Yo, con un lienzo vacío y mis gafas de pensar
A poco que te guste el arte no es extraño encontrarse en algún museo o exposición un cuadro completamente blanco, o completamente negro ‒que para el caso es lo mismo‒. La primera y más natural reacción es llevarse las manos a la cabeza y calificarlo de absoluta y total estafa. Pero no entres en modo pánico. Ni el mundo del arte se ha vuelto rematadamente loco ni tú eres un insensible incapaz de captar los matices de un lienzo completamente blanco. ¿Qué lleva a un artista a pintar un cuadro vacío? ¿Y a los coleccionistas o a las instituciones, públicas o privadas, a gastar grandes sumas de dinero en una obra que aparentemente es humo? En arte hay pocas cosas que no tengan explicación, y en este tipo de cuadros desde luego la hay, aunque otra cosa es que te convenza.
El lienzo vacío tal vez parezca un invento del moderno siglo XX, pero en realidad los primeros experimentos se remontan a finales del siglo XIX. Concretamente al grupo de artistas franceses conocidos como «Los Incoherentes», que tomaron ese nombre porque se habían propuesto desafiar a la tradición artística académica a través de todo tipo de incoherencias y un sentido del humor tremendamente irreverente e irracional. En 1883 organizaron en París su primera exposición titulada Una exposición de dibujos por gente que no sabe dibujar. En ella encontramos una colección de pinturas monocromáticas titulada Album Primo‒Avrilesque que fue concebida desde el más puro gamberrismo artístico. El lienzo completamente blanco es obra de Alphonse Allais y se titula Primera comunión de jovencitas anémicas en la nieve. A juzgar por el título hay que admitir el juego y reconocer el mérito del cuadro. Otras obras de la exposición fueron Cosecha de tomates por cardenales apopléticos a orillas del mar Rojo también de Allais ‒que es un cuadro completamente rojo‒ o Pelea de negros en una cueva por la noche de Paul Bilhaud ‒totalmente negro‒. La ingeniosa ocurrencia monocromática se repite en todos los cuadros de la serie.
Cuadrado blanco sobre fondo blanco
Ahora sí podemos dar el salto al siglo XX, y cómo no, la primera parada obligatoria hay que hacerla en las vanguardias. Malévich había entrado en contacto con el futurismo en 1913 y hasta 1915 participa en varias exposiciones futuristas. Ese mismo año organiza una exposición en la que utiliza un nuevo realismo pictórico, el suprematismo, presentado en un manifiesto que realizó él mismo junto al poeta Maiakovski. En esa exposición muestra ya su famoso Cuadro Negro. El suprematismo reduce los elementos pictóricos a lo esencial, la mínima expresión, y desarrolla un nuevo lenguaje basado en la abstracción geométrica. En 1918 elabora su famoso cuadro vacío titulado Cuadrado blanco sobre fondo blanco. Con él Malévich cumple uno de los objetivos del suprematismo: llegar a la suprema abstracción, la abstracción total. Después de ese período Malévich sintió que no podía llevar su investigación más lejos y decidió abandonar la pintura para dedicarse a la enseñanza y a la escritura. Y es que, ¿qué se puede pintar después de pintar un cuadro blanco sobre un fondo blanco? Creo que sabía la respuesta y actuó en consecuencia.
Dibujo borrado de Kooning
Robert Rauschenberg es conocido sobre todo por el dibujo de Willem de Kooning que borró en 1953, pero un par de años antes ya había estado experimentando con lienzos blancos en el Black Mountain College de Carolina del Norte. Con ellos Rauschenberg pretende llevar al extremo el expresionismo abstracto minimalista, reduciendo radicalmente el contenido hasta el punto de eliminar todo tipo de referencia externa. Su obra fue un escándalo en el mundo del arte de Nueva York mucho antes de que se expusieran por primera vez en la Galería Stable en octubre de 1953. Pero a diferencia de Malévich, Rauschenberg no solo no abandonó la pintura sino que siguió buscando cauces para llenar de contenido al color blanco. Entonces vino el famoso Dibujo borrado de Kooning. El joven pintor le pidió al artista consagrado uno de sus dibujos para borrarlo. A Kooning no le hizo mucha gracia la idea, pero comprendió el juego artístico ‒la nueva generación frente a los artistas consagrados‒ y aceptó el reto. Consciente del carácter simbólico del gesto, le entregó un dibujo muy difícil de borrar y por el que sentía mucho afecto. Rauschenberg aclaró que esta obra más que una negación era una celebración. Desde luego, en ella el artista consigue invertir el concepto de pintura. Después de obras como las de Rauschenberg el arte había llegado a un punto de agotamiento extremo y tuvo que transitar por nuevos caminos. La llegada del pop art, justamente lo contrario, era inevitable.
White Stone de Agnès Martin
Li Yuan-Chia, uno de los padres fundadores del arte abstracto en Taiwan, llegó a Londres a principios de los 60. En su trabajo se combinan aspectos del pensamiento occidental y oriental. La superficie de suCuadro Blanco Monocromático expuesto en la Tate Gallery simboliza para el artista el comienzo y el fin de todas las cosas. Otra artista que también llegó a tener bastante éxito con lienzos completamente blancos fue Agnès Martin. Tuvo un carácter espiritual que plasmó en muchos de sus cuadros y que le llevó a estar siempre muy distanciada de la vida pública y social, tan necesaria en el oficio. Quizá por eso la revista Saturday Night la calificó como «la artista más desconocida de Canadá». Sin embargo, esto no impidió que fuera ganando popularidad, sobre todo en los últimos años de su vida. En 1998 se le concedió la Medalla Nacional de Arte de la Agrupación de Artistas de los Estados Unidos y hoy en día tiene obras repartidas por los más importantes centros de exposición de arte contemporáneo del mundo. En 1980 el comité cultural de Bulin Corporation´s compró uno de sus lienzos completamente blancos por 21000 libras esterlinas. Uno de los concejales que se opuso a la compra dijo que aquello era como «ir a un restaurante, pedir la cena y que le trajeran a uno un plato vacío».
Classico V de Robert Rayman
Robert Ryman pasó de guardia de seguridad en el MoMA a pintor. Prácticamente desde su primer trabajo se dedica a realizar pinturas monocromáticas. A finales de los 60 creó una serie de seis obras titulada Classico. En ella decide utilizar el blanco porque considera que es el color que tiene menos carga emocional. Classico V, por ejemplo, consistía en tres filas de hojas de papel de color crema pegadas a una pared con trozos de cinta adhesiva colocada en los bordes de cada hoja. A continuación pintó un cuadro blanco en la parte superior izquierda y cuando la pintura se secó retiró las cintas. Lo más importante en la obra de Ryman son los distintos tipos de materiales que utiliza. De hecho, usa el blanco para centrarse todavía más en ellos. La mayor parte de su obra se expone en el Hallen für Neue Kunst, un museo de arte contemporáneo de Schaffhausen, en Suiza, aunque también tiene cuadros en el Museo de Arte Moderno de Nueva York o en la Tate Gallery. Ha sido galardonado con innumerables reconocimientos, entre ellos el Praemium Imperiale en 2005, que es algo así como el Premio Nobel del arte.
Pintura negra de Ad Reinhardt
Si le he dado al artículo el título de «lienzo vacío» y no «lienzo blanco» ha sido para poder incluir las pinturas negras que Ad Reinhardt hizo durante los años 60. También hizo cuadros completamente blancos, pero se hizo famoso sobre todo por sus lienzos negros. En este caso se usa el negro, que en realidad también podría considerarse como la ausencia de color. Si uno se fija detenidamente en los cuadros se dará cuenta de que existen varias tonalidades de negro. En sus primeros cuadros esto se reconoce fácilmente, pero a medida que va pintando es cada vez más difícil percibirlo. Es como si en su obra se le fuera dando protagonismo a la observación poco a poco.
En plenos años 70, con el pop art ya consagrado, William Turnbull sigue desarrollando el arte de los lienzos monocromáticos. En la exposición de arte John Moores de Liverpol el pintor William Turnbull ganó un segundo premio de 3000 libras por su cuadro tituladoSin título nº 9. Además de ser un lienzo completamente blanco por la parte de atrás del cuadro había un mensaje que decía «parte superior» en ambos extremos. Lo que Turnbull quería decir con su obra es que el cuadro podía colgarse en ambos sentidos, que las dos experiencias estéticas eran correctas. También un segundo premio, esta vez con una dotación económica más discreta ‒400 dólares‒, ganó en 1982 el artista Joseph Ramsauer en la exposición de Bellas Artes de Rock Island en Iowa. La obra era una hoja de papel blanca enmarcada dentro de un gran esparadrapo.
Llegados a este punto se pueden sacar varias conclusiones que no estaría de más tener presentes si es que en algún momento nos encontramos en la situación de estar frente a un cuadro completamente en blanco:
a) Un lienzo vacío planteado como una broma al mundo del arte es algo que se hizo por primera vez en el siglo XIX. Imagínate qué sentido tiene hacer algo así hoy en día.
b) Si el cuadro vacío es de principios del siglo XX pertenece sin duda a las vanguardias. Podrán gustarnos más o menos, pero queda fuera de toda duda que las vanguardias son arte. Eso sí, demostrarlo queda fuera de los objetivos de este artículo.
c) Parece evidente que hay una gran concentración de este tipo de obras entre los años 50 y 60 y especialmente en artistas estadounidenses. No es casualidad. En los años 40 surge en Estados Unidos el primer movimiento abstracto originario, el expresionismo abstracto, también conocido como Escuela de Nueva York. El estilo cuenta con críticos de la talla de Clement Greenberg y artistas como Jackson Pollock y Willem de Kooning. En los 50 la nueva generación de artistas también participa en el movimiento, pero dando un paso más. Pondré como ejemplo el Dibujo borrado de Kooning. Efectivamente, Kooning era abstracto, pero en sus trazos aparecen muchas veces figuras reconocibles, como ocurre con sus Mujeres. Rauschenberg se propone llevar la abstracción al extremo y eliminar cualquier rastro figurativo de la obra. Aquí es donde entra en juego el arte minimal o minimalista. Si los lienzos de estos artistas son completamente blancos es porque quieren eliminar de sus obras cualquier tipo de referencia al mundo real. En realidad, hay que decir que consiguen lo que se proponen. Ves el cuadro y no se te ocurre relacionarlo con nada. Si alguna vez te encuentras con uno de estos cuadros quedarás como un rey diciendo que forman parte del arte minimalista monocromático con influencia del expresionismo abstracto.
d) El arte minimalista llega hasta los años 70. En los años 80 se renueva como neominimalismo, pero evidentemente ha perdido mucha de su frescura inicial. Es difícil decir hasta cuándo se extiende este último estilo porque nos falta perspectiva histórica.
Para acabar, me gustaría responder a tres preguntas que pueden formularse a raíz de las conclusiones:
a) ¿Quiere decir lo dicho hasta ahora que cada vez que veo un lienzo en blanco en un museo o una exposición lloro de emoción ante tanta belleza? No. Únicamente he pretendido darle una explicación a este tipo de cuadros y a por qué se pueden considerar arte sin miedo a parecer un estafador, un tonto o un pedante. Que lo consideremos arte no significa que nos tenga que gustar ni mucho menos. Nos puede parecer una mala obra de arte.
b) ¿Quiere esto decir que cualquier cuadro en blanco es arte? No, ni seguramente todo lo que se venda como arte contemporáneo tampoco sea arte. No quiero idealizar el mundo del arte ni mucho menos. Es verdad que también hay mucho pillo suelto que intenta aparentar ser lo que no es.
c) ¿Y cómo distinguir los cuadros blancos que son arte de los que no lo son? Responder a esta pregunta no es algo precisamente fácil. Es como responder a la pregunta de qué diferencia hay entre una lata de sopa normal y una lata de sopa considerada como obra de arte. Si quieres saberlo te aconsejo que le eches un vistazo a este artículo.
Fuente
http://lapiedradesisifo.com
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