jueves, 2 de agosto de 2018

Caspar David Friedrich

Pintor romántico alemán, Etcher, acuarelista y dibujante
1774 - 1840

Caspar David Friedrich fue un pintor paisajista del movimiento romántico alemán del siglo XIX , del que ahora se lo considera el pintor más importante. Pintor y dibujante, Friedrich es más conocido por sus paisajes alegóricos posteriores, que presentan figuras contemplativas recortadas contra el cielo nocturno, las brumas de la mañana, los árboles estériles y las ruinas góticas. Su principal interés como artista era la contemplación de la naturaleza, y su trabajo a menudo simbólico y anticlásico busca transmitir las experiencias espirituales de la vida.

Friedrich nació en Greifswald, en el norte de Alemania, en 1774. Estudió en Copenhague hasta 1798 antes de establecerse en Dresde. Llegó a la mayoría de edad durante un período en el que, a través de Europa, una creciente desilusión con una sociedad sobre materialista llevó a una nueva apreciación del espiritismo. Esto se expresó a menudo a través de una reevaluación del mundo natural, ya que artistas como Friedrich, JMW Turner y John Constable trataron de describir la naturaleza como una "creación divina, para enfrentar el artificio de la civilización humana".
Aunque Friedrich fue famoso durante su vida, su obra cayó en desgracia durante la segunda mitad del siglo XIX. Mientras Alemania avanzaba hacia la modernización, su arte recibió una nueva urgencia, y las representaciones contemplativas de quietud de Friedrich fueron vistas como productos de una época pasada. Su redescubrimiento comenzó en 1906 cuando se realizó una exposición de 32 de sus pinturas y esculturas en Berlín.

Durante la década de 1920 su obra fue apreciada por los expresionistas , y en los años 1930 y 1940, los surrealistas y existencialistas con frecuencia se basaron en su trabajo. Hoy es visto como un ícono del Movimiento romántico alemán , y un pintor de importancia internacional.

Caspar David Friedrich nació el sexto de diez niños en Greifswald, Pomerania sueca, en el Mar Báltico. Creció bajo el estricto credo luterano de su padre Adolf Gottlieb, un próspero fabricante de velas y caldera de jabón. Friedrich tuvo una temprana familiaridad con la muerte: su madre, Sophie Dorothea Bechly, murió en 1781 cuando Caspar David tenía solo siete años. A la edad de trece años, Caspar David presenció a su hermano, Johann Christoffer, caerse por el hielo de un lago helado y ahogarse. Algunas versiones sugieren que Johann Christoffer sucumbió al intentar rescatar a Caspar David, quien también estaba en peligro en el hielo. Su hermana Elisabeth murió en 1782, mientras que su segunda hermana, María, sucumbió al tifus en 1791.

Algunos de los contemporáneos de Friedrich atribuyeron la melancolía en su arte a estos acontecimientos de la infancia, sin embargo, es probable que la personalidad de Friedrich fuera tan natural. Como adulto, el pálido y retirado Friedrich reforzó la noción popular del "hombre taciturno del norte". Sus cartas, sin embargo, siempre contenían humor y auto ironía. En su autobiografía, el filósofo natural Gotthilf Heinrich von Schubert escribió sobre Friedrich,"Era realmente una extraña mezcla de temperamento, sus estados de ánimo oscilaban entre la más grave seriedad y el humor más alegre ... Pero cualquiera que conociera solo este lado de la personalidad de Friedrich, a saber, su profunda seriedad melancólica, solo conocía a la mitad de los hombres. pocas personas que tienen tanto talento para contar chistes y una sensación tan divertida como él, siempre que estuviera en compañía de las personas que le gustaban ".

Thomas Thorild

En 1790, Friedrich comenzó a estudiar arte con Johann Gottfried Quistorp en la Universidad de Greifswald, y literatura y estética con el profesor sueco Thomas Thorild . Thorild estaba interesado en la estética inglesa contemporánea, y le enseñó a Friedrich a distinguir entre el "ojo interno" espiritual y el "ojo externo" físico menos favorable. Friedrich ingresó a la prestigiosa Academia de Copenhague en 1794 donde estudió con maestros como Christian August Lorentzen y el pintor de paisajes Jens Juel .

Estos artistas fueron inspirados por Sturm und Drangmovimiento, y representó un punto medio entre la intensidad dramática y la manera expresiva de la incipiente estética romántica y la forma neo-clásica en decadencia. El estado de ánimo era primordial, y la influencia provenía de fuentes como la leyenda islandesa de Edda y Ossian , y Nordic Folklore. Un estudiante talentoso, Friedrich comenzó su educación en la academia haciendo copias de moldes de esculturas antiguas, antes de proceder al dibujo de la vida. Estaba muy interesado en la pintura de paisaje holandesa del siglo XVII, a la que tuvo acceso en la Royal Picture Gallery de Copenhague .

Galería Nacional Danesa

En 1798 se estableció definitivamente en Dresde. A menudo dibujó obras, principalmente naturalistas y topográficas, con tinta china, acuarela y tinta sepia. No está claro cuándo finalmente tomó la pintura al óleo, pero probablemente fue después de la edad de treinta años. Los paisajes fueron su tema preferido, inspirado en viajes frecuentes, comenzando en 1801, a la costa del Báltico, Bohemia, las montañas de Riesen y las montañas de Harz. Mayormente basado en los paisajes del norte de Alemania, sus pinturas representan bosques, colinas, puertos, neblinas matinales y otros efectos de luz basados en una observación cercana de la naturaleza. Las pinturas de esta época se inspiraron en bocetos y estudios de lugares pintorescos, como los acantilados de Rügen y los alrededores de Dresde o Elba.

Los estudios en sí mismos se hicieron casi exclusivamente a lápiz y proporcionaron información topográfica; los sutiles efectos atmosféricos característicos de la madurez de Friedrich se obtuvieron de la memoria. Estos efectos eventualmente estarían más relacionados con la representación de la luz, de la iluminación del sol y la luna sobre las nubes y el agua, fenómenos ópticos específicos de la costa báltica y que nunca antes habían sido pintados.

La primera pintura importante de Friedrich llegó a la edad de 34 años. "La cruz en las montañas" , ahora conocido como el "Altar de Tetschen" (Gemäldegalerie, Dresde), era un panel de retablo expuesto en 1808. El trabajo encontró una controversia, pero fue su primera pintura para obtener una amplia valoración; por primera vez en el arte cristiano, un paisaje puro era el panel de un retablo. Representa al Cristo crucificado de perfil en la cima de una montaña, solo, rodeado de naturaleza. La cruz se eleva más alto en la composición, pero se ve oblicuamente y a distancia. La montaña simboliza una fe inamovible, mientras que los abetos representan la esperanza. El artista y crítico Basilius von Ramdohr publicó un extenso artículo rechazando el uso de Friedrich del paisaje en dicho contexto;"una verdadera presunción, si la pintura de paisajes se colaba en la iglesia y se arrastraba sobre el altar". Rahmdohr estaba fundamentalmente preguntando si una pintura de paisaje pura podría transmitir un significado explícito.

Cruz en las montañas
(Altar de Tetschen): 1808

Si no se sabía nada más del pintor, esta pintura, el llamado "Altar de Tetschen" llamaría la atención por su osadía al crear una imagen devocional a partir de los materiales del paisaje. Es la primera obra maestra de uno de los más grandes pintores del paisaje romántico y un manifiesto para el arte del paisaje en sí mismo. Ejemplifica dos logros importantes del Romanticismo temprano: la elevación de la naturaleza a un tipo de religión, y del paisaje para igualar o superar la pintura histórica.El pintor de 34 años estaba excesivamente orgulloso del trabajo. Era el más grande que había pintado hasta ese momento, en un medio en el que aún estaba lejos de ser competente, y él mismo había diseñado el marco: un arco gótico con el ojo de Dios y el trigo y la vid de la Eucaristía.
Tenía la intención de hacer la foto como un regalo para el rey sueco Adolphus IV, en reconocimiento de su resistencia a Napoleón, pero se convenció en cambio de que se la vendiera al conde von Thun-Hohenstein por su castillo en Tetschen, Bohemia. Con su espléndido marco, se transformó de gesto político a imagen religiosa, pero aún así se mantuvo como un paisaje. La naturaleza misma estaba imbuida de sentimientos religiosos.

Cruz en las montañas: 1808

Si no se sabía nada más del pintor, esta pintura, el llamado "Altar de Tetschen" llamaría la atención por su osadía al crear una imagen devocional a partir de los materiales del paisaje. Es la primera obra maestra de uno de los más grandes pintores del paisaje romántico y un manifiesto para el arte del paisaje en sí mismo. Ejemplifica dos logros importantes del Romanticismo temprano: la elevación de la naturaleza a un tipo de religión, y del paisaje para igualar o superar la pintura histórica.

Los amigos de Friedrich lo defendieron públicamente, y el artista escribió un programa que proporcionaba su interpretación de la imagen. En su comentario de 1809 sobre la pintura, Friedrich comparó los rayos del sol de la tarde con la luz del Santo Padre. Que el sol se está hundiendo sugiere que el tiempo en que Dios se revela directamente al hombre es pasado. La interpretación extendida de Friedrich de su propio trabajo fue la primera y la última de este tipo.

Su reconocimiento como artista comenzó con un premio de 1805 en una competencia de Weimar. En 1810, Friedrich fue elegido miembro de la Academia de Berlín después de la compra de dos de sus pinturas por el príncipe heredero de Prusia. Seis años más tarde fue elegido miembro de la Academia de Dresde, cargo que contó con un estipendio anual de 150 táleros.

El 21 de enero de 1818, Friedrich, entonces de 44 años, se casó con Caroline Bommer. Bommer tenía veinticinco años, era la hija de un tintorero de Dresde y era una mujer dulce y modesta. La pareja tuvo tres hijos, y la primera, Emma, llegó en 1820. Carus notó que el matrimonio no cambió la vida o personalidad de Friedrich, sin embargo, sus lienzos de este período tienen una nueva ligereza. Las figuras femeninas aparecen en su trabajo, su paleta es más brillante, y la simetría dominante y la austeridad se reducen. 'Chalk Cliffs on Rügen' , pintado después de su luna de miel, es un buen ejemplo de este desarrollo.

Chalk Cliffs en Rügen: ca 1818

La pintura fue pintada en recuerdo de la luna de miel del artista. Podemos suponer que las figuras son el pintor, su esposa y su hermano Christian. De nuevo, un doble significado es aparente, y la primera impresión de luz y felicidad se contrarresta con una inspección más cercana. Los tres se han aventurado hasta el borde del precipicio. El hombre de la derecha está confiando en el arbusto para evitar que se caiga, mientras que la mujer se asegura su agarre al sentarse, y también se agarra a un arbusto mientras apunta hacia abajo.
La figura más extraña es el pintor mismo; su sombrero parece haber caído en la hierba o haber sido arrojado de prisa. Se ha arrastrado hasta el borde, cayendo con cuidado, como si quisiera sondear la vertiginosa profundidad a la que apunta su compañero. El doble significado entre la experiencia recolectada y el "Con esta atrevida construcción, Friedrich ha logrado crear una combinación visual de dos extremos: el barranco con su vista al mar y al mismo tiempo el horizonte infinito.

Mujer ante el sol naciente
(Mujer antes del sol poniente): 1818-20

En 1818, a la edad de 44 años, Friedrich se casó con Caroline Brommer, una alegre mujer sajona de 25 años. Que Caroline fue una influencia positiva en el artista, lo que se evidencia por el hecho de que, a partir de este momento, las mujeres aparecen con mayor frecuencia en su trabajo. Un elemento nuevo y amigable parece ingresar a sus imágenes. Un ejemplo es la pintura a la que algunos autores dan el título 'Mujer antes del sol naciente', y que otros llaman 'Mujer antes del sol poniente'. La mujer vista en la parte posterior aparece como una silueta grande contra el intenso color amarillo rojizo del cielo.
Es difícil interpretar el gesto ferviente de sus brazos extendidos y los estilizados rayos que irradian desde las montañas en el nebuloso horizonte, anunciando la presencia del sol invisible.Caroline era probablemente el modelo para la figura femenina en el vestido antiguo alemán. Dado que ella camina hacia la luz como un cristiano primitivo en oración, algunos han intentado interpretar la pintura en términos de una comunión con la naturaleza.
Por otro lado, la atmósfera evocada en la pintura de Friedrich podría interpretarse como la del crepúsculo, el camino que termina tan abruptamente como un anuncio de la muerte, y los cantos rodados dispersos a lo largo del camino como símbolos de fe. En el análisis final, pocas de las imágenes de Friedrich son tan enfáticas y casi exageradamente simbólicas en su efecto, factores que hacen que la pintura no sea problemática para el espectador.

El artista encontró apoyo de dos fuentes en Rusia. El Gran Duque Nikolai Pavlovich visitó el estudio de Friedrich en 1820, regresando a San Petersburgo con pinturas para su esposa Alexandra Feodorovna. El poeta Vasily Zhukovsky, tutor del heredero al trono Alejandro II, se encontró con Friedrich en 1821 y encontró en él un alma gemela. Durante muchos años, Zhukovsky ayudó a Friedrich comprando su obra y recomendando su arte a la familia real, especialmente al final de la carrera de Friedrich, cuando ya era pobre. Zhukovsky dijo que las pinturas de su amigo "nos complacen por su precisión, cada una de ellas despertando un recuerdo en nuestra mente".
Friedrich conoció a Philipp Otto Runge, otro destacado pintor alemán del período romántico, y se ganó la admiración del poeta Goethe. También fue amigo de Georg Friedrich Kersting, que lo pintó en el trabajo en su estudio sin adornos, y el pintor noruego Johann Christian Dahl. Dahl estuvo cerca de Friedrich durante los últimos años del artista, y se quejó de que para el público que compraba arte, las imágenes de Friedrich eran solo "curiosidades".

Mientras que el poeta Zhukovsky apreciaba los temas psicológicos de Friedrich, Dahl se ocupó de la calidad descriptiva de los paisajes de Friedrich. Dahl dijo:"Los artistas y entendidos vieron en el arte de Friedrich solo una especie de místico, porque ellos mismos solo velaban por el místico ... No vieron el estudio fiel y concienzudo de Friedrich de la naturaleza en todo lo que representaba".

En junio de 1835, Friedrich sufrió una apoplejía que causó parálisis de algunos miembros. Tomó una cura de descanso en Teplitz, pero su capacidad para pintar disminuyó en gran medida. Trabajó solo en acuarela y sepia, y los símbolos de la muerte aparecieron en gran medida en su trabajo, como una sepia con un búho enorme encaramado en una tumba frente a la luna llena. Hacia 1838, era casi incapaz de trabajo artístico, vivía en la pobreza y dependía cada vez más de la caridad de amigos. Su trabajo ahora se consideraba anacrónico, y su muerte en mayo de 1840 causó poco revuelo en la comunidad artística.

Una de las innovaciones clave de Friedrich es su uso original del género del paisaje para evocar temas religiosos. En su tiempo, la mayoría de sus pinturas más conocidas fueron vistas como expresiones de un misticismo religioso. Sus paisajes no solo buscan el deleite gozoso de una hermosa vista, como en la concepción clásica, sino más bien un instante de sublimidad, un reencuentro con el yo espiritual a través de la contemplación solitaria de una naturaleza abrumadora. Friedrich dijo: "El artista debe pintar no solo lo que ve antes que él, sino también lo que ve en él. Sin embargo, si no ve nada dentro de él, debe abstenerse de pintar lo que ve antes que él. sus imágenes serán como esas pantallas plegables detrás de las cuales uno espera encontrar solo enfermos o muertos ".

Cielos expansivos, tormentas, niebla, bosques, ruinas y cruces que dan testimonio de la presencia de Dios son elementos frecuentes en los paisajes de Friedrich. Los símbolos de la muerte ocurren en barcos que se alejan de la costa, un motivo de Charon y en el álamo. La muerte se menciona más directamente en pinturas como 'La abadía en el Oakwood' , en la que los monjes llevan un ataúd más allá de una tumba abierta, hacia una cruz, a través del portal de una iglesia en ruinas.

La abadía de Oakwood: 1809-10

La Cruz en las montañas (El Altar de Tetschen) llevó a Friedrich a la atención de un público más amplio. Probablemente en ningún otro momento de su vida Friedrich disfrutó de una apreciación más profunda y una mayor admiración que en los años alrededor de 1810. Dos paisajes en particular fueron los responsables de empujar a Friedrich al centro de atención. En 1810 se expusieron como colgantes en la exposición de la Academia en Berlín, donde fueron comprados por el rey prusiano Federico Guillermo III. Estas dos pinturas fueron 'El Monje por el Mar' y la 'Abadía en el Bosque de Robles'.'The Abbey in the Oakwood' es una expresión de dolor por la pérdida de un gran pasado. El artista ha elegido representar una ruina arquitectónica; puede dar testimonio de la sublimidad del pasado, pero es un monumento en un cementerio.
La invasión napoleónica de Alemania y la consecuente Guerra de Liberación habían añadido una dimensión patriótica a los súbditos de Friedrich de los edificios eclesiásticos del norte de Alemania en ruinas o, en su imaginación, planteados de nuevo. Mientras que el mensaje esencial de la 'Abadía en la madera de roble' de 1810 es el paso de la vida terrenal, su ruina empañada por la niebla y los árboles deshojados evocados inevitablemente evocaron el estado contemporáneo de Alemania.La pintura fue exhibida con su imagen compañera, el 'Monje por el Mar'. Esto sugiere la esperanza de la resurrección en su cielo brillante, en contraste con las nubes oscuras que se ciernen sobre la figura en su orilla báltica.

Monje junto al mar: 1809

'The Monk by the Sea' es sin duda una obra maestra en la obra de Friedrich y la imagen más audaz dentro del romanticismo alemán en su conjunto. El tema: la pequeña figura de un hombre en contraste con un paisaje natural dividido en tres zonas horizontales de color. Su composición rompe con todas las tradiciones. Ya no hay profundidad de perspectiva alguna. En la parte inferior de la imagen, las dunas de arena blanquecina que forman la estrecha franja costera se alzan en un ángulo obtuso hacia la izquierda.
En su vértice, la pequeña figura de un hombre vestido de negro es visible desde atrás, la única vertical en la imagen. No hay otra edad del personal; incluso los dos veleros que Friedrich había imaginado originalmente a cada lado del hombre sobre el que posteriormente pintó. La zona opresivamente oscura del mar se encuentra con un horizonte extremadamente bajo. Unas cinco sextas partes del lienzo se entregan a la estructura difusa del cielo nublado.
Debido a que todas las líneas conducen fuera de la imagen, el infinito se convierte en el verdadero sujeto de la pintura. En la conciencia de su pequeñez, el hombre, en cuyo lugar el espectador debe imaginarse a sí mismo, reflexiona sobre el poder del universo.El reconocimiento oficial, indicado por la compra real, fue una sorpresa, ya que el lienzo se había topado inicialmente con perplejidad, incluso por parte de Marie von Kügelgen, que antes había admirado su obra. Cuando lo vio en 1809, Marie se lo describió a su amigo Friederike Volkmann:"Una vasta e infinita extensión de cielo ... aún, sin viento, sin luna, sin tormenta, de hecho, una tormenta habría sido un consuelo para que al menos uno vea la vida y el movimiento en alguna parte. En el mar interminable no hay barco, ningún barco, ni siquiera un monstruo marino, y en la arena ni siquiera una brizna de hierba, solo unas pocas gaviotas flotan en el aire y hacen que la soledad sea aún más desolada y horrible ".

Los robles desnudos son un elemento recurrente de las pinturas de Friedrich, que simbolizan el "aspecto pagano" de la muerte. Contrarrestar la sensación de desesperación son los símbolos de Friedrich para la redención: la cruz y el cielo despejado prometen vida eterna, y la luna esbelta sugiere la esperanza y la creciente cercanía de Cristo. En sus pinturas del mar, las anclas aparecen a menudo en la orilla, también indicando una esperanza espiritual. Al escribir en Estudios del Romanticismo, Alice Kuzniar encuentra en la pintura de Friedrich una temporalidad -una evocación del paso del tiempo- que rara vez se otorga a las artes visuales. En 'The Abbey in the Oakwood' , entonces, el movimiento de los monjes lejos de la tumba abierta y hacia la cruz y el horizonte imparte el mensaje de Friedrich de que el destino final del hombre '

Con amaneceres y atardeceres que constituyen temas prominentes de sus paisajes, los propios años posteriores de Friedrich se caracterizaron por un creciente pesimismo. Esto se refleja en su trabajo, que se vuelve más oscuro, mostrando un monumentalismo temible. 'The Wreck of Hope' , también conocido como 'The Polar Sea' o 'Sea of Ice', quizás resume las ideas y los objetivos de Friedrich en este punto, aunque de una manera tan radical que la pintura no fue bien recibida. Pintado en 1824, representaba un tema sombrío, un naufragio en el Océano Ártico. Ese mismo año, Friedrich fue nombrado profesor en la Academia de Dresde. Entre 1830 y 1835 se volvió más solitario, y desechó las opiniones de los críticos y el público al solo pintar para su familia y amigos; sin embargo, su arte de este período puede considerarse uno de sus mejores. Su conocida y especialmente romántica pintura 'Errante sobre el mar de niebla' impresionó tanto a Karl Friedrich Schinkel (más tarde el arquitecto clasicista más famoso de Prusia) que abandonó la pintura y se hizo cargo de la arquitectura.

El mar de hielo: 1824

Esta pintura se puede entender como una especie de declaración programática y resumen de los objetivos e intenciones de Friedrich. Una fuente de inspiración para la pintura fue la expedición polar montada por William Edward Parry de 1819 a 1820 en busca del Paso del Noroeste. La paleta helada de la pintura corresponde al entorno ártico. Es, sin duda, una de las obras maestras del artista, pero la naturaleza radical de su composición y tema fue recibida en sus propios días con incomprensión y rechazo. La imagen no se vendió hasta la muerte de Friedrich en 1840.En la pintura, ahora llamada a menudo "El naufragio de la esperanza", el pintor imbuía al sujeto de una intensidad dramática insuperable. La característica particular de este trabajo es que el drama ya ha sucedido.
Los enormes pináculos son los icebergs que se mueven lentamente y que desde hace mucho se han quedado fijos. El atrevido intento del hombre de romper los límites de su esfera asignada termina en la muerte.Cuando el artista tenía 13 años, ocurrió un accidente que, tal vez inconscientemente, formó parte de la sombra que pareció oscurecer su temperamento a lo largo de su vida. Mientras patinaba sobre hielo, su hermano menor Christoph lo salvó de ahogarse, pero Christoph se ahogó en el agua helada que tenía ante sus ojos. Apenas se puede negar que las diversas pinturas de "mar de hielo" de Friedrich se deben ver en relación con esta experiencia traumática.

El Errante sobre las Nieblas (Niebla): 1817-18

En esta pintura, Friedrich muestra una figura solitaria que confronta la naturaleza con asombrada reverencia.Las figuras de Friedrich que habitualmente dan la espalda para mirar el horizonte o miran desde las ventanas con atención absorta son imágenes del artista. Su Wanderer, con su levita y su palo en la mano, ha trepado a un pico rocoso por encima de las brumas de las montañas; el espectador mira con los ojos, el ángulo de visión está exactamente alineado con su nivel en el espacio de la imagen. El primer plano, la meseta convencional para dar al espectador una solución sobre el tema, se ha prescindido por completo.

Los comentarios escritos de Friedrich sobre estética se limitaron a una colección de aforismos escritos en 1830, en los que explica la necesidad de que el artista haga coincidir la observación natural con un escrutinio introspectivo de su propia personalidad. Su comentario más conocido aconseja al artista que "cierre su ojo corporal para que pueda ver primero su imagen con el ojo espiritual. Luego, traiga a la luz del día lo que ha visto en la oscuridad para que pueda reaccionar sobre los demás desde el exterior hacia adentro ". Evitando las representaciones extralimitadas de la naturaleza en su "totalidad", como se encuentra en el trabajo de pintores contemporáneos como Ludwig Richter y Joseph Anton Koch, Friedrich observó:
Lo que los artistas del paisaje más nuevos ven en un círculo de cien grados en la naturaleza, se unen sin piedad en un ángulo de visión de tan solo cuarenta y cinco grados. Y, además, lo que está en la Naturaleza separado por espacios grandes, se comprime en un espacio estrecho y llena y exagera la vista, creando un efecto desfavorable e inquietante para el espectador ".

Subrayando el patriotismo de Friedrich durante la ocupación francesa de Pomerania, las referencias al folclore alemán se hicieron cada vez más prominentes en su trabajo. Un nacionalista antifrancés, Friedrich también usó el paisaje alemán para celebrar la cultura, las costumbres y la mitología germánicas. Quedó impresionado por la poesía antinapoleónica de Ernst Moritz Arndt y Theodor Körner, y la literatura patriótica de Adam Müller y Heinrich von Kleist (Kleist fue el primer miembro del movimiento romántico en hablar de Friedrich en forma impresa). Inspirado por la muerte de tres amigos que murieron en la batalla contra Francia, y por el drama de Kleist de 1808 Die HermannsschlachtFriedrich llevó a cabo una serie de pinturas en las que pretendía transmitir símbolos políticos únicamente por medio del paisaje, una primicia en la historia del arte. En Graves de Old Heroes, un monumento en ruinas con la inscripción "Arminius" invoca al cacique germánico, un símbolo de nacionalismo, mientras que las cuatro tumbas de los héroes caídos están ligeramente entreabiertas, liberando sus espíritus por la eternidad. Dos soldados franceses aparecen como figuras pequeñas delante de una cueva, más abajo y más profundo en una gruta rodeada de rocas, como si estuviera más lejos del cielo. Una segunda pintura política, "Bosque de Abeto con el Dragón Francés y el Cuervo" (ca 1813), representa a un soldado francés perdido empequeñecido por un denso bosque, mientras que en un tocón de un árbol se alza un profeta de la fatalidad, simbolizando lo anticipado derrota de Francia.

Friedrich esbozó monumentos conmemorativos y esculturas para mausoleos, lo que refleja su obsesión con la muerte y la vida futura. Parte del arte funerario en los cementerios de Dresde es suyo. Algunas de sus pinturas se perdieron en el incendio que destruyó el Palacio de Cristal de Múnich (1931) y en el bombardeo de Dresde en la Segunda Guerra Mundial.
Friedrich fue casi olvidado en su tierra natal después de su muerte en 1840. Su obra de arte no fue ampliamente reconocida durante su vida, aunque cumplió plenamente con la estética romántica de la época. Si bien el estudio minucioso del paisaje y el énfasis en los elementos espirituales de la naturaleza eran comunes en el arte contemporáneo, su obra era demasiado original y personal para ser bien comprendida. Sólo en el cambio de siglo fue Friedrich redescubierto por el historiador de arte noruego Andreas Aubert, y por los pintores simbolistas, que valoraron sus paisajes visionarios y alegóricos. Fue este aspecto de su trabajo lo que causó que Max Ernst y otros surrealistas lo vieran como un precursor de su movimiento. Las exposiciones en Londres en 1972 y Hamburgo en 1974 produjeron reconocimiento internacional.

El escultor francés David D'Angers, que visitó Friedrich en 1834, se conmovió por los temas devocionales explorados en los lienzos del artista. Exclamó a Carl Gustav Carus en 1834, "¡Friedrich! ... El único pintor de paisajes hasta ahora que ha logrado despertar todas las fuerzas de mi alma, el pintor que ha creado un nuevo género: la tragedia del paisaje".

Junto con otros pintores románticos, Friedrich ayudó a posicionar la pintura de paisajes como un género principal en el arte occidental. El estilo de Friedrich influyó en la pintura de Dahl, pero se debate si los sucesores de su estilo de pintura lograron su maestría y profundidad. Arnold Böcklin estuvo fuertemente influenciado por su trabajo, y quizás también por los pintores de la escuela estadounidense Hudson River School, Rocky Mountain School, New England Luminists y pintores estadounidenses como Albert Pinkham Ryder y Ralph Blakelock. Ha sido defendido por artistas como David Hockney, y está representado en muchas colecciones internacionales importantes, aunque la mayor parte de su trabajo permanece en Alemania.

Naufragio en el mar de hielo: 1798

Es posible que la imagen provenga de la mano de un amigo estudiante en Copenhague y que Friedrich haya dado a sus familiares en Neubrandenburg, en cuya posesión se registra más tarde.Precisamente cuando Friedrich experimentó por primera vez en los aceites sigue siendo el tema de disputa. Incluso si le atribuimos el 'Naufragio en el mar de hielo' esto debe seguir siendo un intento tentativo aislado, ya que los dibujos en sepia continúan dominando su producción.

Dolmen en la nieve: 1807

El dolmen descrito aquí es probablemente uno que estaba cerca de Gützkow, y que fue removido entre 1825 y 1829. Junto con su maestro de dibujo Quistorp, Friedrich hizo varias excursiones a sitios de enterramientos prehistóricos.

Paisaje bohemio con el Monte Milleschauer: 1808

Friedrich puede ser considerado como el maestro consumado de la pintura del paisaje romántico primitivo. Su trabajo habría bastado por sí solo para formar nuestra noción de pintura romántica. El lenguaje simbólico de sus paisajes deriva su vocabulario del estudio de la naturaleza, y se basa en una internalización meditativa de las experiencias de los sentidos.Esta pintura transmite las impresiones de Friedrich sobre el campo en las montañas de Bohemia al sur de Teplitz. Nuestra mirada se dirige a la derecha hacia el Monte Milleschauer, y luego, debido a la estructura simétrica de la pintura, al perfil igualmente amplio de una segunda montaña, el Kletschen, a la izquierda.
La vista vuelve de la silueta verde azulada de estas montañas distantes a los exuberantes pastos verdes en la parte delantera. Desde allí viaja por el camino hasta la casa de baja construcción en el valle, medio oculta, en medio de los árboles y arbustos; la presencia de vida humana se revela por la columna de humo que se eleva desde su chimenea. O podemos subir en nuestras mentes por la colina a la derecha de la casa, que se vuelve de un verde amarillento cada vez más pálido con altura, tal vez para obtener una perspectiva aún mejor del paisaje. La facilidad con la que el comienzo de este camino en primer plano nos lleva a un recorrido por la escena parece corresponderse con el estado de tranquilidad de la mente provocado por la pintura, y concuerda perfectamente con su descripción de la naturaleza. Con su maravillosa delicadeza y su ambiente relajado y sereno, la pintura debe ser uno de los paisajes más bellos del arte alemán.

Mañana en el Riesengebirge: 1810-11

Con su amigo Kersting hizo un recorrido por la zona montañosa cercana a Dresde conocida como "Suiza sajona", en el verano de 1810. La mañana en el Riesengebirge, pintado poco después, es otra exposición de su tema de la cruz en un pico. Se puede ver como una especie de continuación del Altar de Tetschen. Los planos de la tierra y el cielo, que representan lo corporal y lo infinito, están unidos por el crucifijo, iluminados por el sol de la mañana.

Mañana: 1821

Mañana en las montañas: 1822-23

Paisaje de invierno: 1811

'Paisaje de invierno' fue exhibido originalmente por Friedrich en 1811 en Weimar con otra escena de invierno, ahora en el museo en Schwerin. En la sombría imagen de Schwerin, una diminuta figura con muletas mira fijamente a través de una llanura cubierta de nieve. Está rodeado por los retorcidos troncos de robles muertos o moribundos, y tocones de árboles derribados se extienden en la distancia. Pero la desolación inflexible de esta imagen es contrarrestada por su compañero ahora en Londres. Aquí el mismo lisiado ha abandonado sus muletas. Se apoya contra una roca dura, levantando sus manos en oración ante un crucifijo que reluce contra las vigorosas ramas de hoja perenne de los abetos jóvenes. En el horizonte, la fachada y las agujas de una iglesia gótica, cuya silueta se asemeja a la de los abetos, emergen como una visión de un banco de niebla.
Brotes de hierba empujan a través de la nieve, y el cielo está rayado con el brillo del amanecer. La desesperación mortal en la primera pintura se transforma aquí en la esperanza de la resurrección, la salvación otorgada a través del sacrificio de Cristo en la cruz.Friedrich no fue el único de sus compatriotas en este período que trazó una analogía entre la arquitectura gótica nativa alemana y el crecimiento natural de los árboles del bosque, y la imagen aquí refleja casi con seguridad su simpatía por los movimientos patrióticos y democráticos de la época. así como su fe religiosa.'Winter Landscape' fue pintado con sorprendentemente pocos pigmentos, lo que sugiere que Friedrich estaba menos interesado en el color que en los tonos suavemente graduados. Logró el llamativo efecto de una bruma brillante y transparente punteando cuidadosamente con la punta del pincel, utilizando un pigmento azul - esmalte - que es transparente en un medio aceitoso.

Paisaje de invierno: 1811

'El paisaje de invierno en Schwerin' tiene su contraparte en un 'Paisaje de invierno con iglesia en Dortmund'. La pintura de Schwerin se caracteriza por la oscuridad de una extensión de nieve que se extiende hacia la distancia infinita, que los intérpretes modernos ven como un símbolo de la muerte, un signo nihilista de la fatalidad. El colgante en Dortmund presenta, por primera vez en la obra de Friedrich, una iglesia gótica, vista como una visión monumental que surge de la niebla como una fantasmagoría y se levanta contra el fondo sombrío de un cielo invernal. Más cerca del espectador, un hombre está recostado contra una roca y mirando el crucifijo frente a un grupo de abetos jóvenes.
Él ha arrojado sus muletas demostrativamente lejos de él en la nieve.En las décadas anteriores y alrededor de 1848 el mundo, y especialmente los artistas de la época, miraban desde el norte a la música de Viena, y escuchaban la música del período clásico de Viena. El cuervo en una rama muerta, o la pintura del vagabundo solitario entre los árboles desnudos en el paisaje de invierno de Friedrich, fue puesto a la música por Schubert en su Winterreise.

Paisaje de invierno con iglesia: 1811

En una carta del 22 de junio de 1811, escrita por Friederike Volkmann en Dresde al psicólogo Dr. Christian August Heinroth en Leipzig, esta pintura se describe como el colgante del "Paisaje de invierno ahora en Schwerin".La pintura de Schwerin se caracteriza por la oscuridad de una extensión de nieve que se extiende hacia la distancia infinita, que los intérpretes modernos ven como un símbolo de la muerte, un signo nihilista de la fatalidad.
El colgante en Dortmund presenta, por primera vez en la obra de Friedrich, una iglesia gótica, vista como una visión monumental que surge de la niebla como una fantasmagoría y se levanta contra el fondo sombrío de un cielo invernal. Más cerca del espectador, un hombre está recostado contra una roca y mirando el crucifijo frente a un grupo de abetos jóvenes. Él ha arrojado sus muletas demostrativamente lejos de él en la nieve. Esta combinación de motivos se ha interpretado como una referencia a la seguridad del cristiano en su fe.

La cruz en las montañas: 1812

Las visiones de la arquitectura gótica aparecen regularmente en la obra del artista de "Winter Landscape with Church" (1811, Dortmund), elevándose como un enigma hecho por el hombre en un escenario de paisaje misterioso. Un ejemplo lo proporciona "La cruz en las montañas", que se puede fechar con bastante seguridad hasta 1812, y que durante mucho tiempo se ha considerado como un desarrollo adicional del Altar de Tetschen.
El terreno áspero y rocoso del primer plano rodea un manantial, detrás del cual, en un espacio indeterminado, se levanta un muro oscuro de abetos y la fachada a dos aguas de una iglesia gótica, reducida a una silueta sombría. Un calvario junto al camino marca el límite entre el primer plano y el fondo. La lógica del espacio y el tiempo parece haber sido abandonada en esta pintura a favor de la irrealidad de un sueño.

El Chasseur en el bosque: 1814

La ocupación francesa de Alemania fue también el período del primer éxito del pintor, gran parte del cual se debió a su adopción de temas específicamente nacionalistas. La iglesia gótica, en ruinas o en ruinas, adquirió un significado particular para él, al igual que el bosque alemán. Cuando en 1814 celebró la expulsión de los franceses, fue con 'El Chasseur in the Forest', una imagen inquietante de un solitario dragón francés perdido en un bosque de árboles de hoja perenne. Es una imagen compasiva: el destino del invasor es justo e inevitable, pero también triste, y parece pertenecer al mismo destino natural más elevado que el vigoroso crecimiento del bosque.

Vista de un puerto: 1815-16

Los temas del mar, puertos y barcos juegan un papel destacado en la obra de Friedrich. Tales motivos parecen haberlo emocionado profundamente. 'La vista de un puerto' puede haber sido inspirada por el puerto de Greifswald. Es de noche, y entre los mástiles de los dos grandes barcos en el suelo medio se encuentra la media luna de la luna creciente. Debajo de él se encuentran finas zonas de color, que van desde amarillo claro, naranja y rojo encendido hasta lilas y grises en el horizonte; encima de ella, diagonales cintas de nubes estructuran el cielo. Dentro del espacio casi irreal así creado de color, los barcos están "flotando" y parecen estar avanzando fuera de las profundidades.

Dos hombres junto al mar: 1817

La gente de Friedrich a menudo es retratada en una embelesada contemplación de los misterios de su propia pasión reflejados por el ascenso y la caída de la luna, extendidos por el paso del tiempo y la marea. Sus paisajes marinos combinan la intimidad y la grandeza de una manera sin precedentes. En el surrealista Two Men by the Sea, cada espectador es el clon del otro.

Neubrandenburg in Flames
(Amanecer cerca de Neubrandenburg): ca 1835

Elevándose por encima de la ciudad, que se ve en la silueta desde el noreste, es la esbelta aguja de la Marienkirche. El paisaje montañoso en el horizonte, sobre el cual se despliegan grandiosos bancos de nubes en un enorme cielo, es el producto de la imaginación pura. Esto ha llevado a algunos historiadores del arte a concluir que el trabajo no pretende ser una veduta directa, sino una glorificación del Neubrandenburg gótico.
Los dos hombres en la pista en primer plano permanecen inmóviles junto a lo que probablemente sea un dolmen y contemplan el paisaje a lo lejos. Las opiniones difieren en cuanto a si las condiciones de iluminación representan el amanecer o el atardecer. Al igual que los arbustos que arrojan sus hojas en primer plano, las aves migratorias en el cielo, probablemente cigüeñas, sirven como indicadores para acercarse al invierno y por lo tanto a la muerte.

Puerto de Greifwald: 1818-20

En el velero: ca 1819

Esta pintura, con su audaz composición, probablemente fue comprada por el futuro zar Nicolás I en 1820, cuando visitó Friedrich en Dresde.Como si nosotros mismos estuviéramos a bordo, nuestros ojos están dirigidos hacia la proa del barco, donde está sentada una pareja. Se toman de la mano y contemplan la distante ciudad que se encuentra frente a ella, y las torres de sus iglesias y edificios emergen nebulosamente de la niebla. La mujer es Caroline, la esposa del artista, y probablemente el hombre sea Friedrich.

El artista posiblemente se está refiriendo aquí al motivo de la nave de la vida, a la noción de la vida como un viaje de este mundo al siguiente, como familiar de la tradición pictórica y literaria cristiana. La imagen está dominada, sin embargo, por el lapso emocional entre la estrechez del barco, la forma en que parece deslizarse silenciosamente hacia adelante, extrañamente sin olas, y el horizonte anhelado. Dominante, también, es la composición audaz con sus verticales ligeramente desplazadas (el mástil), sus horizontales (la orilla lejana) y su vista en escorzo de la parte frontal del barco en forma de cuña. Pasarían varias décadas antes de que una visión de primer plano de este tipo se volviera a encontrar en la obra de los impresionistas.

Dos hombres contemplando la luna: 1819-20

Después de su matrimonio en 1818, las personas asumen un papel más prominente en las pinturas de Friedrich y se vuelven considerablemente más grandes. Las figuras también aparecen con mayor frecuencia en parejas estrechamente ligadas por la amistad o el amor, grabadas para siempre en la memoria en imágenes de potencia suprema. Uno de los ejemplos más bellos de tales pinturas de dos figuras es "Dos hombres contemplando la luna".En esta pintura etérea, el simbolismo humano y natural se entrelaza sutilmente.
La luna, un viejo signo cristiano de esperanza, brilla desde detrás de un árbol marchito, observado por dos hombres, tal vez el artista y un alumno, en el traje "viejo alemán" favorecido por el movimiento de resistencia durante los años de la ocupación napoleónica. Pintada después de que esta amenaza se había levantado, la imagen vincula pasado, presente y futuro a través de los ciclos de tiempo y temporada y la intercesión de sus observadores humanos.En respuesta a la demanda de su clientela, Friedrich ejecutó varias copias de esta composición, algunas de las cuales permanecen en una colección privada. Volvió a retomar el tema, en una forma ligeramente variada, en la pintura "Hombre y mujer contemplando la luna" (ca. 1824, Nationalgalerie, Berlín), en la que quizá se haya retratado a sí mismo y a su esposa en esta escena de asombro romántico.

Las hermanas en el balcón: ca 1820

El paisaje urbano gótico combina edificios de Halle, Stralsund, Neubrandenburg y Greifswald. Las dos mujeres en traje antiguo alemán pueden ser la esposa de Friedrich, Caroline, y su cuñada, Elizabeth.

Nubes a la deriva: ca 1820

Después de apenas haber cambiado nada en la década de 1820, el estilo de Friedrich ahora comenzó a mostrar signos de una evolución sutil. Su uso de color, anteriormente algo reservado, seco, a menudo monocromo, ahora comenzó a dar paso a una paleta más diferenciada. Los pasajes de esmalte se complementan con áreas de impasto; la gama de colores se mejora con frecuencia con valores muy ligeros, y el manejo de la pintura de Friedrich se vuelve más flexible y algo más espontáneo. Las influencias inglesas, de Constable u otros que trabajan en una línea similar, pueden explicar el interés de Friedrich en los estudios de nubes. Drifting Clouds es un ejemplo de estos estudios.

Vista del Báltico: 1820-25

Esta vista probablemente combina elementos de las montañas bajas de Bohemia con citas del paisaje costero de la isla de Rügen.

La entrada del cementerio: 1825

Cuando Friedrich reanudó el trabajo en el petróleo después del final provisional de su enfermedad, persistió una sombra oscura que también afligió a su vida privada, una advertencia del ataque que más tarde sufriría y que aceleraría su muerte. El motivo del cementerio ahora comenzó a aparecer con mayor frecuencia en su obra, como por ejemplo en la pintura 'La entrada del cementerio', que probablemente se inició en 1825 pero que quedó sin terminar. La entrada imponente se basa en la del cementerio de Trinitatis en Dresde.

La puerta del cementerio
(The Churchyard): 1825-30

Una tristeza simbólica y pesada miente sobre esta pintura. En una exposición montada por el Bremer Kunst-Verein en 1833, la pintura llevaba el título Priessnitz Churchyard cerca de Dresde. Se sabe que Friedrich y Dahl hicieron dibujos de este cementerio en 1824.

Orilla del mar con naufragio de Moonlight: 1825-30

Para el género marino, muy popular entre los maestros holandeses y flamencos, Friedrich agrega una inquietante sensación de misterio, como se ve en esta imagen.

El Watzmann: 1824-25

A lo largo de su vida, Friedrich demostró que estaba muy unido a su hogar. Sus numerosos viajes y excursiones a pie al centro de Alemania, Silesia, Bohemia, Greifswald, Neubrandenburg y Rügen en realidad nunca lo llevaron muy lejos. Nunca visitó el sur de Alemania, por ejemplo, y su pintura de "The Watzmann", una montaña cerca de Berchtesgaden, retratada aquí como una catedral gótica en su majestad de piedra, fue inspirada por una acuarela de su alumno August Heinrich. También rivalizó con una pintura de Adrian Ludwig Richter del mismo título, que se exhibió en Dresde en 1824 y que pretendía respaldar la solicitud de Richter para la cátedra de pintura de paisajes en la Academia, cargo al que Friedrich también aspiraba.A pesar de su aparente fidelidad a la naturaleza, la pintura revela un elemento un tanto fantástico en su mezcla de diferentes formaciones geológicas y sus proporciones de escala antinaturales.

Cementerio bajo la nieve: 1826

Una tristeza simbólica y pesada se encuentra sobre el cementerio bajo la nieve. Ahora estamos mirando desde el interior del cementerio al otro lado de la tumba hasta la puerta abierta, que está rodeada por una celosía de ramas desnudas. El cielo tormentoso está muerto y vacío. La tumba abierta en primer plano ha provocado mucha especulación. Algunos han sugerido que está destinado como el futuro lugar de descanso del artista.

El árbol de roble en la nieve: 1829

Friedrich estaba preocupado por el paso del tiempo. Las edades del hombre se reflejan en el ciclo estacional, y sus vívidas representaciones de nieve invernal y árboles sin hojas contienen la promesa del crecimiento primaveral, como en "El roble en la nieve", que es a la vez una imagen de sorprendente naturalismo y un complejo alegoría, pintado tarde en la vida de Friedrich en un estado de retrospección. El roble alemán, símbolo de fuerza, es cruelmente picado y desnudo, como la propia Alemania durante gran parte de la vida del pintor; sus ramas muertas hablan de un pasado perdido.
Sin embargo, en sus raíces brotan nuevas hojas, y el cielo azul, reflejado en el agua helada, trae esperanza de renovación. Esta imagen no necesita cifras, porque el roble es realmente una figura colectiva de los alemanes.Los robles corren como un leitmotiv a lo largo de la obra de Friedrich, a menudo en conjunto con un dolmen. Son un recordatorio de las raíces personales del artista y al mismo tiempo están cargadas de sentimiento nacionalista.

Roble en la nieve: 1820

Mientras que la mayoría de los artistas alemanes vivían en Roma, particularmente a principios del siglo XIX, o realizaban extensas visitas a Italia, algunos aún lograron resistir la atracción del sur. Uno de ellos fue Caspar David Friedrich, que estudió en el norte de Alemania y Dinamarca, y luego, aparte de algunos viajes dentro de Alemania y Bohemia, eligió establecerse en Dresde y nunca lo abandonó. Friedrich se dedicó casi exclusivamente a pintar paisajes, pero su objetivo principal no era la representación de los fenómenos naturales.
La observación exacta de la naturaleza era simplemente la base de su contenido simbólico, que utilizaba el medio del paisaje para contemplar la condición humana y la relación del hombre con la naturaleza y con Dios. La pequeña pintura de Friedrich, Oak in the snow, se basa en una observación precisa,El roble es un símbolo del mundo precristiano. Las ramas caídas denotan lo insignificante de la existencia pagana, mientras que los signos de la primavera en la nieve que se derrite y el cielo azul anuncian una nueva vida en Cristo.

Barcos en el puerto en la noche: ca 1828

El Riesengebirge: 1830-35

Para Friedrich, la liberación de su país presagió un período de feliz estabilidad, en el que fue elegido para la Academia de Dresde en 1816 y se casó dos años más tarde. La eliminación del estímulo de la resistencia patriótica más bien disminuyó el rigor simbólico de Friedrich. Desarrolló un manejo más amplio de la pintura e hizo una serie de estudios sobre las nubes y los fenómenos naturales.
El cambio de interpretación y técnica se puede ver claramente en esta pintura.Con su amigo Kersting hizo un recorrido por la zona montañosa cercana a Dresde conocida como "Suiza sajona", en el verano de 1810. "Mañana en el Riesengebirge", pintado poco después, es otra exposición de su tema de la cruz en un pico. En esta imagen posterior de principios de la década de 1830, Friedrich recordó su recorrido por la montaña en términos de paisaje puro, con solo un pastor para habitarlo; las zonas de la tierra y el cielo están armonizadas por el vapor de la niebla de la mañana.

El Grosse Gehege cerca de Dresde: ca 1832

Esta pintura, que representa una zona de pastos atravesada por avenidas arboladas a las afueras de Dresde, representada magistralmente desde un ángulo alienante, es un ejemplo de la fase final de dominio completo de Friedrich. Utiliza una paleta exquisita para evocar un humor nocturno particularmente solemne y, por lo tanto, presta un impulso rítmico al primer plano con riachuelos de agua que brillan en la puesta de sol.Con la riqueza de su paleta, la belleza de su composición y su atmósfera sonora, esta impresionante pintura es una verdadera obra maestra en la historia de la pintura paisajista europea.

Naufragio en la luz de la luna: ca 1835

Las últimas pinturas al óleo de Friedrich como "El naufragio en la luna" y "El Riesengebirge" (ambas en la Nationalgalerie, Berlín), fueron ejecutadas alrededor de 1835 antes de sufrir un derrame cerebral el 26 de junio de 1835 que lo dejó parcialmente paralizado en brazos y piernas. alrededor de 1835, condensan motivos típicos de Friedrich en afirmaciones definitivas que se graban indeleblemente sobre la memoria con su grandeza interior, su solemnidad y su soberanía formal.

Ciudad en la salida de la luna: 1817

Noche: ca 1824

Niebla en el Valle del Elba: 1821

Paisaje con robles y un cazador: 1811

Paisaje con pabellón: ca 1797

Prados cerca de Greifswald: ca 1822

Salida de la luna junto al mar: ca 1821

Salida de la luna junto al mar: ca 1822

Paisaje montañoso del río
(Versión de noche): 1830-35

Neubrandenburg: ca 1817

Rocky Ravine: 1822-23

Rocky Reef en la orilla del mar: ca 1824

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