1732 - 1806
Autorretrato de Jean-Honore Fragonard
Jean-Honore Fragonard fue un pintor y grabador francés cuyo estilo rococó tardío se distinguió por su extraordinaria facilidad, exuberancia y hedonismo. Uno de los artistas más prolíficos activos en las últimas décadas del Antiguo Régimen , Fragonard produjo más de 550 pinturas (sin contar dibujos y grabados), de las cuales solo cinco están fechadas. Entre sus obras más populares están las pinturas de género que transmiten una atmósfera de intimidad y erotismo velado.
Nació en Grasse, Alpes Marítimos, el hijo de un glover. Fue aprendiz de un notario de París cuando las circunstancias de su padre se tensaron por especulaciones sin éxito, pero mostró tal talento e inclinación por el arte que fue llevado a la edad de dieciocho años a Francois Boucher , que, reconociendo los regalos raros del joven pero poco dispuesto a perder su vez con alguien tan inexperto, lo envió al taller de Chardin. Fragonard estudió durante seis meses bajo el gran luminista, luego regresó más completamente equipado a Boucher, cuyo estilo pronto adquirió tan completamente que el maestro le confió la ejecución de réplicas de sus pinturas.
A pesar de ser un alumno de la Academia, Fragonard ganó el Prix de Rome en 1752 con una pintura de "Jeroboam sacrificando al becerro de oro" , pero antes de continuar a Roma continuó estudiando durante tres años con Charles-Andre van Loo . En el año anterior a su partida pintó el "Cristo lavando los pies de los apóstoles" ahora en la Catedral de Grasse. El 17 de septiembre de 1756, tomó su residencia en la Academia Francesa en Roma, luego presidida por Charles-Joseph Natoire .
Jeroboam sacrificando al becerro de oro: 1752
Mientras estuvo en Roma, Fragonard contrató una amistad con un compañero pintor, Hubert Robert . En 1760, recorrieron juntos Italia, ejecutando numerosos bocetos de paisajes locales. Fue en estos jardines románticos, con sus fuentes, grutas, templos y terrazas, donde Fragonard concibió los sueños que luego plasmaría en su arte. También aprendió a admirar a los maestros de las escuelas holandesas y flamencas ( Rubens , Hals , Rembrandt , Ruisdael), imitando sus pinceladas flojas y vigorosas. A esta influencia se sumó la profunda impresión que hizo sobre su mente la suntuosidad florida de Giovanni Battista Tiepolo, cuyas obras tuvo la oportunidad de estudiar en Venecia antes de regresar a París en 1761.
En 1765 su "Coresus et Callirhoe" aseguró su admisión a la Academia. Fue hecho el tema de un elogio pomposo (aunque no del todo serio) por Diderot, y fue comprado por el rey, que lo había reproducido en la fábrica Gobelins. Hasta ahora, Fragonard había vacilado entre temas religiosos, clásicos y otros; pero ahora la demanda de los ricos patronos de la corte licenciosa y amante del placer de Luis XV lo condujo definitivamente hacia aquellas escenas de amor y voluptuosidad con las que se asociará su nombre, y que solo son aceptables por la tierna belleza de su color y el virtuosismo de su pincelada fácil; tales obras incluyen el Serment d'amour (Amor Voto), Le Verrou (The Bolt), La Culbute (The Tumble),La Chemise enlevée(The Shirt Removed), y L'oscillation (The Swing, Colección Wallace), y sus decoraciones para los apartamentos de Mme du Barry y la bailarina Madeleine Guimard.
Coresus se sacrifica para salvar a Callirhoe: 1765
Cuando Fragonard abordó la historia, una rara ocasión, al igual que sus otras pinturas, estaba animada por el amor. El gran Coresus sacrificándose para salvar a Callirhoé, mostrado en el Salón de 1765, es el esfuerzo de Fragonard para combinar sus propias tendencias con los requisitos académicos. No es sorprendente que haya expuesto allí solo una vez después; este tipo de máquina fue reemplazada por decoraciones brillantes e ingeniosas, disturbios positivos de cupidos y bañistas, besos en los labios y ropas desgarradas, que siempre expresan amor en acción. El Coresus es amor negativo, sublime autosacrificio y, de hecho, pasión inútil. Fragonard hace su mejor esfuerzo para excitar la composición, enviando oleadas de nubes humeantes y excitadas figuras aladas para llenar el espacio entre los dos pilares no ocupados por el sacerdote extrañamente femenino y la heroína desfalleciente, ella misma como violada por el amor. Quizás las indirectas de Boucher y Tiepolo trabajaron en Fragonard para emular el estilo alto para el cual no era adecuado. Su genio radica en apuntar más bajo, desde un punto de vista académico, en ser más racional y natural, es decir, ser más ingenioso, travieso y relajado.
El juramento de amar: ca 1780
The Bolt: ca 1778
La Culbute (La caída) 1766
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La-Chemise-Enlevee
El columpio: 1767
The Swing (1767) es su pintura más famosa. Ubicado en la Colección Wallace, mostraba las fantasías soñadoras e idílicas de la corte real. "Apres moi, le diluvio", dijo Louis XIV. Esta existencia dichosa e infantil se vino abajo en torno a Fragonard porque era económicamente insostenible y salvajemente tiránico. En esta pintura, vemos la cosmovisión de la aristocracia francesa, bella e ilusionada. Así que, aunque admiramos la graciosa belleza del mundo de Fragonard (o la de sus clientes), es un pensamiento agridulce, tocado por la conciencia de las implicaciones sociales del tema.
Una respuesta tibia a esta serie de trabajos ambiciosos indujo a Fragonard a abandonar Rococo y experimentar con el neoclasicismo . Se había casado en 1769 y tenía una hija, Rosalie Fragonard (1769-1788), que se convirtió en una de sus modelos favoritas. En octubre de 1773 volvió a Italia con Pierre-Jacques Onézyme Bergeret de Grancourt y su hijo, Pierre-Jacques Bergeret de Grancourt. En septiembre de 1774, regresó a Viena, Praga, Dresde, Frankfurt y Estrasburgo.
De vuelta en París, el artista se enamoró de Marguerite Gérard , la hermana de 14 años de su esposa que se convirtió en su pupilo y asistente en 1778. En 1780, tuvo un hijo, Alexandre-Evariste Fragonard (1780-1850), quien eventualmente se convirtió en un talentoso pintor y escultor. La Revolución Francesa privó a Fragonard de sus mecenas privados: fueron guillotinados o exiliados. El pintor descuidado consideró prudente abandonar París en 1793 y encontró refugio en la casa de su amigo Maubert en Grasse , que decoró con la serie de paneles decorativos conocidos como Les progres de l'amour dans le cour d'une jeune fille , originalmente pintado para Chateau du Barry .
El progreso del amor - The Pursuit: 1773
El progreso del amor - La reunión: 1773
El progreso del amor: el amante coronado
Regresó a París a principios del siglo XIX, donde murió en 1806, casi olvidado por completo.
Durante medio siglo o más fue tan ignorado que Lubke en su History of Art (1873) omite la mera mención de su nombre. La reevaluación posterior ha confirmado su posición entre los maestros de la pintura francesa de todos los tiempos. La influencia del manejo de Fragonard del color local y la pincelada expresiva y segura sobre los impresionistas (particularmente su gran sobrina, Berthe Morisot y Renoir ) no puede ser sobreestimada.
Un niño como Pierrot: 1776-80
La composición fantasiosa imita varias miniaturas que se han atribuido a Fragonard, cuya esposa exhibió una serie de miniaturas de niños entre 1779 y 1782.
Un juego de caballo y jinete: 1767-1773
Una niña leyendo: ca 1776
En A Young Girl Reading (1776), Fragonard mostró influencias holandesas que ingresaron a su trabajo en los '70. Una creciente admiración por las obras de Rembrandt impactó su drapeado y anatomía. Este trabajo refleja una popularización de escenas domésticas durante la época.
Como los impresionistas de un siglo después, la pincelada de Fragonard es indistinta, más que meticulosa y exacta. Esta pintura presenta una vaguedad suave ajena a la pintura académica, y sin embargo es más precisa. Aunque este es un retrato idealizado, no es fantástico, como las pinturas edénicas de la vida de la corte real.
Un joven erudito: 1775-1778
Abbe de Saint Non
(Figura de fantasía): 1769
En 1769, Fragonard pintó catorce "figuras fantasiosas", ocho de las cuales se encuentran ahora en el Louvre. Estos retratos enérgicos, ya sean pintados de la vida o inventados, con caras de colores intensos y trazos amplios de rojo y dorado, representan la visión de un poeta inspirado que captura la esencia de su tema.
Abbe de Saint-Non era el rico patrón de Fragonard, que lo empujó hacia la Academia.
Adoración de los pastores: ca 1775
Avenida de los árboles: ca 1762-63
Organista del barril: 1780
Benjamin Franklin: ca 1778
Blindman's Bluff: ca 1750-52
Confesión de amor
Aquí está The Confession of Love (1771), propiedad de la Colección Frick. El perro, un Papillon, es el símbolo de la monarquía francesa. Vemos ecos de Adán y Eva en el Jardín. No tienen preocupaciones ni inquietudes; solo amor el uno para el otro El ambiente romántico de esta pintura recuerda a la exuberancia ligera de salir con una mujer hermosa. Tal es el éxtasis del amor joven.
Fontaine d'amour: ca 1785
En medio de un bosque verde, un hombre y una mujer jóvenes se apresuran a correr hacia adelante, con los pies justo llegando al borde de la fuente de una fuente. Los putti se divierten en las aguas de la fuente y el aerosol ondulante, y uno de ellos ofrece una taza del líquido mágico para que los jóvenes amantes puedan beber. La historia del "Jardín del amor", una alegoría de la naturaleza y el progreso del amor que tiene sus orígenes en la poesía de la antigüedad clásica y la Edad Media, se centra en esta "fuente del amor". La fuente trae el agua en la que Cupido sumerge sus flechas o de la cual los amantes beben y se enamoran. En casi todos los períodos, los artistas han pintado este motivo romántico. Durante la década de 1700, los artistas vinieron a tratar la 'Fuente del Amor' casi como un tema de género, con los amantes de la vestimenta contemporánea coqueteando en un jardín alrededor de una fuente decorativa. Con esta versión, Jean-Honore Fragonard devolvió la alegoría a sus orígenes clásicos y la impregnó con la emoción de esos primeros y cautivadores momentos de amor. El artista rococó por excelencia, Fragonard respondió al movimiento neoclásico de una manera extremadamente inventiva, agregando una atmósfera suave y vaporosa a sus figuras tipo camafeo.
Abandonado o Ensueño: 1790-91
Dos Hermanas
La descripción más antigua que tenemos de la imagen es de un catálogo de ventas de 1785, donde se describe como "dos chicas ocupadas con juegos adecuados a su edad". El niño más pequeño está sentado sobre un caballo de pasatiempo; el más viejo empuja al caballo, mientras sostiene su rienda de plomo de color melocotón. La pintura, que ha sido cortada, data de alrededor de 1770.
La identidad de las hermanas es desconocida. Hasta hace poco, se les llamaba la hija del artista, Rosalie (nacida en 1769) y su cuñada, Marguerite Gerard (nacida en 1761). Esto es poco probable dada la diferencia conocida en la edad entre los dos.
Vieillard
Chica haciendo un perro bailando en su cama: finales de 1760
Grupos de niños en el cielo
(Un enjambre de Cupidos): ca 1765-67
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Cabeza de un joven
Inspiración: ca 1769
La Fete a Saint Cloud
Le petit parc: 1764-65
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Fragonard utilizó la luz y la atmósfera para absorber personas y objetos hasta que queda una superficie aireada, vacía pero aún vibrante; es como si se hubiera jugado un truco de magia sobre una pintura de Boucher, de la que se ha abstraído tanta "realidad". Tanto para Fragonard como para el Guardi, este es un escape de la disciplina representada por Boucher y Tiepolo, pero tiene un giro adicional por el conocimiento y admiración de Fragonard de Tiepolo, el genio más salvaje de todos modos, pero uno se volvió más salvaje y romántico en las interpretaciones de Fragonard de sus composiciones. Así como Veronese le había proporcionado a Tiepolo material para construir su propia fantasía, Tiepolo estimuló a Fragonard.
Fragonard es un pintor románico del Rococó, inspirado más tal vez por los aspectos pintorescos de la naturaleza que por la gente, que generalmente son empequeñecidos en la insignificancia al lado de los árboles espumosos que se disparan como grandes chorros en sus paisajes. Cuando esta disminución de Francesco Guardi no tiene lugar, Fragonard parece producir una versión del estilo de Gian Antonio, en la que las figuras se convierten en meros arabescos de pintura, bolas de energía animadas pero a menudo sin rostro que se disparan sobre el lienzo bajo el impulso de su pincel En ambos estilos, siguen siendo los títeres del pintor, y uno siempre es consciente de la manipulación. Aunque es capaz de hacerlo, está muy ansioso por detenerse y grabar las apariencias naturales, las texturas reales o las expresiones faciales.
Este encantador parque se compone de dibujos realizados en los jardines de Villa d'Este en Tivoli en 1760.
Mademoiselle Guimard: ca 1768
Marie Madeleine Guimard
(Figura fantástica): 1769
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En 1769, Fragonard pintó catorce "figuras fantasiosas", ocho de las cuales se encuentran ahora en el Louvre. Estos retratos enérgicos, pintados o inventados, con rostros muy coloreados y trazos amplios de rojo y dorado, representan la visión de un poeta inspirado que captura la esencia de su tema, ya sean los rasgos ardientes de Diderot o los agradables de la señorita Guimard, si son irregulares. cara y busto arqueado en un corpiño burdeos. Aquí Fragonard se puede comparar con Frans Hals o Rembrandt, porque sus iniciativas artísticas se nutrieron de un grado inusual de cultivo.
Mademoiselle Guimard era bailarina.
Partido a Powerkeg
(Le feu aux poudres): 1763-64
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Fragonard había comenzado a producir erótica después de su primera estancia en Italia. Su manejo ligero, casual, pero seguro se puede ver en obras como Le feu aux poudres. Celebran un placer adolescente, un conjunto raro en el que la emoción del deseo se exalta sin el menor rastro de vulgaridad.
Lección de música: 1769
Algunos críticos suponen que esta pintura es un estudio para una composición más grande.
Retrato de Fantasie Monsieur de la Breteche
(Figura Fanciful ): 1769
En 1769, Fragonard pintó catorce "figuras fantasiosas", ocho de las cuales se encuentran ahora en el Louvre. Estos retratos enérgicos, ya sean pintados de la vida o inventados, con caras de colores intensos y trazos amplios de rojo y dorado, representan la visión de un poeta inspirado que captura la esencia de su tema.
La pintura pertenece a un subconjunto de las Figuras Ficticias, que representan Música, Poesía, Canción y Comedia.
Monsieur de la Breteche era el hermano de Abbe de Saint-Non, el patrón de Fragonard.
Retrato de una niña
(Estudio de la canción): ca 1769
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Retrato de un jinete
(traje de santo no en español): ca 1769
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Retrato de un hombre joven
(El actor): ca 1769
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Retrato de Diderot
Denis Diderot fue un filósofo y escritor francés durante la Era de la Ilustración, mejor conocido por ser el coautor de la Encyclopédie. Nació en la ciudad de Langres en 1713 y estudió en el Lycée Louis le Grand. En 1732 obtuvo una maestría en filosofía y decidió estudiar derecho en lugar de unirse al clero. Sin embargo, dos años más tarde cambió de opinión y decidió convertirse en escritor, por lo que fue desheredado por su padre y pasó los siguientes diez años viviendo de una manera un tanto vagabunda.
En 1743 se casó con Antoinette Champion, a pesar de que el partido fue considerado inapropiado debido a su baja condición social y huérfana de padre, poca educación y falta de dote. La pareja solo tenía un hijo superviviente, Angelique, que lleva el nombre de la madre de Diderot y su difunta hermana.
Diderot no recibió mucha fama ni dinero durante su vida a pesar de su arduo trabajo e incluso se vio forzado a vender su biblioteca para darle una dote a su hija. Catalina II de Rusia luego compró la biblioteca y solicitó que Diderot guardara los libros en París hasta que los requiriera y trabajara como bibliotecaria por un salario anual.
Diderot murió en 1784 en París. Fue enterrado en la Eglise Saint-Roch de la ciudad.
Retrato de un hombre
(The Warrior): ca 1769
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Psique mostrando a sus hermanas sus regalos de Cupido: 1753
Un alumno galardonado de Francois Boucher, Fragonard en este cuadro juvenil, pintado en la Ecole des Eleves Proteges en París, parece un exponente perfecto del gusto de los patrones de Boucher, el rey Luis XV y su amante, la marquesa de Pompadour. Sin embargo, después de una oferta final fracasada para el reconocimiento institucional en la exposición del salón de París de 1767, Fragonard virtualmente desapareció de la vida artística oficial bajo la monarquía, trabajando casi exclusivamente para patrones privados, muchos de ellos sus amigos. De este modo, pudo dar rienda suelta a una celebración más individualista de la naturaleza, el instinto y el impulso. Ya sea en óleos, gouache, pasteles, grabados y grabados, o en sus muchos dibujos en tiza, pluma o lavado, llegó a borrar las distinciones entre el boceto y el trabajo terminado, e incluso entre los límites de los géneros.
En sus dos visitas a Italia, la primera a la Academia Francesa en Roma (1756-61), y la segunda más de una década después como invitado de un mecenas, Fragonard se sintió atraído por el paisaje y por artistas italianos contemporáneos y casi contemporáneos. , notablemente Tiepolo y Giordano. No se conmovió ni por las ruinas antiguas ni por el arte renacentista. Con el colapso del mercado del arte durante la Revolución Francesa, se retiró a su Grasse natal en el sur de Francia, pero fue atraído a la política por el maestro de su hijo, el pintor David. Sus pinturas tardías lo muestran intentando ajustarse, no siempre con éxito, a la austeridad neoclásica del estilo "republicano" de David.
El tema aquí está extraído del cuento alegórico de Cupido y Psique del poeta latino Apuleyo, probablemente en una versión francesa de La Fontaine. Psyche está mostrando sus "depósitos de tesoros" a sus hermanas en el castillo mágico en el que ha sido instalada por Cupido, dios del amor. Las hermanas "concibieron una gran envidia", personificada aquí por la figura de Eris, la diosa de la discordia, de pelo de serpiente, durmiendo arriba, y tratan de destruir su felicidad al destruir su fe en su amante invisible. En el manejo de la pintura y en detalles como los gorditos bebés voladores -el putti del arte antiguo, que aquí representan a los sirvientes invisibles del castillo- la imagen, pintada cuando el artista tenía apenas 21 años, revela la influencia de las obras de Rubens en Luxemburgo. Palacio y también de Watteau.
La composición se deriva de un diseño de tapiz para el mismo tema por Boucher. Pero los colores, con armonías de oro y naranja que comienzan a reemplazar los acuerdos de Boucher de rosa y azul, ya son reconociblemente de Fragonard. Aparecen en su forma más pura y concentrada en las flores al pie del trono de Psique, el área de la pintura más claramente "enfocada". La definición disminuye hacia los bordes de la imagen, como lo haría en un espejo convexo, y con ella los colores tienden a perder su identidad, mezclarse y mezclarse, enmarcando las figuras principales en tonos grises u oscuros, presagiando los desastres por venir .
Rinaldo en el bosque encantado: 1764.
Tasso, Torquato (1544-95), poeta italiano, autor de una epopeya romántica Rinaldo (1562), una obra pastoral muy popular en su época, Aminta (1573); el poema épico Jerusalem Delivered (150-81) sobre la primera cruzada. Los temas de sus obras fueron utilizados por los artistas.
Armida en Tasso's Jerusalem Delivered, es una poderosa hechicera. Ofreció su servicio a los defensores de Jerusalén cuando fue sitiada por los cristianos bajo Godfrey de Bouillon; Al visitar el campamento cristiano, atrajo por su belleza a muchos de los principales caballeros. Ella los engatusó con poder mágico en un delicioso jardín, donde fueron vencidos por la apatía y el medio sueño agradable. Entre sus cautivos estaban Renaud (o Rinaldo) de Este y Tancred.
Rinaldo en los jardines de Armida: 1764
Autorretrato: ca 1760
El Armario: 1778
Los bañistas: 1772-75
La cuna: 1761-65
Esta pintura muestra la fuerte influencia de Rembrandt, especialmente la de la Sagrada Familia de Rembrandt, que en el siglo XVIII estaba en París y Fragonard hizo una copia de ella.
La Cuna de la Familia Feliz
La educación de la Virgen: finales de 1770
La entrada a la fuente de Pomona
Conocida como Fontanone en la Villa d'Este en Tivoli: 1760
La feria en Saint Cloud: ca 1775-78
Los hijos del granjero
La gran cascada en Tivoli: 1760
La familia feliz: 1769
La Isla de Amor también llamó a
La Fete un Rambouillet: 1770
La familia italiana: ca 1759
La carta
El pequeño columpio: 1770
La apuesta perdida: ca 1759
La carta de amor: 1770
Esta imagen ejemplifica la sensación de color de Fragonard, su manejo sensible de los efectos de la luz y su extraordinaria facilidad técnica. El elegante vestido azul, la gorra de encaje y el peinado de la mujer sentada en su escritorio deben haber sido el colmo de la moda en el momento en que se hizo esta pintura. La inscripción en la carta que sostiene ha dado lugar a diferentes interpretaciones. Puede referirse simplemente a su caballero, pero si se lee Cuvillere, entonces la modelo sería la hija de Francois Boucher, el maestro de Fragonard. Marie Emilie Boucher, nacida en 1740, enviudó en 1769 y se casó, en 1773, con el amigo de su padre, el arquitecto Charles Etienne Gabriel Cuvillier.
El concurso musical: ca 1754
Las adiciones hechas a este lienzo, probablemente a fines del siglo XVIII, fueron entregadas en 1987 para revelar esta atractiva composición del joven Fragonard que trabajaba en el idioma de Boucher.
El nuevo modelo: 1760's
La maestra de escuela
(ahora diga por favor): 1770
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El recuerdo: 1775-1778
La niña talla en el árbol las iniciales de su amante, cuya carta yace en el suelo.
El beso robado: 1787-89
Es posible que Fragonard haya ejecutado esta copia él mismo, ya que muestra su delicado colorido y la pincelada espontánea que da al cuadro un brío irresistible y alegría. Como siempre con Fragonard, más importante que el tema son los tonos suaves y los colores del paladar.
¿Qué dicen estos aspectos sobre la imagen autoconsciente de los aristócratas franceses en vísperas de la revolución? ¿Se puede analizar esta imagen en términos de las costumbres de la sociedad francesa contemporánea? Puede ser, pero probablemente va mucho más allá del siglo XVIII y también refleja la inocencia de nuestra propia sociedad.
La tormenta o el carro atascado en el pantano: 1759
El columpio - Probablemente: 1765
El inodoro de Venus: finales de 1760
La resistencia inútil: ca 1764-68
La visita a la guardería: antes de 1784
El lugar de riego: ca 1762-64
El toro blanco
Venus y Cupido: ca 1760
Lavanderas: ca 1758-61
Invierno: ca 1753-56
Joven mujer sosteniendo a su hijo: ca 1750-52
Mujer joven jugando con un perro: 1765-72
Mujer joven de pie: 1775-85
Las opiniones difieren en cuanto a la identidad de esta joven, que se muestra elegantemente recogiendo sus faldas. Podría ser la cuñada y alumna de Fragonard, Marguerite Gérard o, como se cree actualmente, su hija Rosalie. Fragonard aprovechó al máximo su material, tiza, utilizando una variedad de contornos, planos y sombras para producir un retrato encantador. Su interpretación del material satinado y la expresión facial es particularmente magistral.
En 1769, Fragonard pintó catorce "figuras fantasiosas", ocho de las cuales se encuentran ahora en el Louvre. Estos retratos enérgicos, pintados o inventados, con rostros muy coloreados y trazos amplios de rojo y dorado, representan la visión de un poeta inspirado que captura la esencia de su tema, ya sean los rasgos ardientes de Diderot o los agradables de la señorita Guimard, si son irregulares. cara y busto arqueado en un corpiño burdeos. Aquí Fragonard se puede comparar con Frans Hals o Rembrandt, porque sus iniciativas artísticas se nutrieron de un grado inusual de cultivo.
Mademoiselle Guimard era bailarina.
Partido a Powerkeg
(Le feu aux poudres): 1763-64
Fragonard había comenzado a producir erótica después de su primera estancia en Italia. Su manejo ligero, casual, pero seguro se puede ver en obras como Le feu aux poudres. Celebran un placer adolescente, un conjunto raro en el que la emoción del deseo se exalta sin el menor rastro de vulgaridad.
Lección de música: 1769
Algunos críticos suponen que esta pintura es un estudio para una composición más grande.
Retrato de Fantasie Monsieur de la Breteche
(Figura Fanciful ): 1769
En 1769, Fragonard pintó catorce "figuras fantasiosas", ocho de las cuales se encuentran ahora en el Louvre. Estos retratos enérgicos, ya sean pintados de la vida o inventados, con caras de colores intensos y trazos amplios de rojo y dorado, representan la visión de un poeta inspirado que captura la esencia de su tema.
La pintura pertenece a un subconjunto de las Figuras Ficticias, que representan Música, Poesía, Canción y Comedia.
Monsieur de la Breteche era el hermano de Abbe de Saint-Non, el patrón de Fragonard.
Retrato de una niña
(Estudio de la canción): ca 1769
Retrato de un jinete
(traje de santo no en español): ca 1769
Retrato de un hombre joven
(El actor): ca 1769
Retrato de Diderot
Denis Diderot fue un filósofo y escritor francés durante la Era de la Ilustración, mejor conocido por ser el coautor de la Encyclopédie. Nació en la ciudad de Langres en 1713 y estudió en el Lycée Louis le Grand. En 1732 obtuvo una maestría en filosofía y decidió estudiar derecho en lugar de unirse al clero. Sin embargo, dos años más tarde cambió de opinión y decidió convertirse en escritor, por lo que fue desheredado por su padre y pasó los siguientes diez años viviendo de una manera un tanto vagabunda.
En 1743 se casó con Antoinette Champion, a pesar de que el partido fue considerado inapropiado debido a su baja condición social y huérfana de padre, poca educación y falta de dote. La pareja solo tenía un hijo superviviente, Angelique, que lleva el nombre de la madre de Diderot y su difunta hermana.
Diderot no recibió mucha fama ni dinero durante su vida a pesar de su arduo trabajo e incluso se vio forzado a vender su biblioteca para darle una dote a su hija. Catalina II de Rusia luego compró la biblioteca y solicitó que Diderot guardara los libros en París hasta que los requiriera y trabajara como bibliotecaria por un salario anual.
Diderot murió en 1784 en París. Fue enterrado en la Eglise Saint-Roch de la ciudad.
Retrato de un hombre
(The Warrior): ca 1769
Psique mostrando a sus hermanas sus regalos de Cupido: 1753
Un alumno galardonado de Francois Boucher, Fragonard en este cuadro juvenil, pintado en la Ecole des Eleves Proteges en París, parece un exponente perfecto del gusto de los patrones de Boucher, el rey Luis XV y su amante, la marquesa de Pompadour. Sin embargo, después de una oferta final fracasada para el reconocimiento institucional en la exposición del salón de París de 1767, Fragonard virtualmente desapareció de la vida artística oficial bajo la monarquía, trabajando casi exclusivamente para patrones privados, muchos de ellos sus amigos. De este modo, pudo dar rienda suelta a una celebración más individualista de la naturaleza, el instinto y el impulso. Ya sea en óleos, gouache, pasteles, grabados y grabados, o en sus muchos dibujos en tiza, pluma o lavado, llegó a borrar las distinciones entre el boceto y el trabajo terminado, e incluso entre los límites de los géneros.
En sus dos visitas a Italia, la primera a la Academia Francesa en Roma (1756-61), y la segunda más de una década después como invitado de un mecenas, Fragonard se sintió atraído por el paisaje y por artistas italianos contemporáneos y casi contemporáneos. , notablemente Tiepolo y Giordano. No se conmovió ni por las ruinas antiguas ni por el arte renacentista. Con el colapso del mercado del arte durante la Revolución Francesa, se retiró a su Grasse natal en el sur de Francia, pero fue atraído a la política por el maestro de su hijo, el pintor David. Sus pinturas tardías lo muestran intentando ajustarse, no siempre con éxito, a la austeridad neoclásica del estilo "republicano" de David.
El tema aquí está extraído del cuento alegórico de Cupido y Psique del poeta latino Apuleyo, probablemente en una versión francesa de La Fontaine. Psyche está mostrando sus "depósitos de tesoros" a sus hermanas en el castillo mágico en el que ha sido instalada por Cupido, dios del amor. Las hermanas "concibieron una gran envidia", personificada aquí por la figura de Eris, la diosa de la discordia, de pelo de serpiente, durmiendo arriba, y tratan de destruir su felicidad al destruir su fe en su amante invisible. En el manejo de la pintura y en detalles como los gorditos bebés voladores -el putti del arte antiguo, que aquí representan a los sirvientes invisibles del castillo- la imagen, pintada cuando el artista tenía apenas 21 años, revela la influencia de las obras de Rubens en Luxemburgo. Palacio y también de Watteau.
La composición se deriva de un diseño de tapiz para el mismo tema por Boucher. Pero los colores, con armonías de oro y naranja que comienzan a reemplazar los acuerdos de Boucher de rosa y azul, ya son reconociblemente de Fragonard. Aparecen en su forma más pura y concentrada en las flores al pie del trono de Psique, el área de la pintura más claramente "enfocada". La definición disminuye hacia los bordes de la imagen, como lo haría en un espejo convexo, y con ella los colores tienden a perder su identidad, mezclarse y mezclarse, enmarcando las figuras principales en tonos grises u oscuros, presagiando los desastres por venir .
Rinaldo en el bosque encantado: 1764.
Tasso, Torquato (1544-95), poeta italiano, autor de una epopeya romántica Rinaldo (1562), una obra pastoral muy popular en su época, Aminta (1573); el poema épico Jerusalem Delivered (150-81) sobre la primera cruzada. Los temas de sus obras fueron utilizados por los artistas.
Armida en Tasso's Jerusalem Delivered, es una poderosa hechicera. Ofreció su servicio a los defensores de Jerusalén cuando fue sitiada por los cristianos bajo Godfrey de Bouillon; Al visitar el campamento cristiano, atrajo por su belleza a muchos de los principales caballeros. Ella los engatusó con poder mágico en un delicioso jardín, donde fueron vencidos por la apatía y el medio sueño agradable. Entre sus cautivos estaban Renaud (o Rinaldo) de Este y Tancred.
Rinaldo en los jardines de Armida: 1764
Autorretrato: ca 1760
El Armario: 1778
Los bañistas: 1772-75
La cuna: 1761-65
Esta pintura muestra la fuerte influencia de Rembrandt, especialmente la de la Sagrada Familia de Rembrandt, que en el siglo XVIII estaba en París y Fragonard hizo una copia de ella.
La Cuna de la Familia Feliz
La educación de la Virgen: finales de 1770
La entrada a la fuente de Pomona
Conocida como Fontanone en la Villa d'Este en Tivoli: 1760
La feria en Saint Cloud: ca 1775-78
Los hijos del granjero
La gran cascada en Tivoli: 1760
La familia feliz: 1769
La Isla de Amor también llamó a
La Fete un Rambouillet: 1770
La familia italiana: ca 1759
La carta
El pequeño columpio: 1770
La apuesta perdida: ca 1759
La carta de amor: 1770
Esta imagen ejemplifica la sensación de color de Fragonard, su manejo sensible de los efectos de la luz y su extraordinaria facilidad técnica. El elegante vestido azul, la gorra de encaje y el peinado de la mujer sentada en su escritorio deben haber sido el colmo de la moda en el momento en que se hizo esta pintura. La inscripción en la carta que sostiene ha dado lugar a diferentes interpretaciones. Puede referirse simplemente a su caballero, pero si se lee Cuvillere, entonces la modelo sería la hija de Francois Boucher, el maestro de Fragonard. Marie Emilie Boucher, nacida en 1740, enviudó en 1769 y se casó, en 1773, con el amigo de su padre, el arquitecto Charles Etienne Gabriel Cuvillier.
El concurso musical: ca 1754
Las adiciones hechas a este lienzo, probablemente a fines del siglo XVIII, fueron entregadas en 1987 para revelar esta atractiva composición del joven Fragonard que trabajaba en el idioma de Boucher.
El nuevo modelo: 1760's
La maestra de escuela
(ahora diga por favor): 1770
El recuerdo: 1775-1778
La niña talla en el árbol las iniciales de su amante, cuya carta yace en el suelo.
El beso robado: 1787-89
Es posible que Fragonard haya ejecutado esta copia él mismo, ya que muestra su delicado colorido y la pincelada espontánea que da al cuadro un brío irresistible y alegría. Como siempre con Fragonard, más importante que el tema son los tonos suaves y los colores del paladar.
¿Qué dicen estos aspectos sobre la imagen autoconsciente de los aristócratas franceses en vísperas de la revolución? ¿Se puede analizar esta imagen en términos de las costumbres de la sociedad francesa contemporánea? Puede ser, pero probablemente va mucho más allá del siglo XVIII y también refleja la inocencia de nuestra propia sociedad.
La tormenta o el carro atascado en el pantano: 1759
El columpio - Probablemente: 1765
El inodoro de Venus: finales de 1760
La resistencia inútil: ca 1764-68
La visita a la guardería: antes de 1784
El lugar de riego: ca 1762-64
El toro blanco
Venus y Cupido: ca 1760
Lavanderas: ca 1758-61
Invierno: ca 1753-56
Joven mujer sosteniendo a su hijo: ca 1750-52
Mujer joven jugando con un perro: 1765-72
Mujer joven de pie: 1775-85
Las opiniones difieren en cuanto a la identidad de esta joven, que se muestra elegantemente recogiendo sus faldas. Podría ser la cuñada y alumna de Fragonard, Marguerite Gérard o, como se cree actualmente, su hija Rosalie. Fragonard aprovechó al máximo su material, tiza, utilizando una variedad de contornos, planos y sombras para producir un retrato encantador. Su interpretación del material satinado y la expresión facial es particularmente magistral.
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