La historia del arte indio contemporáneo en el último siglo ha sido de evolución dinámica.
Los primeros artistas indios "contemporáneos" vivieron y trabajaron en el entorno cultural altamente politizado de India antes y después de la independencia. Se presentaron como modernos y seculares. Si bien algunos artistas indios de la época tenían una orientación política, muchos otros se involucraron en cuestiones formales. Algunas revivieron las tradiciones indígenas, otras buscaron inspiración en las influencias europeas.
Ciertas tensiones informan los trabajos de todos los artistas indios contemporáneos, particularmente aquellos que fueron pioneros en el campo. Hay tres cuestiones básicas que han tenido que resolver:
a) cómo expresar su ethos indio;
b) cómo relacionarse con las expresiones idiomáticas internacionales;
yc) cómo desarrollar una 'voz' original.
Como señala KG Subramanyan, esto ha resultado en los últimos cien años, en enfoques constantemente fluctuantes de los artistas hacia sus medios. El estilo académico occidental introducido en la época colonial en el plan de estudios de las facultades de arte de la India, donde todavía se enseña, fue desafiado primero por los artistas de la escuela de Bengala que hicieron de su objetivo promover una comprensión del lenguaje de las formas de arte tradicionales.
Posteriormente, el rechazo de los estereotipos tradicionales y un cambio hacia los modelos occidentales fue seguido a su vez por los intentos de presentar temas indígenas a través de métodos no tan indígenas. Luego, un regreso a temas y estilos antiguos, y su mezcla con elementos foráneos para crear un gran "idioma oriental", activó una reacción hacia la "Olimpiada global" con intentos de hibridar características nativas y extranjeras. Así que continuó como si 'fuera un juego en el que dos culturas antípodas luchaban entre sí'.
Hoy el arte indio está confiando en la mayoría de edad. Toda forma de expresión estilística en las artes visuales, desde el naturalismo hasta el expresionismo abstracto, deriva su poder de la conexión emocional del artista con su realidad perceptiva.
La identidad nacional se ha convertido en un fenómeno multifacético hoy en día. Y dado que el arte es un vehículo para la expresión personal, el arte moderno en la India, como en cualquier otro lugar, debe reflejar las complejidades de la vida en nuestra nación moderna en su propio contexto único, y de maneras diferentes a las de Occidente.
Es en este contexto que el artista indio contemporáneo debe identificarse con su tierra, su gente, su pasado y su presente, sin perder ni su voz individual ni sus valores universales, ni en el arte como en la vida.
En los últimos cien años, los artistas indios han desarrollado una amplia variedad de estilos expresivos.
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Sunil Das
'Untitled'
óleo sobre lienzo
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El "realismo interpretativo" o la iluminación personalizada de la realidad objetiva -a veces acentuada con punteros sociales oblicuos, graciosos o satíricos- se presenta con distintivas variaciones creativas en las obras de artistas como Bhupen Khakkar, Paritosh Sen, Krishen Khanna, Bikash Bhattacharya, Dharmanarayan Dasgupta, Sunil. Das, Sudhir Patwardhan, Shyamal Dutta Roy, Ghulam Mohammed Sheikh, AG Ramachandran, Shuvaprasanna, Sajal Roy, Jai Zharotia, Atul Dodiya y Jaideep Mehrotra, entre otros.
El realismo se convierte en fantasía en la poderosa linealidad y las formas surrealistas de Jogen Chowdhury, subrayadas con acerbos comentarios sociales; y en la romántica ternura de Sanat Kar, la visión del niño de Madhvi Parekh y Amitava Das, y la elevada experiencia sensorial de Manjit Bawa.
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Jogen Chowdhury
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(del libro sobre el artista, Enigmatic Visions ', publicado por Glenbarra Art Museum, Japón)
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Un tema recurrente en el arte indio es su compromiso en muchos niveles con el mundo natural, ya sea presentado directamente en los paisajes esculpidos livianos de Paramjit Singh, iluminado con motivos folclóricos como en los trabajos de Madvi Parekh, o abstraído en forma casi espiritualizada en las obras de Ganesh Haloi y Ram Kumar.
Previsiblemente, el espiritismo, el simbolismo y el surrealismo también asumen muchas formas en el arte indio. Aquí, la realidad percibida se transfigura a través del prisma de una imaginación introspectiva y figura en imágenes de muchas posibilidades facetadas. Parte del arte moderno más moderno de la India está enraizado en este espíritu.
De modo que tenemos las luminosas vislumbres introspectivas de Ganesh Pyne extraídas de la experiencia mundana; y la poesía iridiscente de las abstracciones abstractas e imaginativas de J. Swaminathan de elementos de diseño indio.
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Biren De (1970) aceite
'sin título'
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Los símbolos cósmicos y "tántricos", a menudo combinados con caligrafía o imágenes figurativas, están cargados con energía resonante en el arte de GR Santosh, Biren De, KCS Panikar, KV Haridasan, Prafulla Mohanty u Om Prakash.
E incluso lo familiar adquiere connotaciones místicas en obras de artistas como Rameshwar Broota y Wasim Kapoor, cuando su tema aparece en formato ampliado, con detalles reducidos a un significado fundamental.
En las secciones siguientes, veremos brevemente la evolución de las tendencias y movimientos de arte innovadores a medida que se desarrollan y transforman en el trabajo de artistas indios contemporáneos representativos. Mientras que Bengal seguirá siendo nuestro enfoque, haremos breves bocetos de artistas eminentes y tendencias artísticas en otras áreas del país.
Arte indio contemporáneo: reseña histórica Movimientos de arte
contemporáneo en India
Arte indio
contemporáneo imprime arte contemporáneo en Calcuta y Bengala
Tendremos exposiciones de arte regulares en nuestro sitio web para familiarizar a nuestros televidentes con los diversos impulsos de "modernismo" proyectados en las obras de arte contemporáneas de la India, en toda su diversidad ecléctica de "estilos" y temas artísticos. Esté atento a las nuevas pantallas cada seis semanas.
Nuestro primer espectáculo, "Horses" , presenta el pasado y el presente de los "maestros" establecidos, así como las interpretaciones de los artistas más nuevos.
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| MOVIMIENTOS DE ARTE CONTEMPORÁNEO EN LA INDIA |
El primer 'movimiento' notable para encender la escena de arte de la India fue iniciado por la conocida 'Escuela de Bengala' de Abanindranath Tagore. El cuerpo de trabajo generado por él y los artistas de renombre que siguieron - Gaganendranath Tagore, Nandalal Bose, Benodebehari Mookherjee, Mukul Dey y Asit Haldar entre otros tuvieron un impacto duradero en la escena artística de la India.
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Binodebehari Mukherjee
禅 ree Lover '
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Con sus centros en Calcuta y Shantiniketan, este movimiento ejerció una gran influencia en las escuelas de arte del subcontinente.
Impulsada por el fervor nacionalista y la búsqueda de una identidad india, la Escuela de Bengala intentó revivir el arte tradicional de la India dentro de un formato nacionalista. Sin embargo, despedir a sus artistas como simples "revivalistas", y su arte como un "naturalismo romántico" excesivamente sentimental y sentimental, como lo hicieron más tarde Amrita Sher Gil, los progresistas de Bombay e incluso el Grupo Calcutta, sería
pasar por alto su contribución real al "modernismo" en el arte indio. Como Kajal Sengupta escribe: "Cualquiera que sea el sentimiento político que crece en torno al movimiento, era necesario en esa coyuntura restablecer el respeto artístico de una nación pisoteada al servilismo".
Sus máximos exponentes no creían en los "modales" del arte ni en la conformidad con ningún sistema, tradicional o extranjero. Hicieron hincapié en la búsqueda personal y la sensibilidad a los impulsos de un entorno de vida. Cada uno buscó y experimentó con diferentes modalidades expresivas: persa, japonés, chino y, en el caso de Gaganendranath incluso el cubismo, para encontrar su forma apropiada de expresión. ¡Y por el contenido profundizaron en la persona! el misticismo, la mitología, el pasado romántico y, ocasionalmente, en Gaganendranath, incluso una sátira social apretada.
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Gaganendranath Tagore
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Los discípulos menos maduros se desviaron hacia el "manierismo", pero los que obtuvieron puestos de docencia en los colegios de arte del gobierno, de alguna manera fueron capaces de influir en estas instituciones para mirar más allá de sus programas rígidos en el academicismo occidental; señalando así el camino hacia los movimientos artísticos "modernos" de Europa hacia una nueva generación de estudiantes.
Por la misma época, Amrita Sher-Gil recién regresó a Shimla de la Ecole des Beaux Arts en París, inyectando un nuevo dinamismo en la escena artística de la India. Su fuerte respuesta emocional a su tema, la vida de la aldea de la India, se proyectó en composiciones que sintetizaban vívidamente los estilos indio y postimpresionista, particularmente el de Gaugin. Sher Gil señaló la rica variedad de contenido disponible para los artistas indios en su entorno inmediato, y les enseñó la importancia de los valores técnicos "pictóricos" en el arte.
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Amrita Sher-Gil
践 aldi Grinders '
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Pero el cambio más radical vino después, con la formación en 1943 del "Grupo de Calcuta" de artistas en un contexto de convulsión social y política violenta -guerra, hambre y violencia política y sectaria generalizada- en la India en los años cuarenta del pasado siglo. Artistas como Paritosh Sen, Rathin Maitra, Sunil Madhav Sen, Gopal Ghosh, Subho Tagore, Nirode Majumdar y otros, expresaron su protesta en sus propias voces distintivas. Para citar a Sundaram Tagore, "entre los artistas indios, el primero en responder al unísono a los valores modernistas internacionales fue el Grupo de Calcuta ...
El grupo de Calcuta se separó en 1953, cuando los miembros comenzaron a irse uno por uno a París, el artista Eldorado. Cuando regresaron después de los períodos de tong, ni los que se fueron, ni los que se quedaron atrás fueron los mismos.
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Paritosh Sen
閃 usic Lover '
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Luego, en 1948, se inició en Bombay el "Grupo Progresista de Artistas" con F. N Souza, Ara, Bakre, Gade, MF Hussain y SH Raza entre sus fundadores. Aunque no estaban unificados por una sola estética, estos artistas deseaban escapar de los límites tanto del arte académico "colonial" como del renacimiento "nacionalista" de la Escuela de Bengala. Queriendo expresar su originalidad en un idioma moderno, miraron hacia la escena artística internacional contemporánea para una exposición exploratoria.
Souza y Raza abandonaron el país poco después, pero tuvieron espectáculos frecuentes y tuvieron su público más numeroso en la India. Bakre lo siguió. Pero Hussain se quedó atrás, asimiló las influencias de los modelos occidentales e indios y experimentó con ellos para finalmente desarrollar un estilo "épico" vivamente emocional que expresara la rica diversidad de la India poscolonial.
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MF Hussain
繕 ntitled '
gouche
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El Grupo Bombay, con Krishen Khanna y Gaitonde entre sus últimos miembros, no duró mucho. Aunque sus artistas individuales produjeron trabajos originales y sensibles, fueron esencialmente toners, sin compartir ningún compromiso con ninguna ideología social o artística. Por lo tanto, no dejaron ninguna influencia singular en la escena artística total. Sin embargo, al igual que todos los artistas originales cuyas identidades están necesariamente fusionadas con la cultura a la que pertenecen, no pudieron sostener su "neutralidad cultural" por mucho tiempo. Ocasionalmente e inevitablemente, India invade su conciencia artística, en símbolo, tema,
Bombay, como centro cosmopolita de la India, produjo muchos "originales" eminentes, incluidos KK Hebbar, Tyeb Mehta, Akbar Padamsee, Sudhir Patwardhan, Jehangir Sabavaia, NS Bendre y, más recientemente, Atul Dodiya y Jaideep Mehrotra.
En 1957, el `Grupo de Artistas de Baroda 'se formó bajo la dirección de NS Bendre. Destacados artistas de Baroda incluyen, Bhupen Khakkar, Gulam M. Sheikh, Ratan Parimoo, Rekha Rodwittiya, Jyotsna Bhatt y Vivan Sunderam. Este grupo dinámico evolucionó a partir de una ocurrencia significativa en 1950 en la escena del arte indio: la fundación de la Facultad de Bellas Artes en la Universidad de Baroda.
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Gulam Mohammed Sheikh
全 till Life '(1993)
carbón
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Con el renombrado escultor de Bengala Sankho Chowdhury como su primer consejero y una facultad dotada de legendarios nombres del medio artístico de la India, incluidos NS Bendre y Jeram Patel de Bombay, y KG Subramanyan de Shantiniketan, la Escuela Baroda se convertiría en un centro creativo vibrante y taller para artistas talentosos de toda la India. Al tiempo que proclamaban su adhesión a la tradición india, los estudiantes debían visitar rutinariamente escenas de la vida cotidiana en las calles, los mercados y las estaciones ferroviarias, y los profesores y estudiantes también lidiaban creativamente con los problemas del cubismo.
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KS Kulkarni
'La última cena'
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No hubo una voz colectiva o un impulso artístico que revolvió la superficie de la escena artística de Delhi hasta que el pintor-escultor KS Kulkarni fundó la vanguardia Delhi Shilpa Chakraen 1947. Nacido en Belgaum, y educado en la JJ School of Art de Bombay, Kufkami estaba trabajando en AIFACS (All India Fine Arts and Crafts Society). El Delhi Shiipa Chakra dio a los jóvenes artistas de la ciudad una plataforma desde la cual desafiar las formas insípidas del arte tradicional entonces en boga. El año siguiente, Kufkarni estableció el reputado Triveni Kala Sangam. Aunque comenzó con dos o tres estudiantes, finalmente estas dos instituciones se convirtieron en los conductos para sus ideas creativas.
En los diecinueve años que Kulkarni fue Director del Departamento de Arte de Triveni, él entrenó a varios estudiantes brillantes que son artistas eminentes en la actualidad. Otros, como Gade, Gaitonde y Laxman Pai, gravitaron hacia Delhi desde otras partes de la India para trabajar y algunos finalmente se establecieron allí. Los nombres famosos en Delhi hoy en día son, entre otros, arios, Anjoli Ela Menon, Arpana Caur, Arpita Singh, Kishen Khanna, Paramjit Singh, Rameshwar Broota, Ram Kumar y Satish Gujral.
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Arpana Caur
禅que Baul y el alma atrapada'(1989)
de aceite
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En el sur de la India, mientras tanto, las prácticas artísticas y la educación tomaron otro camino hacia el "modernismo". Cuando el famoso pintor y escultor DP Roy Chowdhury descendió de Bengala en 1929 como Superintendente de la Escuela de Arte de Madras, llevó consigo, como discípulo de Abanindranath Nath Tagore, las tradiciones y la influencia del primer movimiento de arte reaccionario de la India, el de la Escuela de Bengala. En sus treinta años en Madrás, trató de sintetizar las ideas orientales con técnicas occidentales, proporcionando así el ímpetu requerido hacia el modernismo en el sur.
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DP Roy Chowdhury
践 illscape '
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Pero fue KCS Panikar quien sucedió a Roy Chowdhury como director, quien fue pionero en una nueva tendencia en la pintura. A finales de los años cincuenta y principios de los sesenta, dirigió un pequeño grupo de artistas como N. Viswanadhan, AP Santharaj, Redeppa Naidu y Ramanujam, tratando de liberarse del control de la figura estándar y el espacio definido por la perspectiva: los ideales arbitrados por Tradición del arte del Renacimiento occidental. El estilo figurativo del arte popular, el estilo anecdótico de las miniaturas indias, el gran estilo épico de la escultura tradicional y el enriquecimiento de las imágenes icónicas y caligráficas.
Las primeras instituciones artísticas surgieron en otros estados del sur de la India. Y los artistas del sur han avanzado desde entonces para afirmar su presencia en el ámbito nacional e internacional. Incluyen en su famoso número, L. Munuswamy, Acchutan Kudallur, Surya Prakash, Yusuf Arakkal, KM Adimoolam y KR Subban.
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KM Adimoolam
然 eflex '
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Al discutir sobre artistas y tendencias artísticas de diferentes áreas de la India, debemos recordar que el verdadero artista es un ciudadano del mundo. Aunque en cierta medida está influenciado por las influencias de su entorno; su "voz" finalmente se define no por límites geográficos, sino por su estética interna, las tradiciones que ha heredado y su respuesta personal a su "realidad" inmediata.
El veterano artista de Goan Laxman Pai, por ejemplo, se formó en la Escuela de Arte JJ en Bombay y trabajó durante un tiempo en esa ciudad. Posteriormente, pasó diez años en París, y después de su regreso se estableció para trabajar en Delhi. Finalmente optó por establecerse en su territorio natal de Goa. Y esto ha sido cierto, en menor o mayor medida, para un número considerable de artistas.
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Laxman Pai
繕 ntitled '(1992)
aceite
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| Ganesh Haloi | |
'Intitulado'
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| ARTE CONTEMPORÁNEO EN LA INDIA: LA REGIÓN DE BENGAL Y CALCUTA |
Calcuta, como el centro neurálgico del "imperio" indio de Gran Bretaña, se convirtió también en el centro neurálgico de la actividad artística en la modernización de la India. Era inevitable que los artistas urbanos migraran a esta ciudad cuando los talleres cortesanos de los estados del norte fueron gradualmente disueltos. También llegaron artistas rurales migrantes y aprendieron las nuevas técnicas para pintar al óleo. Y grupos de artesanos rurales entraron a la deriva en busca de empleo. Aquellos de ellos con habilidades para contribuir a la nueva 'industria' de diseños e imágenes de impresión fueron contratados por las oficinas de encuestas. Había espacio para todos.
Kalighat Pat
El cuerpo más significativo de pinturas y dibujos que se desarrolló en este momento, en la primera mitad del siglo XIX, fue el `Kalighat Pat '. Estas obras fueron realizadas por "patuas", comunidades de migrantes narrativos muy unidas, que se cree que se asentaron en el área donde se encuentra el Templo de Kalighat. El "arte" de la "Kalighat Pat" es una prueba de la fuerza y adaptabilidad inherentes a la tradición del arte popular vital de Bengala. Demuestra la manera en que estos artistas populares respondieron a los desafíos del cambio precipitado por el colonialismo, y adaptaron su cultura de trabajo a un entorno radicalmente cambiante, para crear una nueva y vibrante forma de arte. Que finalmente languideció se debió a la embestida competitiva de los nuevos procesos de impresión emergentes: la litografía, la oleografía y las imágenes de bazar impresas en bloque; y al hecho de que el arte popular, como una convención artística "supraindividual", no podría sobrevivir a la era del artista individual.
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Kalighat Pat (1890)
'Gato con pescado en la boca'
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Estas "palmaditas" fueron pinturas y dibujos episódicos, que se distinguen por su estilo típico en la tradición de la "palmadita" popular de Bengala, con los mismos colores brillantes, líneas fuertes y formas simplificadas, animados con el mismo ritmo, pero tocados inevitablemente por influencias occidentales . Las influencias occidentales emergen no solo en la modificación de las técnicas tradicionales, sino también en la perspectiva urbana del contenido.
Por ejemplo, el nuevo color de agua aplicado con pincel reemplazado pigmentos naturales, y esto permitió un poco de sombreado en la manera occidental para crear volumen. El fondo también se dejó sin caracterizar, lo que ahorró tiempo, pero también permitió que la imagen se destacara. El contenido adquirió una significación social más grande e inmediata; diversificando en temas tan seculares y diversos como los estilos de vida de los europeos en la ciudad, escenas de caza, las vidas de los nuevos ricos bengalíes y otras características y accesorios de la cultura urbana contemporánea.
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Kalighat Pat (1870)
'Bengali Baboo'
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Luego de ingresar a la arena, los "caballeros artistas" formados en la facultad de arte se formaron en las tradiciones "miméticas" formales del academicismo europeo. Cualquiera sea el tema, incluso las imágenes que afirman el nacionalismo cultural, se expresó en las diversas formalidades del "género" y los medios arbitrados por la tradición artística británica, a menudo dando como resultado una representación sin vida, ocasionalmente pomposa.
Fue esta tecnología erudita, ajena al espíritu de la India, la que fue rechazada por la Escuela de Bengala de Abanindranath, de la que ya hemos hablado.
Otros tres artistas de Bengala de ese período se destacan en ese territorio en movimiento entre la tradición india y el "modemismo" de Occidente.
El primero de ellos fue Rabindranath Tagore, más conocido por sus innovadoras obras literarias. Estaba en la viva individualidad de su concepción y estilo creativo, aunque no postuló ningún credo artístico: el primer pintor "moderno" de la India. En el arte, como en la literatura, la "visión del mundo" de Tagore rechaza el confinamiento dentro de definiciones estrechas. KG Subramanyan se refiere a su "espontaneidad y autenticidad personal" que "nos dio nuestra individualidad ... y una nueva sensación de libertad".
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Rabindranath Tagore
(Figura / "Sin título")
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Fuera de la Escuela de Bengala, estaba Jamini Ranjan Roy, un célebre nombre en el arte indio, que rechazó la autoidentificación de la Escuela de Bengala con un pasado elitista, y encontró su inspiración en el pueblo de Bengala y los estilos folclóricos urbanizados del `Kalighat Pat y las impresiones de Bat-taia del siglo XIX en Calcuta. Sin embargo, su trabajo no es, a pesar de sus raíces tradicionales, el arte popular. Su estilo es identificable de inmediato, por su énfasis "modemista" en la representación personalizada de temas folclóricos tradicionales, y su preocupación por los elementos plásticos de la forma y el color puro.
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Jamini Roy
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El tercer artista, Ramkinkar Baij, aunque entrenado en Shantiniketan por el célebre Nandalal Bose de la Escuela de Bengala, se mantuvo al margen de cualquier "movimiento". Su modernismo fue definido por su respuesta emocional y altamente personal a su entorno rural accidentado. Los componentes de su estilo pictórico -que contienen los primeros elementos de la verdadera abstracción en el arte indio y un sentido de movimiento vivo en desacuerdo con la presentación estática de las formas de arte tradicionales- se parecen más a la manipulación personalizada de elementos plásticos en el arte occidental moderno.
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Ramkinkar Baij 'Maternidad' (1940)
óleo sobre lienzo
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Finalmente, cuando en 1905 la Academia de Arte Jubileo fue establecida por Ranada Prasad Gupta, un estudiante del Gobierno. Art College desencantado por los esfuerzos para indianizar el plan de estudios, se formó un campamento de arte rival. Este pequeño círculo de artistas compuesto por Hemen Majumdar, Atul Bose, Satish Sinha Roy y otros, se adhirieron y continuaron siguiendo las tradiciones académicas descartadas del arte occidental. Aunque se burlaron de sus contemporáneos, sus obras son muy apreciadas en la actualidad. "Sari mojado" de Hemen Majumdar
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Hemen Majumdar
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Sin embargo, el cambio más cohesivamente radical en la escena artística de Bengala comenzó a producirse a principios de los años cuarenta del siglo pasado, cuando toda la India fue devastada por violentas convulsiones sociales: guerra, hambruna y violencia política y sectaria generalizada. Las heridas de este período se grabaron de manera incisiva en los dibujos de Zainul Abedin, los linograbados de Chittaprasad y, de forma más obsesiva, en las xilografías y todos los trabajos siguientes de Somenath Hore. ! n varios medios. y con la experimentación continuamente renovada,
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Somenath Hore Wood cut
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Los mismos factores socioculturales llevaron al nacimiento del "Grupo de Calcuta", formado en 1943 con artistas fundadores como Rathin Maitra, Paritosh Sen, Sunil Madhav Sen, Gopal Ghosh, Subho Tagore, Nirode Majumdar y Prodosh Dasgupta en su número. La siguiente década estuvo de hecho dominada por la vitalidad y variedad de los artistas del Grupo Calcutta, quienes comenzaron a desarrollar sus propias expresiones idiomáticas, estilos y perspectivas.
Los `Calcutta Painters 'surgieron más tarde, con jóvenes talentos dinámicos como Nikhil Biswas, Bijon Chowdhury y Prakash Karmakar como tres de los miembros fundadores. Sus obras se reflejan en su distorsión de líneas y visualización, su profunda implicación en las tensiones sociales y psicológicas de la época. Entre los pintores de Calcuta, las obras de Jogen Chowdhury, Rabin Mandal, Gopal Sanyal y otros también reflejan el profundo compromiso emocional del artista con su realidad ambiental.
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Rabin Mandal
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Luego, en 1960, se formó la "Sociedad de Artistas Contemporáneos" en Calcuta. Los luminosos nombres de las siguientes dos décadas, Amitabh Banerjee, Bikash Bhattacharjee, Dharmanarayan Dasgupta, Ganesh Haloi, Ganesh Pyne, Lalu Prasad Shaw, Manu Parekh, Sanat Kar, Somenath Hore, Sunil Das, Suhas Roy, Shyamal Dutta Ray y otros que formado o se convirtió más tarde en una parte de este grupo, produjo obras que fueron sus propias interpretaciones profundamente personalizadas de la realidad contemporánea. La forma de su auto expresión cristalizó en una diversidad de temas, técnicas y modismos. En el arte evitaron resolver problemas emulando cualquier marca estilística ya sea occidental o indígena, contemporánea o tradicional, al igual que en la vida no encontraron una salida fácil al adoptar una única ideología política. Su impulso por un modo contemporáneo de autoexpresión provino principalmente de una necesidad compulsiva de decir en el arte qué fue lo que más les afectó en las realidades contemporáneas de su percepción inmediata. al igual que en la vida, no encontraron una salida fácil al abrazar una única ideología política. Su impulso por un modo contemporáneo de autoexpresión provino principalmente de una necesidad compulsiva de decir en el arte qué fue lo que más les afectó en las realidades contemporáneas de su percepción inmediata. al igual que en la vida, no encontraron una salida fácil al abrazar una única ideología política. Su impulso por un modo contemporáneo de autoexpresión provino principalmente de una necesidad compulsiva de decir en el arte qué fue lo que más les afectó en las realidades contemporáneas de su percepción inmediata.
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Dharmanarayan Dasgupta
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El período también vio un distanciamiento gradual del arte de una identidad india asertiva. Además, los artistas siguieron su vocación con una atención más meticulosa a la artesanía, la experimentación y la perfección técnica. Sin embargo, prácticamente no había mercado para el arte en Calcuta. Ningún artista en particular, y esto era particularmente cierto para los jóvenes talentos, tenía los recursos monetarios para organizar exposiciones individuales en Calcuta, y mucho menos viajar a los mercados de arte mejor organizados de Bombay o Delhi. Por difíciles que sean sus circunstancias personales, sin embargo, improvisaron formas de sobrevivir. La proliferación de grupos de arte en este momento fue una de ellas, permitiendo a los artistas juntar recursos para mostrar su trabajo. Otra característica interesante de esta época fue la tendencia de algunos artistas a pintar en ambos lados del lienzo para ahorrar material.
Algunos artistas viajaron al exterior para absorber las influencias del arte occidental. Algunos artistas de Bengala, como Arun Bose y Shakti Burman, incluso decidieron establecerse en París y Nueva York, manteniendo su conexión con la escena artística de Bengala a través de espectáculos regulares.
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KG Subramanyan
'Sin título'
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Aparte de esto, está el legendario artista senior de Shantiniketan, KG Subramanyan, que también formó parte de la Facultad de Baroda, cuyas imágenes figurativas altamente expresivas y personalizadas en pinturas y pinturas de vidrio han evolucionado desde su yuxtaposición dinámica y creativa de lo urbano contemporáneo. percepciones con tradiciones populares y populares.
Ramananda Bandhopadhay, cuyo trabajo es una interpretación vibrante del espíritu de la Escuela de Bengala; y desde los años 70 en adelante ha existido el vigoroso expresionismo socialmente consciente de artistas como Sajal Roy y Shuvaprasanna
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Sajal Roy
'Sin título'
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Los años ochenta en adelante han visto un renacimiento artístico y la aparición de un creciente número de estilos y declaraciones poderosos, de artistas cuyas obras continúan exhibiendo una creciente diversidad de expresión y contenido. Muchos como Aditya Basak, Ashok Bhowmick, Ashok Mullick, Manoj Dutta, Manoj Mitra. Pradip Maitra, Ramlal Dhar, Sadhan Chakrabarty, Shekhar Roy y Tilok Mondol, entre otros, tienden a la imaginería figurativa que puede incorporar su percepción personal, social o filosófica. A esta categoría también pertenecen Atin Basak, Chandra Bhattacharya, Rajarshi Biswas, Sanatan Dinda, y Sk. Sahajahan de finales de los años noventa y principios del siglo XXI.
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Sk. Sahajahan
'Reglas Universales (2005)
Medios de Comunicación
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Otros, como Chitravanu Majumdar, Sudhangsu Bandopadhyaya, los hermanos Kabasi, Chhatrapati Dutta y Arindam Chatterjee, tienen variaciones creativas, mezcladas con el arte abstracto.
Un gran número está creando imágenes figurativas que no hacen otra declaración que transmitir un estado de ánimo profundamente personal, cuyo "significado" se internaliza dentro del vocabulario de línea, espacio, color, diseño y textura. Representando esta tendencia son artistas como Paresh Maity, Jaya Ganguly, Gautam Basu, Chanchal Mukherjee, Jayashree 8urman y Jayashree Chakravorty.
Todavía otros han evolucionado y continúan evolucionando, de una percepción a otra. Esta inquieta búsqueda de posibilidades cada vez más nuevas de crecimiento personal y artístico es lo que en última instancia define la perspectiva de un artista original.
En otras secciones, vamos a rastrear brevemente la evolución de las tendencias y conceptos innovadores a medida que se desarrollan y transforman en el trabajo de artistas indios contemporáneos representativos. Mientras que Bengal seguirá siendo nuestro enfoque, también daremos breves esbozos de artistas eminentes y tendencias artísticas en otras áreas del país. |
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Como KG Subramanyan (quien pasó algunos años muy productivos en Baroda) escribe: "Debería ser un gran tributo a cualquier artista o escritor decir que, mientras trabaja dentro de sus propias tradiciones, es como si fuera el dueño de todo el mundo. "
En otras secciones, vamos a rastrear brevemente la evolución de las tendencias y conceptos innovadores a medida que se desarrollan y transforman en el trabajo de artistas indios contemporáneos representativos. Mientras que Bengal seguirá siendo nuestro enfoque, también daremos breves esbozos de artistas eminentes y tendencias artísticas en otras áreas del país
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| Bat-tala Imprimir | Anupam Sud | Paramjit Singh |
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| IMPRESIONES DE ARTE INDIO CONTEMPORANEO |
Ningún resumen histórico de la escena artística de Bengala estaría completo sin mencionar el papel pionero de la región en la evolución de las impresiones artísticas de la India.
Los primeros grabados y grabados hindúes en Bengala no tienen conexión espiritual con los grabados artísticos indios modernos. No obstante, abordaremos brevemente el tema por su interés histórico, tópico y cultural único.
La impresión de imágenes desde bloques comenzó en la India al mismo tiempo que la impresión de libros en papel, después de que la imprenta fuera introducida desde Occidente. La imprenta llegó a Calcuta hacia la última parte del siglo XVIII. Pero el arte en la impresión o las impresiones finas como una forma de arte autoexpresiva se desarrollaron mucho más tarde.
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Daniells Print Solvyns Print
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Varios artistas europeos profesionales itinerantes se habían establecido en Calcuta en esta época, incluidos los grabadores que buscaban prospectos. Así, Calcuta se convirtió en el centro de la publicación de los primeros libros de grabados famosos, pocos de ellos numerados. Incluyeron las "Doce vistas de Calcuta" de Thomas y William Daniell, "Doce vistas de Calcuta y Fort William" de William Baillie, "Veinte bocetos ilustrativos de costumbres y costumbres orientales" de Robert Mabon y "Una colección de 250 grabados coloreados de Frans Baltasar Solvyn descriptivo de "Modales, Costumbres y vestidos de los hindúes. Los artesanos locales deben haber colaborado en los procesos de grabado e impresión, aunque algunos impresores lo negaron; de lo contrario, las imprentas no podrían haberse multiplicado tan rápido como lo hicieron en el "Pueblo Negro" donde vivían los "nativos".
Las primeras imágenes en relieve impresas por los indios en la primera mitad del siglo XIX eran todas ilustraciones textuales, hechas principalmente con grabados de madera o metal o, a veces, litografías. La impresión, el almacenamiento y la venta de estos conjuntos de publicación que se encuentran en la zona de 'Bat-tala' en el norte de Calcuta, estos grabados llegaron a conocerse como impresiones 'Bat-tala'. Eran libros baratos, de bajo precio, impresos a granel en papel grueso. De esto evolucionó el famoso grabado de bloques de madera de Battala en la segunda mitad del siglo XIX.
Las innovaciones evolucionaron primero en tema y diseño. Los grabadores de Bat-tala comenzaron a manejar otras tareas tales como cortar letras grandes para vallas publicitarias y carteles, diseños para anuncios, etiquetas para diversos productos, etc., con una amplia gama de variaciones temáticas e incluso incluyendo, en un espíritu cosmopolita, retratos de Nelson y Napolean en paquetes de biri '.
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Kalighat Battala
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Las huellas de madera que se desarrollaron a partir de esto son, en cierto sentido, una variación de las pinturas Kalighat, pertenecientes tecnológicamente a la era de la imprenta, pero espiritualmente al estilo de la Pat Kalighat, en materia, imágenes y otros elementos. Fueron desencadenadas por la economía.
La enorme presión que enfrentan los "patuas" tradicionales, quienes recurrieron ocasionalmente a la litografía para hacer frente a la creciente demanda. Las impresiones en madera desarrolladas en 'Bat-tala', en un espíritu competitivo, tenían un excelente mercado. La copia sin remordimientos de las imágenes seculares de Kalighat, los indicadores satíricos y los temas contemporáneos dieron a estos grabados una sensación distintivamente moderna y aseguraron su amplia circulación. La diferencia fue que mientras los Kalighat 'patuas' se pueden clasificar en la categoría del 'verdadero artista', el 'Bat-tala'
Otro género de letra también se desarrolló en esta área. "Shri Shri Bindubasini" de Ramdhan Swarnakar y otros temas similares conceptualizan las deidades de forma innovadora, con imágenes europeizadas de ángeles alados, unicornios, cipayos armados, etc., en un contexto alegórico más sofisticado y contemporáneo.
Tanto el Bat-tala como más tarde Kalighat murieron más tarde como una muerte natural en un mercado que crecía con tecnologías y procesos de comercialización más competitivos. Ninguna de las diversas escuelas y estilos de imprenta que inundaron los mercados en Calcuta y en otros lugares dejaron huella en el mapa de Bellas Artes de la India, aunque el "arte del calendario" y el popular estilo "Ravi Varma" de litografías que se desarrollaron después de Calcuta , en la región de Bombay-Poona en el oeste de India, todos los días cubren los estantes de nuestra cultura popular.
Contemporary Indian Art Prints se originó en los esfuerzos de los artistas indios del siglo XX por desarrollar y perfeccionar la imprenta en un medio independiente de expresión artística. El padre de las estampas indias modernas es generalmente reconocido como el artista de Bengala Somenath Hore, que trabajó y experimentó ampliamente con el medio después de recibir orientación preliminar de otro artista de renombre, Krishna Reddy, que a su vez había sido iniciado en los procesos básicos mientras trabajaba en el estudio del maestro impresor William Hayter.
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Grabado de Somenath Hore
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El mercado de arte indio está mucho menos abierto a Graphics como una forma de arte que los mercados occidentales más exigentes. Sin embargo, hay texturas y efectos visuales que se pueden producir a través de diferentes procesos como litografías, aguafuertes, monoprints y xilografías, que no serían posibles en pinturas o dibujos.
El veterano artista de Bengala Paritosh Sen dice: "No puedes ser un buen impresor si no eres un buen pintor". Y muchos, de hecho, de los famosos pintores indios de la actualidad, son grabadores eminentemente creativos que son responsables de la proliferación de la impresión en diversas técnicas, medios y tecnologías, y la creciente demanda de impresiones en el mercado actual.
Estos incluyen, maestros de alto nivel como Amitabha Banerjee, Lalu Prasad Shaw, Laxma Gaud, Paramjit Singh, Sanat Kar; y artistas de impresión de artistas más recientes como Swapan Kr. Das, Anupam Sud, Shukla Sen Poddar y Anita Chakravarty.
Cada uno ha agregado una dimensión adicional al arte. Sanat Kar, por ejemplo, fue pionera en el grabado de madera, huecograbado de cartón y grabados de sol mica. Y Swapan Das lidera la camarilla internacional de impresores en la multiplicidad de gradaciones de color que se pueden introducir en un solo linograbado, hasta 130 en su caso.
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Swapan Das Linocut Sanat Kar imprimir
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Pocas personas saben la diferencia entre una impresión comercial y una original. Aunque las impresiones son más baratas que las pinturas, son formas de arte exclusivas por derecho propio, hechas en ediciones limitadas y con la firma del artista. Los grabadores deben cumplir con las reglas aprobadas por la convención internacional de grabadores, por la cual el número de ediciones hechas de cada plato es limitado, y la matriz se rompe o cancela después al cortar con una línea diagonal. De hecho, la mayoría de los artistas toman una prueba del palte cancelado para establecer su adherencia a las reglas.
Y hacer copias mediante cualquier proceso es una disciplina ardua. En la India, a diferencia de Occidente, no hay impresores profesionales que "terminen" un grabado; todo el proceso es ejecutado por el propio artista. Los humos ácidos y las condiciones de trabajo físicamente estresantes a menudo hacen que los grabadores de más edad se excluyan.
En resumen, todos los géneros de las artes visuales improductivas, ya sea la pintura, la escultura o la imprenta, en la India moderna, están madurando gradual y confiadamente. El punto de partida para el artista original en cualquier medio ya no es el tema. La preocupación es crear valores abstractos y un objeto de arte que sea "una adición a la realidad o una nueva realidad".
En otras secciones, vamos a rastrear brevemente la evolución de las tendencias y conceptos innovadores a medida que se desarrollan y transforman en el trabajo de artistas indios contemporáneos representativos. Mientras que Bengal seguirá siendo nuestro enfoque, también daremos breves esbozos de artistas eminentes y tendencias artísticas en otras áreas del país.
Fuente
http://www.contemporaryart-india.com
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