Júpiter, Mercurio y la Virtud

"Júpiter, Mercurio y la Virtud", un mil quinientos veintitrés-cuatro 
Dosso Dossi

Una vez se dijo que las diosas de la Virtud y la Fortuna tuvieron una mala pelea. En su angustia, Virtud buscó la ayuda de Júpiter, jefe de todos los dioses. Pero Mercurio intervino y le dijo que esperara: los dioses estaban ocupados, dijo, por lo que los pepinos de flores y la pintura de las alas de las mariposas. En la década de 1520, Dosso Dossi sentó las bases de la lona, ​​de "Júpiter, Mercurio y la virtud". Gesticulando a la derecha, la virtud es personificada como una figura achaparrado adornado con flores. Un hombre desnudo, en el centro del lienzo, su ordena al silencio. Él no es otra que la de Mercurio, con el caduceo en la mano y las alas en su casco y zapatos de tacón. Mover derecha a izquierda, la historia culmina con un hombre barbudo que trabaja en un caballete. Él puede ser él mismo Dosso Dossi, aunque no podemos estar seguros de la semejanza. Él ha tomado la apariencia del dios Júpiter, cabeza del panteón romano, con un rayo estilizada a sus pies. En un lienzo, pinta las alas multicolores en mariposas. Ellos parecen cobrar vida bajo su pincel, y volar libre de la superficie del cuadro. Arte sobrenatural de Júpiter es una metáfora de toda la creación, en el mundo de la naturaleza, así como arte.

"Júpiter, Mercurio y la Virtud" sirve como una alegoría sobre el arte de la pintura misma. Júpiter trabaja en su-dentro-de-pintura pintura, con la paleta, mahlstick y cepillo;Dossi había utilizado las mismas herramientas para completar el cuadro en su totalidad. Su esfuerzo humano es como un dios, y el oficio del pintor es ennoblecido por su entorno único, mitológico. Unos años antes, Dossi había vinculado otra empresa creativa a los dioses, en su "Alegoría de la música". Las dos imágenes se comparan a menudo, a pesar de que probablemente no fueron concebidas como piezas acompañantes (tienen diferentes dimensiones, después de todo), Sin embargo, hay una cierta simetría al tratamiento de Dossi de la pintura y la música, como sujetos de alegorías exaltadas, como corresponde a la más alta humano esfuerzo. Cada imagen contiene tres figuras, de estatus de leyenda o ambigua, suficiente para transmitir su historia en etapas discretas. Sus poses y gestos disminuyen en vigor como las historias de progreso: la "Alegoría de la música" traza la evolución de la música, de izquierda a derecha, mientras que la leyenda de "Júpiter, Mercurio y la Virtud" se despliega en la dirección opuesta, de derecha a izquierda. Cada historia comienza o termina con un acto simple que resume el impulso creativo en cuestión. Golpes vigorosos de martillos legendarios de Pitágoras marcan el tono de la música, ya sea notas primas bailando sobre un yunque o la notación de Josquin Desprez sofisticada. Cuento de Pintura culmina en un acto igualmente potente, en el lienzo donde un dios pinta en silencio mariposas en ser.

La historia de Pitágoras era muy conocido, ¿cómo oyó sin querer los sonidos melodiosos que vienen de una herrería, y así desentrañar los secretos de la música, el universo, y todo. Durante dos milenios, sus verdades matemáticas fueron transmitidas en griego, latín y árabe. Menos popular fue la leyenda de los pepinos de pintura y mariposas, y la gente en los días de Dossi pensó que se originó en la época romana, de la pluma del escritor satírico griego Luciano. Pero el cuento encantador era al parecer un invento de Leon Battista Alberti, el famoso Quattrocento arquitecto y teórico del arte. De vez en cuando, han vuelto a surgir los rastros de la historia, como en un manual del siglo 19 en pigmentos para artistas, llamado "cromatografía". Allí, los colores de tintes de anilina recién descubiertos se describieron con entusiasmo. La prosa púrpura, en un primer momento, parece digno de su autor, George Field. Llamaba a otra parte en la química, tanto como la poesía, para justificar una Filosofía analógico ese color unida con la música.Pero campo había muerto antes de que se inventaran los tintes de anilina, cuando los fabricantes de pintura, Winsor y Newton, reeditado el libro. El paso que sigue es una inclusión más tarde por su editor: en un curioso paralelismo, que reemplazó a la de Júpiter Alberti con un químico industrial, como creador del mundo de color de mariposa que vivimos hoy:

"Antes del año 1856 las materias colorantes derivados del alquitrán de hulla eran prácticamente desconocidos hasta entonces, que el negro sustancia maloliente era considerado como casi sin valor;. Pero poco a poco la larva antiestético surgió en una hermosa mariposa, vistieron por primera vez en malva y siguiente en magenta. Después de su largo invierno de la negligencia, no surgió de alquitrán de hulla los tonos más vivos y variados, como las flores de la tierra en primavera. En un toque de la varita de hadas de la ciencia, el desierto se convirtió en un jardín del trópico tintes y colores lograron color, hasta que toda la gama se ha pasado por ... el Sr. W. Perkin ... creado una rama nueva e importante de la industria química -. la fabricación de colores de alquitrán de hulla El malva violeta abrió el camino , seguido por el rojo magenta, el azuLine azul, la fosfina amarillo, el emeraldina verde, el Aurine naranja, por púrpura y marrón, y negro. Tales fueron los matices, con muchos matices y tonos intermedios, que una de las reacciones a luz. El mundo se frotó los ojos con asombro; y verdaderamente parecía casi tan maravilloso para producir los colores del arco iris de un trozo de carbón, como para extraer el sol de los pepinos ".

de "Cromatografía de Campo" (1835),
revisada por Thomas Salter 1869.

Dossi estaba tan orgulloso de los colores que él utilizó, basculantes paleta de Júpiter hacia adelante para que podamos verlos. Las pinturas de aceite viscoso se aferran a la superficie de la paleta, en el que se mezclan en tonos y matices, según se requiera. Una variedad de rojos, de oscuro a brillante, se varió a lo largo del borde frontal, con careta separados de otros colores - posiblemente amarillo, azul, y verde - en la sombra detrás. Cada pigmento se muele finamente en aceite, que recubre cada partícula en una película delgada. Las reacciones químicas del petróleo anulado entre pigmentos, cuando se mezclan, por lo que los diferentes colores pueden ser libremente mezclados. El método fue importado de los Países Bajos, a principios del Renacimiento, y eliminó gran parte de la necesidad de que todos los colores que se prepara por separado y se aplica. A diferencia de temple de huevo tradicional, aceites eran lentos para secarse, y un pintor podrían regresar a su paleta al día siguiente y esperar encontrar los colores frescos. La pintura también se mantendría en húmedo durante algún tiempo, permitiendo la manipulación adicional. Los colores podrían ser mezclados directamente sobre su superficie, usando técnicas scumbling, acristalamiento, y empaste. El propio suelo de la lona (otra innovación) permitido para toques rápidos y sutiles, como el cepillo interactuó con el diente de la tela.

Frescos en yeso exigieron una técnica estricta, que se prestaba a efectos planas y decorativas. Ejemplos elaborados se alineaban en las paredes del Palazzo Schifanoia, el palacio de verano de los duques de Ferrara, con alegorías intrincados que representan los meses y los signos del zodíaco. Pero Dossi tenía ejemplos más recientes antes que él.Óleos espectaculares, de Giovanni Bellini y Tiziano, fueron alojados en la Cámara de Alabastro del castillo de Ferrara. Duque Alfonso encargó Dossi para añadir a su número, y el artista aprendió mucho de los maestros venecianos. Su perfecta combinación de color, con la luz y la sombra, dictó el mundo natural de manera convincente, e hizo un mito parece plausible. Dossi dirigido por un efecto similar, con "Júpiter, Mercurio y la Virtud", y rodeado de los dioses olímpicos con bosques, dominada por una colina de la ciudad italiana. Tal vez había caído bajo el hechizo de otro veneciana, de Giorgione, con sus sutiles alegorías y paisajes salvajemente poéticas. Mientras que algunos artistas sobresalieron en la perspectiva geométrica, otros en la anatomía humana idealizada, Dossi ganarían una reputación como un pintor más importante del paisaje de su tiempo. En esta empresa, no hubo cánones de proporciones que le guían, ningún producto recientemente desenterrados estatuas antiguas para el estudio, sólo el modelo de la naturaleza misma.

Ilustración 2: "LA NATURALEZA COMO PINTOR DEL MUNDO",
Pauwels Franck (también conocido como Paolo Fiammingo), c1580.

Pauwels Franck fue un artista flamenco trabajando en Venecia, que se especializó en la pintura de paisaje. Medio siglo después de Dossi había completado "Júpiter, Mercurio y la Virtud", Franck se refirió a un tema similar. Su dibujo muestra la naturaleza inmortal pintar un globo alado sobre lienzo, para simbolizar su capacidad para animar a toda la creación. La inscripción por encima de ella (en italiano) proclama sus dones superiores - La naturaleza puede ilustrar los principios generales del movimiento, mientras que el pintor mortal simplemente puede representar actos individuales. Significativamente, su emblema es geométrico y abstracto, en contraste con el desierto dibujado vigorosamente a su alrededor. Una viñeta, en la media distancia, expone las limitaciones del arte humano. Allí, Franck interpretó a un cazador y sus perros, empequeñecido en medio de la naturaleza. Ellos están congelados en el acto de derribar un ciervo. Somos testigos de que ni el progreso de la persecución, ni matar, simplemente un momento aislado en el tiempo. Naturaleza mira directamente hacia nosotros, recordándonos a todos (Franck y Dossi incluyo) que no podemos emular a los dioses.

A su manera, Dossi había abordado el desafío, con la voz de Pauwels Franck, de cómo representar el movimiento en el tiempo y el espacio. Él combinaría eventos en un solo cuadro, incluso cuando se describieron de forma secuencial en la fábula originales. Por un mosaico sutil de pequeñas acciones, Dossi sugirió una historia más grande. En "Júpiter, Mercurio y la Virtud", por ejemplo, los tres protagonistas principales actúan simultáneamente. La triple combinación se refleja en el lienzo de Júpiter, donde tres mariposas comparten en el proceso de la creación. El insecto bajo el cepillo de Júpiter llega a su fin; el uno a la derecha parece descansar en la superficie de la imagen, mientras que la mariposa más superior es la más animada y tridimensional. La vida surge en fases sucesivas que están íntimamente vinculados, como fotogramas de una película o una caricatura. En su "Alegoría de la música", Dossi había utilizado técnicas similares para subdividir su tema. La historia de la música, del sonido primordial al Alto Renacimiento, fue telescópica en un solo escenario. Un golpe de martillo para yunque (el equivalente musical a la pintura de Júpiter) establece la creatividad en tren. La acción se meramente implícito, aunque su efecto posterior es visible como una resonancia de pequeñas notas desde el yunque. La causa fue, evidentemente, un martillo de rebote en la mano de Tubal-Caín, preparada para atacar de nuevo. Los sonidos musicales se unieron en un círculo o un triángulo, como duelas notada que prescriben las progresiones formales en tiempo y terreno de juego. Por supuesto, nada cambia en la pintura estática. Si se escuchó la música, podemos sentir una especie de movimiento en el flujo de la melodía a través del tiempo. El aristotélica "Problemata", impreso por primera vez en 1498, había desconcertado a más de nuestra respuesta a la música:

"¿Por qué suena la única sensación que excita los sentimientos? Incluso melodía sin palabras se siente. Pero este no es el caso para el color, ni olor, ni sabor. Es porque no tienen ninguno de la moción que el sonido excita en nosotros ?. NO.Now estos movimientos estimulan la acción, y esta acción es el signo de los sentimientos ".

En el tratamiento de la enfermedad de Parkinson de hoy, los terapeutas encuentran los pacientes pueden controlar sus temblores más fácilmente, cuando sus movimientos se acompañan de música. La música ayuda a los enfermos de Alzheimer, también; muchos son capaces de recordar fielmente letras y melodías de las canciones, a pesar de que pueden tener poco recuerdo de otros aspectos de sus vidas. Los antiguos griegos también consideran la música para efectuar el carácter y el alma, y eran conscientes de sus cualidades miméticas - mientras se movía, por lo que se trasladaron al oyente. Un himno de batalla inspiraría las pisadas de un ejército y un canto podía invocar la presencia de un dios ceremonias religiosas. Poderes maravillosos fueron atribuidas a artistas legendarios, que podrían desplazar piedras, animales encanto, resolver las controversias, y curar la enfermedad con su música. Estilos únicos de la música surgieron de diferentes colonias griegas, y las proporciones del modo dórico encontraron el favor de Platón. Consideró que es necesario para una buena educación, en armonía con un estado bien regulado, y el centro de la estructura del cosmos. La música nos afectada de dos maneras, según el "Problemata", por el ritmo, y por la alteración en el tono. Puesto que la música fue utilizada por primera vez para acompañar a la poesía, sus ritmos se coordinaron con el metro del verso. Los teóricos miden distancias de paso entre las notas como relaciones matemáticas, con la ayuda de un monocordio de una sola cuerda. Las acciones de la música, tanto de ritmo y tono, siguieron la secuencia de cambios en una melodía.
Notas sonado juntos no contaba, ya que se consideró que no hay movimiento se produjo entre ellos. Lo contrario es cierto para los otros sentidos, lo que implica que dos colores, por ejemplo, podrían crear algún tipo de acción cuando se ve al lado del otro. Aristóteles había tocado en el profundo efecto de los colores yuxtapuestos, cómo lana púrpura bordado o tejido apareció de manera diferente contra hilo blanco o negro. También sugirió los diferentes colores pueden ser ordenados como notas, de acuerdo con las proporciones musicales. Pero la combinación de tonos musicales, apilados juntos en un acorde vertical, fue un desarrollo mucho más tarde. Armonía, como una relación entre notas simultáneas, que se convertiría en un jefe de belleza de la música renacentista. En el siglo 19, Hermann von Helmholtz fue capaz de suministrar una justificación científica para la armonía, y dar una inclinación contemporánea a las cuestiones planteadas por la "Problemata". En su tomo seminal de 1863, "en la sensación de tono como base fisiológica para una Teoría de la Música", concluyó Helmholtz música era más flexible que otras formas de arte. Hay muchos tipos de movimiento - "rapidez graciosa, lápidas procesión, avance tranquilo, salto salvaje" - podrían ser expresados ​​en las notas. Para Helmholtz, la música no estaba obligado por imitación servil de la naturaleza; evocaba estados mentales, similares a los que participan en el movimiento de la voz y el cuerpo, y con el pensamiento y el sentimiento.

Helmholtz comparó la música de color, en el "Manual de Óptica Fisiológica", de 1866. Después de un cuidadoso análisis de las longitudes de onda paralelas, tanto de sonido y luz, se encontró con pocas razones para equipararlos. En cambio, él buscó la cultura más amplia, por analogías para apoyar sus hallazgos en el laboratorio. Las mejores pinturas, según Helmholtz, estaban en deuda con los colores fundamentales de la visión. Detectó las primarias Young-Helmholtz, de rojo, verde y azul-añil, en obras maestras de la pintura veneciana. Los artistas habían dado con una verdad de la física y la fisiología, en su búsqueda de equilibrio estético y la armonía del color. Ellos replicaron colores de la luz lo mejor que pudieron, en los pigmentos de pintura. Cuando se combinan dos a la vez, las primarias de luz producirían colores secundarios de azul verdoso, púrpura y amarillo. Los conocemos hoy como cian, magenta y amarillo (o CMYK cuando se incluye negro), y forman la base de la impresión en color. Estos son complementarios a las primarias de la luz, y Helmholtz encuentran sus longitudes de onda con precisión. Él debidamente descubrió pruebas para el uso artístico de los secundarios, en las pinturas de Paolo Veronese. Pero la reciente limpieza de "Bodas de Caná" de Veronese, de 1563, reveló que el morado no es más presente que el rojo. Tampoco deben ser acusados ​​de Tiziano o Giovanni Bellini de tener descuidar amarillo, en favor de un azul-verde. La imitación de la naturaleza, en lugar de la adhesión a una teoría, parecían guiarlos entre los muchos tonos y matices.

Ilustración 3: "EL bodas de Caná" (detalle),
Paolo Veronese, 1.562-3.

El tema aparente de la vasta obra maestra de Veronese es el motivo del primer milagro de Cristo. Él pudo haber convertido el agua en vino, pero la pintura está dominada, frente y al centro, por un grupo de músicos. La tradición sostiene que la figura en blanco, inclinándose una viola da gamba, es él mismo Veronese. Detrás de él, colegas pintores Tintoretto y Jacopo Bassano juegan en viola y flauta. Enfrente, el hombre de rojo es Tiziano, que sustenta su melodía con su contrabajo. Si la música es una metáfora, entonces Tiziano es el fundador de la escuela veneciana de pintura, Veronese su médico de plomo (con Tintoretto como un rival cercano), mientras Bassano es la rústica del grupo. Hay otras 130 personas en la fiesta, pero ninguno parece hablar; la imagen fue colgada en el comedor de un monasterio benedictino, donde se observó estrictamente silencio.

Parece un poco pasada de moda, ahora, a tomar cualquier maestro veneciano como autoridad final en color. En el momento de Helmholtz escribió, sin embargo, Veronese fue considerado el más grande coloriste por Thomas Couture, un destacado pintor de la historia de Francia y profesor. Charles Blanc, abanderado de la Beaux Arts estética, acordó que los colores de Veronese encantan el ojo; Sólo Eugene Delacroix podría dar color más fuerza poética y moral, para "afinar su lira (por así decirlo) que el tono de sus pensamientos". Helmholtz, a pesar de todas las armonías que vio, no pudo encontrar conexión con armonías que oyó. Negó específicamente cualquier enlace físico entre los tres colores primarios, y la tríada de notas en un acorde. Al final, se decidió por una analogía de la música, no con el color, pero con movimiento en tres dimensiones. Una frase musical se podría traducir en el tono, y seguir siendo reconocible, tanto la forma en que un cuerpo podría ser trasladado de un lugar a otro. Al igual que los diferentes cuerpos que navegan el espacio, diversas voces musicales podían coexistir, siempre y cuando ellos obedecieron las reglas para evitar las colisiones de la discordia. Música representaba una fuerza motriz, el poder detrás de la acción, mientras que la pintura sólo podía mostrar el resultado de la acción, o las circunstancias en que se produjo.

Ilustración 4: cuatro partes CANON,
Bartolomé Ramos de Pareja, c1491,
iluminado por
Gherardo y Monte da Giovanni del Fora.

Para formar el canon de Bartolomé Ramos, cuatro voces ocupan la misma melodía de forma independiente. Sus entradas están escalonados, de manera cantantes estarán en diferentes puntos de la canción en un momento dado. Los cuatro aspectos vocales serán trenzar juntos, en armonía de cuatro partes, antes de que el primer cantante llega al final. En el centro del diagrama, se nos dice algo de las modalidades empleadas, y las armonías dulces a esperar de un rendimiento adecuado. Para ello, Ramos modificado música pitagórica, afirmando que, "si bien es útil y agradable a los teóricos, es laboriosa y difícil para los cantantes". En "Música Practica" de 1482, que había templado algunas terceras partes mayores y menores por razones de 5: 4 y 6: 5, tanto a la ira de los tradicionalistas. Ramos probablemente aprendió el método de los teóricos árabes, en su Andalucía natal, y se prestó sutileza de sus melodías y parte-canto. Las mismas relaciones fueron redescubiertos, en una antigua obra griega por Ptolomeo, y eventualmente incorporados en la música especulativa occidental. Gioseffo Zarlino legitimó la nueva práctica en "Le Institutioni Harmoniche", de 1558, donde los números forman una base para el sistema de afinación conocida como la entonación justa.
Un solo pentagrama, que contiene notación para el canon, fue doblado en un círculo, repitiendo la forma de la tierra y las esferas celestiales dando vueltas por encima. Ramos tenía música adornado con analogías cósmicas en "Musica Practica", relacionando sus cadenas y los modos a los planetas. De acuerdo con una inscripción debajo de las notas de este canon, mostró el universo y la música juntos en armonía.Como los cielos giran, por lo que la música fluye. Se inicia en la parte superior, donde el viento del Este pone la música en movimiento con una ráfaga de su concha. Avanzar hacia la derecha, el ímpetu ganancias melodía en cada punto de la brújula sucesiva, donde los cuatro vientos soplan. Sus respiraciones son las de los cantantes, e indican que cada cantante debe entrar la canción. Antes de la melodía cierra el círculo, cuatro voces estarán sonando juntos. Cada cantante puede comenzar la melodía de nuevo, después de completar una vuelta, al igual que el sol saldrá cada día después de rodear la tierra. Para la obra atribuida a Ramos, aquí, así como la puntuación en el centro de la "Alegoría de la música" de Dossi, notación circular destacó la analogía entre el canon y el cosmos.

En el momento Dossi estaba trabajando en sus alegorías de la música y la pintura, el compositor flamenco Adrian Willaert era residente en la corte de Ferarra. Willaert era experto en escritura cánones (aunque la versión circular amateur que Dossi pintado no estaba a su nivel, al parecer). Él también era experto en el manejo del nuevo estilo de música Ramos presentó, y lo demostró con un escenario de un verso de Horacio: comenzó (en latín), "Lo que no se puede lograr a través de la bebida?" Cuatro voces salieron en el estilo de Pitágoras estándar, y cada parte incluyeron un bemol. Poco a poco, pisos adicionales se introdujeron, uno a la vez, pero sólo en la parte tenor. A mitad de la pieza, el tenor tuvo seis pisos, por lo que los intervalos con todos los otros cantantes había cambiado. El efecto no era exactamente como una modulación moderna, entre las teclas sucesivas, sino más bien como un cambio en el paisaje sonoro: las relaciones de popa de Pitágoras había dado paso a las armonías suaves de la entonación justa. Por los movimientos pequeños, de las distancias ajustadas entre las notas de cada acorde, un cambio acumulativo barrió a través de la pieza. Willaert sería pasar en 1527, para fundar una famosa escuela de música en San Marcos en Venecia. Zarlino se convirtió en uno de sus alumnos más ávidos, y llamó a su amo "el nuevo Pitágoras quien corrigió numerosos errores".

Las ideas tradicionales persistieron, mientras que las técnicas cambiaron. Pitagóricos todavía mantiene que los planetas hacen su propia música a medida que orbitaban la Tierra, y los músicos conformado cánones en círculos, para dibujar una metáfora bajado del cielo. Lo suyo eran grandes ideas, que conectaban cualidades de la música con los movimientos de las estrellas, de alguna manera. Había dos tipos de movimiento simple en el cosmos, escribió Aristóteles en "Sobre los Cielos" - el movimiento en línea recta, y el movimiento circular. El primero era propia de los cuatro elementos, con la tierra y el agua que se hunde hacia abajo, y el aire y el fuego se elevan verticalmente, para formar un sobre en capas alrededor de la Tierra. Pero ¿qué pasa con el movimiento circular? y por lo sencilla cuerpo sería la rotación ser natural? Aristóteles decidió debe haber un quinto elemento, el éter, diferente y separado de todos los cuerpos sobre nosotros en esta tierra. Se encontraba más allá de la luna, la materia de los cielos, y se trasladó eternamente en un círculo perfecto. Nunca alterado o aumentado, no era ni pesado ni luz, y no pudo ser creada ni destruida. Había algo divino sobre el éter, ya que las estrellas nunca habían sido conocidos por alterar su curso.

Ilustración 5: ESQUEMA DEL COSMOS,
el Atlas Catalán, siglo 14.

Era comúnmente se cree la tierra se quedó quieto, en el centro del universo, mientras que los planetas y las estrellas giraban a su alrededor.El sol sí tuvo un lugar entre los planetas, en deferencia a la tierra. Muchos diagramas esquemáticos sobreviven de la época medieval, que muestra la disposición aceptada. En este ejemplo, el mundo está envuelto en los cuatro elementos - tierra, agua, aire, fuego - se muestra como anillos de blanco, verde, amarillo y rojo. Más allá de ellos, los planetas (desde la Luna a Saturno) ocupan siete zonas de azul pálido.Una franja azul más oscuro contiene las estrellas fijas, todos aquellos que mantienen sus posiciones relativas mientras que el cielo de la noche gira. A continuación, dentro de las fronteras de color marrón rojizo, siete dioses titulares personifican los planetas y los doce signos del zodíaco representan. Las principales constelaciones siguen, a continuación, una banda de color azul oscuro que muestra las fases de la luna. El resto del disco tiene subdivisiones, tanto astronómico y astrológico, con 360 grados del círculo marcado en el borde exterior. De vuelta a la tierra, aparece un astrónomo, la cartografía del cielo en grados con su astrolabio. Su trabajo consistía en fijar cada estrella, incluso, ya que cambió de posición.
Cambios cíclicos evolucionaron a partir de los movimientos de los cuerpos celestes, y el Four Seasons presidir el flujo del tiempo, de las esquinas de la página. (Supongo que la primavera y el verano son las cifras en la parte superior, vestidos de verde y rojo, respectivamente, con el otoño y el invierno en batas azules y pálidos a continuación.) Otros manuscritos podrían superar el esquema cosmográfico con los ángeles y santos, algunos podrían suministrar cuatro gigantes de apoyar el universo en sus hombros. Los cuatro vientos que rodean el canon de Ramos (Ilustración 3, arriba) sirven el mismo propósito, para representar a su música como una versión microcósmica de los cielos.Los vientos soplaron el cielo y los planetas alrededor de la tierra, de acuerdo con Hildegarda de Bingen, un visionario del siglo 12. El viento era un símbolo del alma de Hildegard, y el viento más dulce fue la voz del Cordero de Dios. Resonó en tuberías enjoyadas, situado en las coronas de vírgenes. Cristo era la canción perfecta, un balance de la música y letras, de la divinidad y la humanidad. Hildegard escribió la música celestial abajo, lo mejor que pudo, e incluso dio una parte habla de Satanás (que causa de la discordia), para interrumpirlo el coro celestial.

El viento juega un papel fundamental en la "Alegoría de la música" de Dossi. Sopla de la boca de un niño, y los niños similares chorro de aire en el canon de Ramos, arriba. El viento es a la vez la inspiración y la causa de la música. Se ondea la capa roja del herrero alta de Dossi en el aire, la adición de drama y una impresión de movimiento en el espacio de otro modo oscuro y silencioso. En "Júpiter, Mercurio, y la Virtud" la situación está un poco al revés. En el paisaje más allá de allí sopla un vendaval, que dobla los árboles y riza las túnicas de Mercurio y la Virtud. Pero la pintura está protegida contra los elementos: el aire alrededor de Júpiter se quedó inmóvil, como si Mercurio no sólo silenció Virtud, pero ha calmado la propia atmósfera misma.Sólo las alas de las mariposas agitan el aire, ya que revolotean por el lienzo. Uno se acuerda de una metáfora moderna, utilizado para explicar la teoría del caos, la forma en la solapa del ala de una mariposa en Brasil provoca un tornado en el otro lado del mundo. Quizás Júpiter ha desatado el caos en el resto del mundo, mediante la creación de la vida.Tal idea oscura no estaba lejos de la imaginación renacentista. Muchas brujas fueron quemadas, para confraternizar con el Príncipe de los Poderes del Aire. Como devotos de Satanás, volaron por el cielo en compañía de cabras y demonios. Sólo el sonido de campanas de las iglesias consagradas podría llevarlos caer al suelo. Después de siglos de tortura, las brujas se convirtió caricaturizados brujas sobre escobas, y sus aventuras se han convertido en un juego alegre de quidditch, con Harry Potter en Hogwarts.

Los seres humanos siempre han codiciado el poder de vuelo: alrededor de 400 aC, Aristófanes escribió una obra satírica sobre el tema, de un ateniense inteligente que usurpó el reino de las aves. Pisthetaerus, el héroe de "Los pájaros", sobornó a otros a unirse a él en la nube Cuckooland, por la entrega de las alas libres en la puerta. (Él ganó ascendencia sobre los dioses, que ya podían volar, con la promesa de una comida hecha en casa.) Winging a través del aire era la mejor manera de moverse, y no es casualidad que Franck dibujaría alas en un globo, a representar a la maestría suprema de la naturaleza del movimiento (Ilustración 2). Una fascinación con el transporte aéreo ha continuado hasta bien entrada la era de vuelo con motor, y un aletear de alas acompañado a la "Creación de las aves", pintado por Remedios Varo en 1957. El tema de su foto era asombrosamente similar a la de "Júpiter Dossi , Mercurio y la Virtud ". Colores primarios que dan vida surgieron de un horno alquímico, en la paleta de un artista-búho similares. Bajo las influencias combinadas de luz de las estrellas y la música, aves vivas volaron la página pintado. Los pájaros o mariposas, Varo y Dossi dijeron a la esencia, la misma historia; aunque separados por más de cuatro siglos, su imaginación tomó una trayectoria de vuelo similar. El realismo mágico de México y el pintor de la corte de Ferrara, tanto fantaseado sobre la capacidad del artista para crear la vida misma.

UROBOROS es el nombre dado a una serpiente o dragón, agarrando su cola en su boca. Tal como se utiliza por el alquimista del siglo tercero, Zósimo, se convierte en la reconciliación de los opuestos, un camino sin fin, y el símbolo del infinito.

Vuelo no era el único modo de inspiración de los viajes en el tiempo de Dossi; en 1522, los restos de la flota de Fernando de Magallanes fue lesionado de nuevo en el puerto de Sevilla, después de haber dado la vuelta al mundo por primera vez. A pesar de que habían navegado primero al oeste, siguiendo el sol, Nicolás Copérnico ya estaba rastreando otro gran viaje - el de la tierra misma. Él finalmente fijar el Sol en el centro del cosmos, en "De revolutionibus orbium caelestium" de 1543. Las órbitas planetarias se reorganizan a su alrededor, en círculos, ya que "esta forma es la más perfecta", y "todos los objetos se esfuerzan para ser delimitada de esta manera ". En las entrañas de la tierra, otros cambios cíclicos fueron transformando los elementos. Metales se gestan allí en una secuencia (de acuerdo con un manuscrito atribuido a Alberto Magno), con "cada uno de ellos con facilidad al pasar de una a otra como en un círculo". Los alquimistas podían replicar el proceso natural en sus laboratorios; oro podría ser fácilmente fabricado a partir de plata, ya que ponen al lado del otro en el círculo. El proceso fue mejor sincronizado con los movimientos de las estrellas, y cada etapa marcada por un cambio de color en el interior frasco del alquimista. El círculo encontró su lugar en la música, también, dentro de un sistema de notación para "Ars Nova", ideado por Philippe de Vitry en 1322. A principios de la duela, un círculo completo indicado perfecta tiempo (triple), mientras imperfecta (binario) tiempo estuvo representado por un semicírculo. (Este último todavía se utiliza, como el símbolo C, durante un compás binario de 4/4 o bien 2/4.) Cuando todo el pentagrama estaba doblado en un círculo, como para el canon de Ramos, anterior, se permitió que el melodía repetir. Un comentario hecho por Copérnico, del sistema solar y sus interminables ciclos de día y de las estaciones, se aplica por igual al canon - "Es el círculo independiente que puede traer de vuelta una vez más lo que ya ha tenido lugar". 

Ilustración 6: el círculo perfecto. 

(izquierda) LA RUEDA DE FIDELIDAD,
grabado en madera de "El triunfo de la Fortuna",
por Sigismondo Fanti, 1527
(diseños atribuye a Dosso Dossi).

Sigismondo Fanti de Ferrara escribió "Triompho di fortuna", un libro a principios de la adivinación. Dossi, se cree, suministra algunos diseños originales de ilustraciones de grabado. A la izquierda de la placa 34 (abajo), el autor se representa como astrónomo y matemático, que mide un globo. Dosso Dossi se muestra a la derecha, mostrando su mercancía. Su semejanza es, posiblemente basado en un autorretrato, y los rasgos faciales no son diferentes a las de Júpiter, en "Júpiter, Mercurio y la virtud". (Cada uno lleva una barba en forma de pala, pero lo hicieron duque Alfonso.) Se enmarcan dos discos centrales, que se dividen en segmentos más o menos iguales. Patrones dados, números romanos y números arábigos corren en sentido horario alrededor de los discos, en orden ascendente (si irregular) orden. En otra parte del libro de Fanti, otras personas distinguidas flanquean discos similares. Varios músicos de Ferrara están entre ellos, y las cabezas convencionales de los Vientos ocupan las esquinas inferiores en algunos grabados en madera. Aquí soplan en el disco inferior, para hacer circular los números, y girar la rueda de la fortuna, ya que podría convertir la música de un canon.

(continuación) LOS NÚMEROS SONORAS,
de "Le Institutioni Harmoniche", Gioseffo Zarlino, 1558.

Gioseffo Zarlino adaptado el disco segmentado (derecha), para tabular proporciones musicales que Ramos de Pareja había introducido a Occidente. Sabía otro círculo musical, de Ptolomeo 's "Armónicos" del siglo segundo dC, donde las notas se distribuyeron en todo el zodiaco. En el disco de Zarlino, los números van en contra de las agujas del reloj alrededor del borde y aumentan de manera desigual en tamaño. Números sucesivos crean relaciones de uno con el otro, para formar los intervalos musicales nombradas en cada segmento intermedio. Comenzando en la parte superior izquierda, los números 1 y 2 forman el diapasón, o de octava, con una proporción de 2: 1. La secuencia termina en la parte superior derecha, con dossemiditono, entre el 25, 30 y 36. Son terceras menores, un semitono menos de dos tonos, y tanto sus relaciones puede reducirse a 6: 5. Todos los números (y proporciones) tienen factores de números primos, hasta 5, y Zarlino introdujeron el tono menor de 10: 9, junto con el tono mayor de Pitágoras de 9: 8. El viejo semitono de 256: 243 fue sustituido por uno de 16:15, además de la menor semitono de 25:24.

En el siglo 19, Helmholtz elogió el sistema de entonación justa, y se acredita Zarlino con la re-introducción de la escala correcta y natural. "Le Institutioni Harmoniche" había presentado la nueva música, con la ayuda de diagramas. La mayoría estaban en el viejo estilo - notas colocadas en una cuadrícula, o una escala dispuestas en una línea recta con los lazos de medio punto que conectan sus notas.Este último tipo de ilustración vino de manuscritos antiguos de Boecio, y seguía siendo una práctica habitual entre los teóricos del siglo 16. Disco circular de Zarlino era más inusual, y, al igual que las ruedas del Fanti de la fortuna, que fue idealizado.Su simetría regulares desmintió el hecho de que un par de números que faltaban, la mayoría de los intervalos se repitieron, y los segmentos uniformemente espaciadas no pudieron indicar los tamaños relativos de las proporciones descritas. A la izquierda, he ajustado proporciones de Zarlino, de acuerdo a los tamaños de intervalo en centavos, y más o menos ellos ubicados a lo largo de una escala C moderna. Una versión geométricamente rigurosa del disco, aplicado a una sola, octava continua, vendría de René Descartes en 1618, que se publicará en 1650. Robert Fluddimpreso el primer disco de color, alrededor de 1630, pero también fue idealizado. Como Zarlino, Fludd divide el círculo en forma pareja, y él dio segmentos iguales a cada uno de los siete colores. Un disco de color más precisa apareció en Isaac Newton "Óptica", de 1704, donde oolours se dimensionaron proporcionalmente. Diagrama musical Descartes sirvió de prototipo, y Newton conservó distancias de acuerdo a las proporciones musicales, el etiquetado de las divisiones entre los colores por los nombres de las notas.

Afinaciones musicales adicionales surgieron por razones prácticas, y Francinus Gaffurius tendrían en cuenta, en 1496, ¿cómo organistas manipulado el intervalo de quinta justa. Para que sus instrumentos serían melodiosa en varios modos diferentes, que subir o bajar los tonos de las notas seleccionadas por pequeñas cantidades. El resultado fue un temperamento mesotónico, un procedimiento descrito por Pietro Aron, en "Thoscanello de la Música" de 1523. Aron también describió la música, por primera vez, como una progresión de armonías verticales, de los acordes más que de melodías lineales. Como actuación musical evolucionó, los teóricos desarrollaron las técnicas matemáticas para dar cabida a los cambios. El arte de la pintura había sufrido una transformación similar en 1436, cuando Alberti dio la primera cuenta de la perspectiva lineal en "De Pictura". El objetivo de la artista, escribió, era representar convincentemente el espacio en tres dimensiones, "pero ante todo quiero que él sepa geometría". Detalló el método de perspectiva, de punto y plano del cuadro de fuga, que había adquirido desde el arquitecto florentino Filippo Brunelleschi. Alberti entonces dirigido pintores a su objetivo final - para contar las historias de los dioses clásicos. Dosso Dossi era obligar, casi un siglo después, relacionando propia fábula de Alberti en "Júpiter, Mercurio y la virtud".

Coloración se consideró tercera parte de la pintura (junto con los contornos y composición), pero resistió cualquier enfoque matemático. Alberti reconoció los filósofos, que comúnmente se aislaron siete colores en una secuencia del negro al blanco, y ponderó las cualidades que los han motivado. Pero, hablando ", como un pintor", redujo los verdaderos colores a cuatro, el número de los elementos. Rojo fue para el fuego, azul del aire, verde para el agua, y la tierra era gris ceniciento. Mientras que los colores pueden describir los elementos que aparecen en la naturaleza, que eran inadecuados para los artistas. Leonardo da Vinci los modificó sustituyendo amarillo para el gris de la tierra: con razón, dudó de incluir verde ya que podría ser mezclado de azul y amarillo, aunque sospechaba azul podría ser una especie de mezcla también. En la Dossi "Júpiter, Mercurio y la Virtud", la paleta parece tener colores similares - lo mejor que puedo decir de reproducciones. Habían aparecido al menos una vez antes, coincidentemente, para simbolizar los elementos en escritos del siglo 3º por Teón de Esmirna. De lo contrario, los colores elementales variaron considerablemente, la matriz de color amarillo-rojo-verde-blanca en el atlas catalán (Ilustración 4, arriba) es sólo un ejemplo.

Mario Equicola era un erudito de renombre, que escribió el programa para las pinturas de Tiziano, Bellini y Dossi, que se alineaban en la Cámara de Alabastro, en Ferrara. En 1525, observó "los significados de los colores son algo diferentes entre los italianos, los españoles y los franceses". La confusión aumentó con "El Significado de los Colores", por el poeta Fulvio Morato, quien atribuye atributos divinos y mágicos a catorce colores diferentes. Publicado en 1535, cuando Fulvio fue exiliado temporalmente de Ferrara, el pequeño volumen fue muy popular e influyente. Pero no era una guía para la práctica de estudio: uno debe volver cien años y más, a "Manual del Artesano" de Cennino Cennini, para encontrar un útil manual para pintores. Entonces, los colores eran pigmentos de pintura, definidos por su fabricación y el método de aplicación. Al igual que Alberti, Cennini hizo una reverencia a la tradición de los siete colores, pero su era todo "natural". Cuatro de ellos fueron encontrados como minerales - negro, rojo, amarillo y verde -, mientras que los otros tres necesitaron algún procesamiento artificial - cal blanca, azules, y una amarilla. Una vez más, se nos dice el tiempo y un pigmento fue hecha por la alquimia. Si quieres la receta, vaya a preguntar a los frailes; de lo contrario, se ahorrará la molestia y comprar ya hecha desde el boticario.

Teófilo Presbítero había escrito las recetas de pigmentos de frailes, a principios del siglo 12. Sus instrucciones, en "On Divers Artes", son tan claras que podríamos seguir hoy.Por moler los cristales naturales de cinabrio, se hizo rico rojo de bermellón. Alternativamente - pero no intente esto en casa - el mercurio y azufre podrían ser calentados en una retorta sellada, para formar el cristal artificialmente. Esta fue la alquimia en su mejor momento: una sustancia natural podría ser hecha y deshecha, por el hombre en un laboratorio. Leonardo da Vinci elogió los alquimistas, "cuya función no puede ser ejercida por la propia naturaleza", y citó la fabricación de vidrio como uno de sus habilidades.Sin embargo, él despreciaba "los alquimistas, los aspirantes a creadores de oro y plata", y pensó la mayoría eran charlatanes (a pesar de las afirmaciones en contrario en el moderno pot-caldera, "El Código Da Vinci"). Alquimia tenía una dimensión espiritual también, y los textos completos del simbolismo arcano se imprimieron en el Renacimiento.Prometieron la trascendencia, la iluminación, incluso la inmortalidad, si se siguieran ciertos procedimientos. Alquimia fue presidida por Hermes Trismegisto, el dios Mercurio, y su objetivo final era la producción de la piedra filosofal, tipificado en el Rey Rojo. Corresponden misteriosamente a los personajes en el centro mismo de "Júpiter, Mercurio y la virtud".

Las misteriosas fuerzas ocultas de la alquimia parecía natural para el Renacimiento, tan real como el efecto astrológico de las estrellas. Un público erudito pudo descubrir signos alquímicos, si así lo deseaban, en la alegoría de Dossi. La figura de la derecha podría ser tomado como azufre, su espíritu ardiente contrapesada por Mercurio. Juntos, hacen comúnmente cinabrio; pero en formas exaltadas y filosóficas, Mercurio y Azufre fueron la base de toda la materia. Alquimia destapó sus trabajos secretos de la naturaleza y condujo, en última instancia, al Rey Rojo. A su menor contacto, poder sobre la vida se desarrolló, tan fácilmente como Júpiter conjuró mariposas de un lienzo. La Gran Obra de la alquimia era una llamada esotérica, practicaba en secreto por una élite. Practicantes de Dossi (si es que sean tan) son convenientemente distante, la cima de una elevación del terreno. Parecen encerrados en una burbuja de aire, bordeado a la izquierda por el arco de un arco iris. Se cae del cielo detrás de la lona de Júpiter, como si fuera la fuente de los colores vivos que él utiliza. El arco en sí está extrañamente vacía de sus colores, una aparición sobrenatural en un paisaje de otro modo natural. Se define un recinto sagrado, de acuerdo con la convención antigua. En los textos mesopotámicos, las cúpulas y las puertas de los templos y palacios se asemeja a la proa de los cielos. Romanos continuaron para albergar a los dioses bajo un arco iris (ver más abajo): métodos para pintarlo fueron estandarizados, y más tarde descrito por Teófilo en su manual de medieval de las artes. Dossi por alto la tradición, con vistas a mejor visualización de la naturaleza para centrarse en los colores de la paleta de un artista.

Ilustración 7: CONSEJO DE LOS DIOSES,
el Virgil romano, a finales del siglo quinto.