subastas.
La curadora de la muestra, Catalina Sanint, quien desde el año 2000 ha coordinado algunas subastas benéficas, dirigió el proceso de recolección de 60 obras de arte plástico actual, de artistas nacionales e internacionales, jóvenes y consagrados, con precios dirigidos a coleccionistas y a otros perfiles. “En cuanto a la curaduría de la exposición y a los artistas que participan, nos enfocamos en tener grandes maestros, maestros intermedios y jóvenes propuestas contemporáneas. El coleccionismo en Colombia se ha venido volviendo más exigente. Ya nuestros coleccionistas salen a ferias, y con eventos con ArtBo llegan muchas propuestas, entonces queremos tener obras para ese tipo de clientes, para coleccionistas específicos, de artistas internacionales y nacionales de alta talla, y también otras de interés general y precios accesibles. Hay obras desde 3 millones de pesos hasta un Fernando Botero”, dice Sanint.
Entre los artistas que participan están los colombianos Álvaro Barrios, Fernando Botero, Luis Caballero, Clemencia Echeverri, Beatriz Gónzalez, Edgar Negret, Alejandro Obregón, Eduardo Ramírez Villamizar y Miguel Ángel Rojas; los artistas internacionales Graciela Sacco (Argentina), Los Carpinteros, Yoan Capote, Wilfredo Lam (de Cuba), Liu Bolin (China), Ricardo Rendón (México) y Nuria Carrasco (España); los artistas jóvenes colombianos Miler Lagos, Nicolás París, María Isabel Rueda, Adriana Marmorek y José Olano, entre otros. También, en eventos como este, hay un interés por apoyar el arte colombiano.
“Dada la situación del dólar”, dice Sanint, “el dólar para esa noche va a estar a 2.800 pesos, para incentivar al público”.
La casa Phillips NY es una de las casas de subastas más prestigiosas del mundo y esta es la primera vez que participa en un evento en Colombia. Aunque las oficinas centrales están en Nueva York y Londres, cuenta con oficinas en varios países y concentra sus compras y ventas en arte contemporáneo, fotografía, ediciones, diseño y joyería. Su negocio incluye exposiciones especiales, ventas privadas, consultoría de herencias privadas, consultoría de clientes corporativos e institucionales y consultoría de museos.
El mexicano Alberto Uribe, co-director de Arte Contemporáneo de la Casa Phillips de Nueva York, será el martillo. Uribe es reconocido por su experiencia en los mercados de arte contemporáneo, moderno, impresionista y latinoamericano, y ha participado en varias conferencias en instituciones como el Solomon R. Guggenheim Museum en Nueva York, El Museo de Arte Contemporáneo en Carcas, Museo de Arte Contemporáneo en Monterrey, Denver Art Museum, y San Diego Museum of Art. Actualmente, Uribe es un fiduciario para los archivos de Arte Americano del Smithsonian Institution en Washington, D.C. Antes de asumir su cargo en Phillips Uribe dedicó veinte años de trabajo a Sotheby’s, donde se desempeñó como vice-presidente de pinturas impresionistas y modernas y director de Arte Latinoamericano. Se ha desempeñado como subastador desde el comienzo de su carrera en Sotheby’s.
Fuente
http://www.elespectador.com


miércoles, 26 de agosto de 2015

ARTBO abre sus puertas para dar inicio al mes del arte en Bogotá

  • 84 galerías, 15 Proyectos de reconocidos artistas contemporáneos presentados en ARTBO, 33 artistas jóvenes y 4 espacios autogestionados en Artecámara, harán parte de ARTBO 2015. 
  • Secciones como Referentes y Libro de Artista que se estrenaron en la pasada edición de ARTBO vuelven para ampliar la mirada sobre el arte contemporáneo.
  • Octubre, mes del arte en Bogotá, inicia con ARTBO, el evento anual de artes plásticas de más alto impacto nacional y un catalizador determinante de la escena artística en Colombia.
  • ARTBO es una de las ferias de arte más importantes de América Latina, reconocida por la calidad y diversidad de su muestra y por su modelo único a nivel mundial. 
  • Del 1 al 4 de octubre
Con la participación de 69 galerías de diversos lugares del mundo en su sección Principal, 15 Proyectos de artistas, el regreso de secciones que fueron la gran novedad en la anterior edición de la feria como Referentes y Libro de Artista, y el fortalecimiento de Artecámara, ARTBO abrirá sus puertas del 1 al 4 octubre para ofrecer a coleccionistas, aficionados al arte y al público en general, una feria de arte única, con una propuesta refrescante y arriesgada.


Para su edición 2015, ARTBO busca generar nuevas propuestas y mantener su enfoque en la transformación y en la experimentación en nuevas secciones, programas, medios y formatos, que mantienen a la feria como un programa artístico sin igual y como el evento de artes plásticas de más alto impacto nacional y una feria de vanguardia a nivel internacional. Como todos los años ARTBO será eje central, y abrirá el “Mes del arte” en Bogotá, que se complementa con actividades en galerías, museos, espacios de exhibición y un gran flujo cultural en la ciudad.




Como programa de la Cámara de Comercio de Bogotá, ARTBO se ha afianzado como plataforma por excelencia para la difusión e internacionalización del trabajo de galerías, artistas, curadores e instituciones del país, y un elemento clave en el reconocimiento que el arte colombiano y su vibrante escena han cobrado en el mundo. Reconocida como una de las ferias de arte más importantes de América Latina, el modelo único de ARTBO, con su amplio programa de secciones comerciales y no comerciales, así como su enfoque en la diversidad y calidad de su muestra , le han dado a la feria una de las perspectivas más refrescantes e innovadoras del circuito ferial internacional.




Para la versión 2015, el Comité de Selección conformado por Elba Benítez de Galería Elba Benítez (Madrid, España), Eduardo Brandao de Vermelho (Sâo Paulo, Brasil), Ignacio Liprandi de Ignacio Liprandi Arte Contemporáneo (Buenos Aires, Argentina), Beatriz López de Instituto de Visión (Bogotá, Colombia), Alex Mor de mor-charpentier (París, Francia – Bogotá, Colombia) y María Eugenia Niño de Galería Sextante (Bogotá, Colombia), escogió las propuestas de mejor calidad para ofrecer una muestra amplia y equilibrada que reúne una oferta de lo mejor del arte moderno y contemporáneo con una selección de galerías que responde al pulso actual del arte a nivel mundial.



El equipo de curadores estará integrado por personalidades de reconocida trayectoria nacional e internacional como José Roca en el Foro y Ana María Lozano en Referentes; y por curadores que hacen parte de una nueva generación que representa nuevas propuestas en el medio internacional como Catalina Lozano y la ecuatoriana Manuela Moscoso en Proyectos y Mariangela Méndez en Artecámara. Con esta apuesta por un balance entre curadores consolidados y curadores de nuevas generaciones, ARTBO busca ofrecer una calidad inigualable en sus secciones y a la vez tomar nuevos riesgos en sus propuestas, lo que ratifica este espacio para el arte como una feria referente única en la región.

SECCIONES

Principal, 69 galerías de todo el mundo


Esta edición de ARTBO presentará una selección cuidadosa de galerías que reúne galerías consolidadas a nivel mundial y otras emergentes y de vanguardia que empiezan a consolidarse en la escena, para que su muestra diversa y refrescante mantenga a ARTBO como una feria única en América Latina, con una selección diferente a la de cualquier otra feria.

La sección Principal cuenta con una sólida oferta, a través de la participación de galerías de 30 ciudades del mundo como Berlín, Buenos Aires, Sao Paulo, La Habana, Santiago de Chile, Mexico DF, Caracas, Londres, Bolonia, Nueva York, entre otras, además de 15 galerías de Colombia. Países como Guatemala y Uruguay se hacen presentes por primera vez en la feria a través de las galerías Proyectos Ultravioleta de Ciudad de Guatemala y Galería de las Misiones de Montevideo. Por su parte, países como Argentina, Brasil, Colombia, España, Estados Unidos y Perú son los que más representación tendrán en esta edición de ARTBO.

Este año participan en la sección Principal algunas de las galerías más reconocidas a nivel mundial como: Galerie Barbara Thumm y Galerija Gregor Podnar de Berlín; Luciana Brito Galeria y Luisa Strina de Sao Paulo; Maisterravalbuena y Moisés Pérez de Albéniz de Madrid; espaivisor de Valencia; P420 de Bolonia; Ruth Benzacar Galería y Henrique Faria de Buenos Aires; Prometeo Gallery de Milán; Galerie Peter Kilchmann de Zúrich; Josée Bienvenu y Leon Tovar de Nueva York; y Sicardi Gallery de Houston.

Participan también galerías emergentes y galerías con propuestas de vanguardia, que han ganado reconocimiento a nivel mundial por su enfoque, entre ellas Arredondo \ Arozarena de México; Proyectos Ultravioleta de Ciudad de Guatemala; Galeria Jaqueline Martins de Sao Paulo; LAMB Arts de Londres; Spinello Projects de Miami, Document Art y SlyZmud de Buenos Aires; NUBE Gallery de Santa Cruz; Alarcón Criado de Sevilla; Johannes Vogt de Nueva York; y NoMÍNIMO de Guayaquil.

Proyectos, una reflexión sobre la relación entre figura y fondo

Para esta sección se han seleccionado 15 proyectos de artistas contemporáneos, con la representación comercial de una galería, que presentarán proyectos específicos para la muestra que contrastan o relacionan la idea de figura y fondo como un intercambio complejo entre lo general y lo específico, el todo y el fragmento o entre los relatos mayores y los menores. Los artistas seleccionados cuestionan las ideas que simplifican, en una división dual, la relación del fondo como un elemento neutro en contraposición a la acción de la figura humana.

La colombiana Catalina Lozano, quien fue una de las curadoras de Present Future, Artissima, Turín (2014) y parte del equipo artístico de la 8ª Bienal de Berlín, y la colombo-ecuatoriana Manuela Moscoso, curadora adjunta de la 12ª Bienal de Cuenca 2014, co-curadora de la Bienal de Queens 2012 y de exposiciones y proyectos artísticos en España, Brasil, Argentina, Bélgica y Líbano, estarán a cargo de la curaduría de esta sección.

La muestra de este año se arriesga por propuestas de artistas y galerías más frescos y emergentes que en años anteriores, donde participan algunos de los artistas y galerías de la talla de Carolina Achaintre representada por la galería Arcade de Londres, Shana Moulton representada por Crevecouer de Paris, y Falke Pisano representado por Ellen de Bruijne Projects de Amsterdam.

Referentes, una mirada al pasado para entender el presente

Luego de ser una de las novedades de la pasada edición de la feria, Referentes vuelve como un espacio que brinda al público asistente un contexto histórico que permite dar una mirada más amplia sobre las obras de arte y los artistas expuestos en ARTBO. En el 2014, la curaduría de Santiago Rueda y Carolina Ponce de León incluyó obras de artistas de la talla de Irma Blank, Lothar Baumgarten, Gastao de Magalhaes o Jesús Rafael Soto.

Este año la curaduría de la sección, que incluye en su mayoría obras producidas entre 1920 y 1980, estará a cargo de Ana María Lozano, ex curadora del Museo de Arte Moderno de Bogotá, co-curadora de eventos como la VIII Bienal de Arte de Bogotá y Fotográfica Bogotá 2005, curadora satélite de Contraexpediciones en el Museo de Antioquia (Medellín, 2014), curadora de El Bosque Intervenido en el Jardín Botánico (Bogotá, 2014) y jurado de eventos como el Premio Luis Caballero. Esta muestra reunirá obras de artistas que con su trabajo lograron mover, desde algún aspecto, las fronteras de lo que era reconocido como obra de arte en su momento histórico y que de esa manera influyeron en lo que hoy se define como arte contemporáneo.

Artecámara, un espacio para jóvenes artistas y espacios autogestionados

Artecámara, sección dedicada a difundir y visibilizar el trabajo de jóvenes promesas del arte colombiano, se ha consolidado como el espacio más reconocido para el arte joven que permanece en la escena nacional. Este año la curaduría estará a cargo de Mariangela Méndez,ex asesora de artes visuales para el Ministerio de Cultura y para la Gerencia de Artes Plásticas del Instituto Distrital de Cultura y Turismo de Bogotá, ex directora artística del 43 Salón (Inter) Nacional de Artistas, miembro del comité asesor del Illy Sustain Art Observatory y del Comité Técnico del Museo de Arte Moderno de Medellín; y presentará obras de 33 jóvenes promesas del arte colombiano.

La exposición recogerá el interés de varios artistas de una misma generación, por la relación del individuo con el cosmos, con un presente lleno de cambios hacia lo digital, pero sobre todo, recoge su pregunta por el futuro como especie, en un mundo que está cambiando de lo material a lo holográfico.

Tal como ocurrió en ARTBO 2014, la sección Artecámara volverá a incluir a los espacios autogestionados por artistas, congregando así todas las manifestaciones del panorama artístico nacional. Este año se seleccionaron cuatro espacios (La Quincena, El Parche, El Mentidero y la Revista Matera) que a diferencia del año pasado no presentarán una muestra curatorial, sino que cada uno realizará una acción diaria in situ, que permita dar cuenta de las dinámicas propias de ese espacio y del funcionamiento propio de los espacios autogestionados en la ciudad.

Articularte, espacio de experimentación y creación para todo tipo de públicos

Además del componente comercial de ARTBO, la feria se ha preocupado por fortalecer un componente de formación que permita una mayor sensibilización del público hacia las prácticas artísticas contemporáneas, y que le de la oportunidad a los asistentes de participar de la feria, creando su propio contenido y participando de proceso colectivos. Es así como secciones como Articularte reúnen talleres interactivos diseñados por artistas para que niños, jóvenes y público en general se acerquen al mundo del arte, de la mano de una serie de acciones diseñadas por el espacio autogestionado La Agencia, que buscan cuestionar la idea de frontera y los límites entre el arte y la cotidianidad.

Foro, reflexiones en torno a la producción, mediación, mercado y públicos
Foro es un espacio para el aprendizaje y la discusión de temas relacionados con el arte contemporáneo, en el que participan importantes personalidades del mundo del arte como curadores, coleccionistas, académicos, artistas y directores de museos e instituciones. Bajo la curaduría de José Roca, Curador Adjunto de Arte Latinoamericano Estrellita B. Brodsky en la Tate Gallery en Londres, y Director artístico de FLORA ars+natura, las charlas de los invitados mezclarán presentaciones de proyectos en los que han trabajado, discusiones y conferencias. Este año, como novedad, el Foro, además de las charlas, incluirá la participación de artistas en un formato experimental inédito.

El tema central del Foro será la interacción entre los tres componentes que consolidan una escena artística fuerte: la producción de arte (los artistas), la mediación de la obra para el público (museos, espacios independientes, revistas especializadas, curadores, crítica, periodismo cultural) y el mercado (galerías, coleccionistas, ferias, subastas). 

NOTAS PARA EDITORES

· Historia de ARTBO

ARTBO fue creada en el 2005 con el propósito de promover y posicionar a Bogotá como un destino para la cultura, así como crear una plataforma comercial para el arte y un espacio de intercambio cultural y de formación de públicos. La feria comenzó con 29 galerías participantes provenientes de siete países y 93 artistas. En el 2012, 56 galerías hicieron parte de la Sección Principal y otras 10 participaron en Proyectos, convocando más de 300 artistas. En el 2014 ARTBO celebró su décimo aniversario con una asistencia de más de 31.000 personas, incluyendo más de 300 coleccionistas nacionales e internacionales, curadores, directores de instituciones y profesionales del sector, y 66 galerías de 29 ciudades, 14 galerías en Proyectos y cerca de 2500 obras de arte de cerca de 400 artistas. En el 2015, 84 galerías de 33 ciudades participarán en la feria, de las que 69 estarán en la Sección Principal y 15 en Proyectos.

· Nuestra página web es www.artbo.co Encuéntrenos en redes sociales como ARTBO (Facebook), @feriaARTBO (Twitter), @feriaartbo (Instagram) y artboenlinea (Flickr). Nuestro hashtag oficial es #artbo2015

· La feria se llevará a cabo del 1 al 4 de octubre en los pabellones 11-23 de Corferias. La entrada costará $35.000 para público general y $15.000 para estudiantes. La feria estará abierta de 12m a 8 pm. Sin embargo, tenga en cuenta que la taquilla se cierra a las 7 pm.

· Tenga en cuenta que ARTBO se escribe en altas.

· Estaremos atentos a cualquier solicitud de entrevista con los curadores de las distintas secciones y artistas presentes.

Fotos ARTBO 2014: Clic aquí

Mayor información:

Sara Araujo
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Fuente


¿Qué pasará con el Museo Nacional?


Daniel Castro Benítez fue seleccionado como el nuevo director del Museo Nacional de Colombia.(Entrevista)

El maestro en Bellas Artes, músico, pedagogo e historiador asume la dirección del Museo Nacional de Colombia, luego de un proceso de selección meritocrático en el que también participaron la gestora cultural y experta en patrimonio María Fernanda Urdaneta, y la antropóloga Clara Isabel Botero.

El nuevo director del Museo Nacional de Colombia cuenta con amplio reconocimiento y experiencia en el desarrollo de proyectos, políticas educativas y buenas prácticas en comunicación y gestión museística, tanto en Colombia como en América Latina.

Castro quien ha estado vinculado a los museos a través de la pedagogía, a lo largo de su carrera profesional se ha desempeñado como coordinador de Proyectos Educativos Especiales del Museo Nacional de Colombia y jefe de la División Educativa y Cultural de la misma entidad. Actualmente dirige la Casa Museo Quinta de Bolívar y el Museo de la Independencia Casa del Florero, cargos que asumió en 1999 y 2002, respectivamente. Actualmente se desempeña como el Presidente del Consejo Internacional de Museos (Icom) capítulo Colombia.​

Entrevista con Confidencial Colombia

Confidencial Colombia: ¿Cómo recibe la noticia?
Daniel Castro Benítez: Es de una u otra forma una alegría en dos vías. Una es que el Ministerio manda un mensaje de que es posible internamente y dentro de un ejercicio meritocrático, una promoción de personas que han estado vinculadas a entidades afines. Y lo otro es que hay unos sentimientos encontrados; me alegra mucho tener la responsabilidad del Museo Nacional pero, también nos queda un nudo en la garganta de los 16 años que llevo en la Quinta de Bolívar y los 14 simultáneos que llevo en la Casa del Florero (…) entonces son dos sentimientos mixtos y una alegría que está en dos vías.

C.C: ¿Ya sabe quiénes lo remplazarán en la dirección del Museo Quinta de Bolivar y El Museo de la Independencia o Casa del Florero?
D.C.B: No. También es un proceso que debe tomar un tiempo (…) yo creo que es importante tener en cuenta esa famosa frase “que del afán no queda sino el cansancio”.
Me alegra mucho haber sido elegido entre la terna que pasó por el proceso meritocrático que el ministerio diseño y ya tendremos que mirar cómo se abordan los temas en el Museo Nacional y cómo vamos identificando la ruta para saber qué personas puedan quedarse a cargo de los otros dos museos.

C.C: ¿Cuáles son los retos y oportunidades del Museo Nacional de Colombia?
D.C.B: Hay una enorme oportunidad y es saber que el Museo Nacional es la casa matriz de los museos del país -por su trayectoria, por su antigüedad y por su importancia-; ahí hay una enorme oportunidad de transmitir muchos de los logros que hemos alcanzado en Quinta de Bolívar y Casa del Florero.
Otra es un asunto anecdótico: yo fui jefe de la división educativa del Museo Nacional entre 1995 hasta casi 1999 (en dos momentos diferentes) y volver al museo indica poder seguir fortaleciendo esa parte. Vale la pena recordar que el Museo Nacional nació con una profunda vocación pedagógica y seguir fortaleciendo ese trabajo -en el cual me considero una persona con experiencia-, va a ser importante.
Otro; es seguir acompañando ese proceso de renovación que el museo tiene a su cargo.

C.C: ¿Ya ha tenido acercamientos con el plan estratégico del Museo Nacional y la programación del mismo?
D.C.B: Eso también implica un intercambio cuidadoso de qué es lo que el museo tiene en mente, porque yo le creo profundamente a procesos de continuidad donde naturalmente uno a partir de la experiencia en otros lugares va a llegar a aportar y a enriquecer. Es decir, corremos riesgos si pensamos que cada persona nueva llega a inventarse procesos, planes y programas.
Lo que sí me parece es que el museo tuvo un plan estratégico claramente diseñado y que podríamos decir casi que se agotó en el año 2010, así que estamos en mora de ver si el Museo Nacional ha avanzado en la construcción de un nuevo plan o cómo construimos uno para identificar qué es lo prioritario, qué es lo importante y cómo generamos un intercambio. La idea es no solamente ser receptores de lo que pasa en el mundo, sino cómo nosotros podemos salir a darnos al mundo; tenemos un patrimonio valiosísimo que también creo que amerita que circule por Colombia y el mundo y eso también implica una posibilidad de visibilidad y también de proyección.

C.C: Precisamente, mientras se termina el proceso de ampliación del Museo Nacional ¿cómo exhibir las colecciones que están guardadas?
D.C.B: Lo que han hecho muchos museos del mundo cuando se encuentran en fase de ampliación o renovación de sus inmuebles, es que parte de sus acervos sencillamente circulan por el mundo, esa es una maravillosa posibilidad… es una estrategia que tendíamos que empezar a revisar para que efectivamente la gente pueda acceder a ese patrimonio y no sigamos con la preocupación de que todo está guardado y que solo hasta que tengamos una posible ampliación eso pueda salir a la vista.

C.C: Al museo se le critica su falta de autonomía artística frente al Ministerio de Cultura y que no exhiba colecciones de arte contemporáneo, ¿qué piensa al respecto? ¿Cambiará la línea curatorial del Museo Nacional?
D.C.B: Insisto, podría ser apresurado dar una respuesta porque estoy en este momento entrando a conocer el museo, sé que ha habido una serie de intentos, que hay proyectos, que están reflexionando sobre esa idea de cómo actuamos en consecuencia de ser un museo. Quisiera ser muy cauteloso en ver qué es lo que el museo ha estado pensando en esa dimensión y ver cómo luego podemos entrar en diseñar estrategias y propuestas específicas. Yo podría hablar de mi experiencia hasta este momento y es cómo hemos hecho un ejercicio de apertura, permitiendo que el arte contemporáneo anime, active y genere nuevas miradas con respecto a colecciones históricas. 
Fuente
http://confidencialcolombia.com


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