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DENTRO DE CHRISTIE|VÍDEO|30 DE ABRIL 2015 Mi pasión: pinturas británicas y esculturas El último de nuestra serie de películas para celebrar el 40 aniversario de Christie South Kensington ve especialista Tom Rooth discutir comisariado la exposición perfecta, firmas falsas - y los objetos que se esfuerza por desprenderse de "Una de las mejores partes de la tarea es ver una imagen muy emocionante - que en realidad puede ser muy triste dejarlos ir", dice Tom Rooth, Director del Departamento Impresionista Fotos victoriana y británica . En este detrás de las escenas de gira, Tom nos lleva dentro del almacén de Christie - un tesoro de pinturas y esculturas que datan de los años 1500. Una pintura excepcional por Sir Alfred Munnings es un original rara de un artista a menudo imitado-: "La firma es la clave", dice Rooth, 'para cada Munnings vemos treinta falsificaciones. 'Usted hace construir una relación con estas fotos ", añade Rooth,' pero siempre va a buenos hogares. Vuelve en para más videos y características con los especialistas de Christie South Kensington, que celebra su 40 aniversario con una serie de eventos especiales .

 DENTRO DE CHRISTIE SOUTH KENSINGTON: 'EL MUSEO ALTERNATIVO " Nic McElhatton unió de Christie South Kensington como portero en 1984. Ahora el presidente de la Casa de Subastas, describe lo que hace que la habitación del Reino Unido de mayor actividad de ventas, que celebra su 40 aniversario este año, un lugar tan extraordinario para trabajar. MI PASIÓN: ESQUELETOS, FÓSILES, INSTRUMENTOS CIENTÍFICOS Como parte de nuestra serie de películas para celebrar el 40 aniversario de Christie South Kensington, James Hyslop, Jefe del departamento de Viajes, Ciencia y de Historia Natural, discute los fósiles extraordinarios, objetos e instrumentos que tiene el privilegio de trabajar con.

Propiedad de la colección de John C. Whitehead Con 90 obras de notable hallazgo de John C. Whitehead de las bellas artes, esta colección revela soportando persecución del Sr. Whitehead de la belleza y el amor de las obras maestras impresionistas y post-impresionistas. A lo largo de su vida, el Sr. Whitehead fue celebrado por sus muchos logros en los negocios, la política y la filantropía, habiendo servido como el Presidente de Goldman Sachs y como subsecretario de Estado, sino que también era conocido por su apasionado interés en el arte al más alto nivel. Después de comprar un Modigliani Amedeo dibujo en una subasta en Londres por un capricho, el Sr. Whitehead comenzó a acumular una colección completa que se desarrolló a lo largo de su vida. Con la ayuda de su amigo y marchante, Achim Moeller, adquirió pinturas, esculturas y obras sobre papel, centrándose en las obras de los principales artistas de los siglos 19 y 20, entre ellos Edgar Degas, Gustave Courbet, Paul Gauguin, Pablo Picasso, Auguste Rodin, Edouard Manet y Henri Matisse. Liderados por íntima de Modigliani Retrato de Beatrice Hastings -su musa y amante en el tiempo y el estudio trascendental de Monet de la luz y el paisaje, Paysage de matin (Giverny) , esta colección también incluye obra favorita del señor Whitehead, de Renoir Retrato de Andre Bérard , un pastel de tamaño diminuto que representa a un sencillo retrato de un niño. Su atractivo al colector afirma su adhesión personal a todas las obras de su colección: "Hay tal inocencia al muchacho. ¿Es que mi yo interior? Un buen recuerdo de cuando mis hijos eran pequeños? No lo sé. "Las selecciones personales de esta venta representan un hombre cuya pasión y dedicación iluminado todos los aspectos de su ilustre vida. Art Dialogue: Zeng Fanzhi y Old Master Paintings Antiguo departamento Master Paintings de Christie celebró su exposición inaugural en la China continental en abril de 2015. Uno de los aspectos más destacados de este evento fue el diálogo entre China artista principal, el Sr. Zeng Fanzhi, y Nicholas Hall, Jefe Internacional de pinturas de maestros antiguos de Christie y 19 º Siglo Departamento de Arte, el 13 de abril a las Yuan Espacio en Pekín. De Mark Rothko radiante y Smoldering Nº 10 Arde todavía luminiscente, de Mark Rothko Nº 10 se llena de vida con una paleta de rojos, amarillos, rosas y umbers ahumados. Pintado en 1958, cuando el artista estaba en la cúspide de sus logros artísticos y críticos, de Mark Rothko No. 10 representa el pináculo de su destreza alquímico. Usando el más básico de los materiales-lienzo artístico, aceite y pigmentos Rothko es capaz de crear una pintura que parece brillar con una luminiscencia sobrenatural, el resultado de una superficie que se esfuma con la energía pictórica. En 1958 la vitalidad de sus pinturas se había convertido tenue y una paleta austera y ominosa había pasado a primer plano, comenzando lo que es considerado por muchos como uno de los períodos más significativos de su arte. En No. 10, la riqueza y gran variedad de colores de Rothko es más evidente en la franja delgada de la actividad pictórica que se produce hacia el centro de la tela. Aquí, en esta área intensamente trabajado, el artista revela una extraordinaria variedad de sutiles pasajes, casi indistinguibles de rojos, amarillos, rosas, umbers y ocres que constantemente se desplazan bajo la mirada humana. La tensión que existe en la superficie de ésta y muchas otras pinturas de Rothko fue el resultado de su larga y deliberativa proceso. Al otro lado de la superficie expansiva del lienzo, Rothko en escena una multiplicidad de eventos en los que interactúan borde y suelo; tonalidades son asimilados y contrastados; y texturas son opuestas y mezclado. Sus efectos ópticos provocan una respuesta emocional que resuena con la ambición de Rothko para crear una experiencia total para el espectador, donde tactilidad es emocional y opticalidad es empática. Christie's in Moscow We look forward to welcoming you to our new office in Moscow. Mi pasión: el arte decorativo del siglo 20 y diseño Especialista de Christie Fiona Baker le da consejos sobre la compra del diseño del siglo 20 - de art deco original, al vidrio francés arsénico infundido "Mi experiencia particular es en art nouveau y art deco, 'dice el especialista de Christie Fiona Baker, que muestra una selección de algunas de las piezas extraordinarias que trabaja con - de los maestros nouveau arte incluyendo Lalique y Gallet. 'Lalique nunca regalar su receta para el vidrio opalescente - Creo que uno de los ingredientes en este es el arsénico ", comenta Baker, que ofrece una visión intrigante excepcionalmente detallada florero Ceylan del artesano. Baker también tiene un consejo para los aspirantes a los coleccionistas, que muestra cómo el conocimiento experto puede diferenciar una escultura falsa de su arte nouveau auténtica equivalente. Vuelve en para más videos y características con los especialistas de Christie South Kensington, que celebra su 40 aniversario con una serie de eventos especiales. Giacometti: el gesto que define 'Una metáfora positivo para la civilización que emerge de los años de terror físico y psíquico "- la historia de Alberto Giacometti L'homme au doigt , puesto a la venta en Mirando adelante al pasado en Nueva York el 11 de mayo 'En cuanto a la escultura del hombre que apunta de 1947 ", dijo Alberto Giacometti," yo quería desde el principio para hacer una composición de dos cifras, pero la primera vez que se realizó la era del todo imposible para mí para hacer el segundo. No fue sino hasta 1951 que tuve la tentación de tratar de hacerla y la figura de yeso fue exhibido en Maeght de en mi exposición de 1951. No era lo que quería e inmediatamente después de la exposición destruí la figura de yeso que nunca fue lanzado en bronce, por lo tanto, ya no existe ... por lo tanto la primera figura, el hombre que apunta, se mantendrá por sí mismo. ' L'homme au doigt encuentra con excelente seguridad en sí mismo, que domina el espacio a su alrededor con su gesto de mando, desafiando la prensa indomable de mortalidad. La cabeza bien alta, la cifra gira en la dirección del dedo que señala, como si a obedecer su señal por mirar hacia el exterior, hacia adelante. 'Sin precedentes en la escultura,' Valerie Fletcher ha escrito, "esta figura de palo adecuado al espíritu de la época de las secuelas de la guerra - tal vez una metáfora positivo para la civilización que emerge de los años de terror físico y psíquico. La pose despierta la especulación: es él simplemente dando instrucciones a un transeúnte, o podría estar indicando que el camino hacia un futuro más brillante o gran más allá '? En la era de la posguerra, Giacometti había hecho su desafío y tarea de reinventar la idea misma de la escultura, rompiendo las convenciones tradicionales de modelado de encontrar una manera verdaderamente personal para expresar su visión de la realidad. Sin embargo, sus cifras no fueron sin precedentes vitales e importantes en la historia del arte. L'homme au doigt toma como un punto de partida el gran bronce de Poseidón o Zeus desde el cabo Artemision, a punto de lanzar un tridente o un rayo, atrapado en el momento de hacer una pausa en la potencialidad plena de su acción que viene. El gesto de la figura también se remonta a la pose clásica de la oratoria, la de la estatua de Prima Porta del emperador romano Augusto abordar sus tropas, por ejemplo, y de Rodin San Juan Bautista de la predicación - gestos de líder y de vidente. Alberto Giacometti (1901-1966), L'homme au doigt , 1947. Bronce con pátina y pintados a mano por el artista. Altura: 69 7/8 in (177,5 cm.) Estimación por encargo.. Este trabajo se ofrece en Mirando adelante al pasado - Una Tarde Venta comisariada el 11 de mayo en Nueva York Por su propia cuenta, Giacometti creó L'homme au doigt en una sola noche fenomenal. Su espectáculo en la galería de Pierre Matisse de Nueva York estaba programado para abrir en enero de 1948, y el tiempo se estaba acabando. "Yo hice esa pieza en una noche entre la medianoche y las nueve de la mañana siguiente", dijo Giacometti. "Es decir, que ya lo había hecho, pero demolido y lo hizo de nuevo, porque los hombres de la fundición venían a quitárselo. Y cuando llegaron aquí, el yeso estaba todavía húmeda. 'En 1945 juré a mí mismo que no quería dejar que mis figuras se hacen más pequeños y más pequeños, ni siquiera por una pulgada,' Giacometti recordó más tarde. 'Pero ahora ocurrió lo siguiente: podía mantener la altura, sino que empezó a estrecho, estrecho, alto ... y delgada como un hilo ", continuó. 'Usted no se siente su peso. Quería reproducir este ligereza, y que al hacer el cuerpo tan delgado. Para 1947, Giacometti se había dado cuenta plenamente de su nuevo enfoque de la escultura, que dio forma permanente a sus experiencias visuales. En este single, maravillosamente productivas annus mirabilis , creó el primero de sus muchos hombres a pie y en la audacia gesticulando L'homme au doigt , todas de tamaño natural. Estas nuevas esculturas estaban sin precedente ni paralelo, a menos que uno regresó a las obras más primitivas del hombre antiguo. L'homme au doigt , James Lord escribió, es "ampliamente y con razón considerado como uno de los más importantes y sugerentes obras del artista ' . El actual elenco entró en la colección del Dr. Fred Olsen de Connecticut en 1953. Se cree que es la única de bronce L'homme au doigt que Giacometti pintado a mano para aumentar su impacto expresivo, un tratamiento que se concede a un grupo selecto de su esculturas. Él siempre había apreciado el hecho de que las figuras esculpidas en la antigüedad, sobre todo en el antiguo Egipto y en Europa durante la Edad Media, se pintó típicamente para proyectar un efecto realista sorprendente. 'Giacometti primera coloreado algunas de sus piezas, mientras que en la clase de Bourdelle, donde llegó a ser impaciente con la escultura monocromática,' David Sylvester ha señalado. 'Acerca de 1950 comenzó a pintar algunos de los de bronce arroja por completo, sobre todo en ese momento y luego, cuando los pintó en el sitio en la Bienal de Venecia en 1962, y otra vez para la inauguración de su exposición en la Fondation Maeght en Saint-Paul- Vence en 1964. Desde luego, cree que, en principio, su escultura debe ser de color '. Mientras trabajaba en sus posteriores grupos de varias cifras, L'homme au doigt nunca estuvo lejos de la mente de Giacometti. En 1949, la Galería Tate compró un molde de bronce de la escultura directamente del artista, la primera de sus obras para entrar en un museo europeo. En 1951, el coleccionista estadounidense aventurero Saidie mayo, un patrón inicial de los expresionistas abstractos, legó otro de los hombres de bronce que señala (hay siete elencos en total) para el Museo de Arte de Baltimore; tres años más tarde, Blanchette Hooker Rockefeller donó su elenco de la escultura al Museo de Arte Moderno, asegurando que es un lugar permanente en la conciencia cultural de vanguardia de Nueva York. Giacometti dio la bienvenida a la atención perceptiva de poetas, dramaturgos y filósofos, pero no quería que su obra sea vista simplemente como un reflejo de la polémica de moda sobre el extrañamiento, la irracionalidad y la desesperación, y se negó a ser presentado como el avatar del tópico de la posguerra mentalidad existencial en la escultura moderna y la pintura. Para él, esto era una distracción de lo que realmente importaba; él quiso dejar claro que era mucho más importante para entender el mundo físico esencial de sus esculturas, el hecho de que se conectan con el arte del pasado más lejano, y, al mismo tiempo que estaban profundamente arraigados en nuestra experiencia de la vida moderna . Las Tres Hermanas en la playa: Una obra maestra importante por Joaquín Sorolla y Bastida Comentarios Arne Everwijn y Lucía Tro Santafé cuota de Sorolla bisnieta Blanca Pons-Sorolla en uno de los cuadros más importantes del artista lleguen al mercado en los últimos años. Las tres hermanas en la playa se ofrecerá en el europeo del siglo 19 y venta Arte orientalista el 15 de junio. Joaquín Sorolla es uno de los principales artistas españoles del siglo 20 cuya obra está ampliamente representada en los más prestigiosos museos y colecciones privadas de todo el mundo. Al lado de ser un genio creativo, él era un padre devoto cuya empatía hacia los niños se refleja en la capacidad de captar sus sutilezas de expresión y movimiento. En Las Tres Hermanas en la playa Sorolla representa tres hermanas jóvenes tomados de la mano en la orilla del agua. La composición está íntimamente cosechado, sin línea de horizonte, y una niña saltando en el plano de la imagen de la izquierda, el equilibrio de la postura más estática de sus hermanas que contemplan los remolinos y olas a sus pies. La arena húmeda tiene un brillo profundo, evocado en los negros y morados, lo que contrasta con los tonos más claros de la ropa de las niñas y las aguas agitadas que llenan la mayor parte del lienzo. La escena se observa con ternura, pero nunca decae en el tipo de sentimentalismo que un tema tan podría provocar. Más bien, Sorolla transmite un naturalismo que refleja un profundo conocimiento de los elementos y de los niños, y la reacción de cada uno para el otro, lo que resulta en una pintura de extraordinaria luminosidad y sensación.