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domingo, 11 de abril de 2021

Draghi, habla con el rey de España. Traeremos a Caravaggio de regreso a Italia.

 

Sagarbi no tiene ninguna duda sobre la autenticidad de esta obra: vale millones de euros. Estuvo a punto de salir a subasta a partir de los 1.500 euros. Revisor: lo vi, lo entendí

Samuel Covoni

“Solicito abiertamente a Tragi que hable con el rey de España para intentar llevar la obra de Caravaggio a Italia”. Este es el deseo del crítico de arte Vittorio Sagarbi, que prácticamente no tiene dudas sobre la autenticidad de la obra, que iba a ser subastada por 1.500 euros. “Un amigo de Madrid me envió una foto del cuadro para ir a subasta, y cuando la vi comprendí que el cuadro ya ha sido (re) y podría valer sus doscientos millones de euros en el mercado libre. Por millón. Sería bueno traerlo de regreso a nuestro país.

Obra inventada

Coronación con espinas Por el club de José de Ribeira (siglo XVII) excluido de la subasta de Gaza Ansorena, no es nadie másAqui esta el hombre Presentado por Caravaggio. “Mucho se ha retirado porque tenemos que revisar y leer la sección más a fondo – dijo la casa de subastas – los dueños se mostraron escépticos”. El pintor visceral lleva su obra directamente al estómago, y de inmediato entiendo que es él – ahora -explica el crítico y titular de Ferrara Art- que se realizarán todas las evaluaciones e investigaciones del caso., declaró que no se podía exportar.

El signo de la vida

La subasta ha recreado el foco de una pintura. El problema de las obras de arte no es la subasta, sino los ojos del espectador; Hay que contar con las personas adecuadas para reconocer una obra maestra, y ahora que la verdad ha salido a la luz estamos jugando con nuestras cartas expuestas ”, dice el crítico.

Los 1.500 euros que arrancan ahora son sólo un recuerdo lejano, y las cifras de las que hablamos, una vez confirmada la fiabilidad del trabajo, son verdaderamente cautivadoras. Arrastrar Apelo directamente a Arrastrar. Creo que invertir una cantidad importante para comprar Caravaggio sería el mejor signo de una vida con el valor más simbólico y material. Después de todo, concluye Scorpio, esta obra fue creada por un pintor italiano para un cliente italiano. Sería bueno tenerla de vuelta aquí. –

Fuente

https://revistametronomo.com


Recrean con inteligencia artificial un cuadro escondido bajo una pintura de Pablo Picasso



 Una obra de arte que estuvo oculta bajo el cuadro de Pablo Picasso "La pobreza agazapada" durante casi 120 años fue recreada por científicos del colectivo Oxia Palus, quienes utilizaron inteligencia artificial para reconstruir la imagen con detalle y color mediante un mapa de altura tridimensional que permite volver a aplicar la pintura sobre el lienzo de forma que se capte la textura y el aspecto del estilo del artista, mediante una técnica pendiente de patente.


El proyecto es resultado del trabajo de dos estudiantes de doctorado de la Universidad de Londres, Anthony Bourached y George Cann, que hacen uso de aprendizaje automático, redes profundas y algoritmos de transferencia de tipo neuronal desarrollados por investigadores de la Universidad de Tübingen (Alemania) para analizar radiografías fantasmales de obras de arte sobrepintadas, informó la cadena de televisión alemana Deutsche Welle.

En 2018, los investigadores utilizaron un instrumento de imagen de fluorescencia de rayos X para revelar una imagen tenue del paisaje cubierto y los historiadores del arte sospechan que se trata de una pintura de un parque cercano a Barcelona realizada por Santiago Rusiñol, amigo de Picasso y líder del movimiento modernista catalán.

La recreación fue realizada por Oxia Palus, un colectivo artístico que utiliza inteligencia artificial para descubrir obras maestras perdidas y la metodología empleada para recrear homenajes exactos a una nueva clase de bellas artes ha sido bautizada como estilo NeoMaster, que utiliza el proceso "neomástico" de este grupo.

Al resucitar esta obra escondida, explicaron que se tomaron como referencia muchos cuadros que definen el estilo de la obra de Rusiñol. La profundidad, el grosor y la longitud aproximada de todas y cada una de las pinceladas se han reintegrado en una plasmación de lo que se perdió en el tiempo.


"A medida que utilicemos más IA para acelerar la identificación y reconstrucción de obras de arte perdidas de importancia crítica, tendremos un impacto muy significativo a la hora de permitir una mejor comprensión de la historia entrelazada del arte y la sociedad", explicó el cofundador de Oxia Palus, George Cann.

Hasta el momento, este colectivo ha generado imágenes en color de 20 pinturas perdidas, que antes solo se veían a través de rayos X. El siguiente paso fue utilizar la tecnología de impresión 3D para producir lienzos con textura de las pinturas perdidas con pinceladas realistas. (Télam)

Fuente

https://www.grupolaprovincia.com



sábado, 10 de abril de 2021

Cultura detiene la subasta de un cuadro en Madrid al sospechar que es de Caravaggio

La obra, atribuida en un primer momento al círculo de Ribera, iba a salir a la venta por 1.500 euros. El ministerio pide a la Comunidad de Madrid que lo declare bien de interés cultural mientras se verifica la autoría de ‘La coronación de espinas’



 
'Ecce homo' retirado de la subasta de la Casa Ansorena de Madrid.
'Ecce homo' retirado de la subasta de la Casa Ansorena de Madrid.EL PAÍS

Desde finales de marzo un rumor se difundía en el mundo del arte barroco en Italia. Algunos expertos aseguraban que había aparecido en España un cuadro de Caravaggio cuya pista se había perdido hacía cuatro siglos. La pintura de la que hablaban es un Ecce homo que la Casa Ansorena de Madrid tenía previsto subastar la tarde del jueves con el título La coronación de espinas, atribuido al círculo de José Ribera, datado en el siglo XVII. El precio de salida del cuadro iba a ser de 1.500 euros. Pero antes de que la venta se produjera, el Ministerio de Cultura declaró la obra “inexportable”, es decir, ya no podía salir de España. El rumor que se había iniciado en Italia había llegado a los expertos del Museo del Prado, que avisaron a Cultura de que existían dudas sobre la autoría del cuadro. Entonces la puja se paralizó.


Una de las expertas que trae la pista a España es Maria Cristina Terzaghi, una de las grandes estudiosas del maestro del siglo XVII. La profesora de Historia del Arte Moderno de la Universidad Roma Tre aterrizó hace unos días en Madrid alertada por un amigo comprador de arte (del que no quiere desvelar su identidad) que le informó de la subasta. Terzaghi, cuenta por teléfono, no dudó en comprar un billete de avión: tenía que ver una pieza que forma parte de su nueva investigación sobre el periodo que Caravaggio pasó en Nápoles.

 Terzaghi pudo verlo y tocarlo: “Es un caravaggio, no tengo dudas”. Lo cogió y comprobó que, por lo menos, “ha sido restaurado en una ocasión”, explica. Coincide con otros expertos consultados por EL PAÍS en que el cuadro está muy sucio. Pero, al contrario que estos especialistas, como José Riello, profesor del Departamento de Historia y Teoría del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid, que duda de que se trate de una pintura de Caravaggio, Terzaghi se muestra convencida. Riello, en cambio, considera que “más bien parece una pintura buena de un caravaggista del entorno, aunque está en mal estado de conservación, muy sucia”.


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“He hecho una doble comprobación”, afirma la experta italiana. Ha cotejado las medidas del cuadro con dos inventarios en los que se menciona una pieza de características similares: el que hizo en 1631 Juan de Lezcano, embajador de España ante la Santa Sede; y el del virrey de España, conde de Castrillo, que según otro documento poseía el cuadro Salomé con la cabeza del Bautista (se expone en el Palacio Real) y un Ecce Homo, ambos viajaron a España con su propietario en 1659. “El manto púrpura con el que se viste Cristo tiene el mismo valor compositivo que el rojo de la Salomé del Palacio Real de Madrid”, ha declarado la especialista al periódico italiano La Repubblica que considera que el lienzo lleva casi cuatro siglos en España.

El viaje a Madrid de Terzaghi hizo que el rumor sobre ese supuesto Caravaggio terminara de despertar el interés de los expertos españoles, en concreto de un amigo suyo, un especialista en arte italiano del Prado. Fue entonces cuando la pinacoteca madrileña revisó el catálogo de Ansorena y decidió avisar al Ministerio de Cultura. En ese momento se activó el procedimiento por el que la Junta de Calificación de Bienes de Patrimonio Histórico convocó una reunión de urgencia el miércoles y declaró el cuadro “inexportable”, una medida cautelar. El propio director del Prado, Miguel Falomir, intentó ver el cuadro, pero fue demasiado tarde, la casa de subastas ya lo había retirado de sus salas.

“La decisión es muy adecuada porque el cuadro es valioso”, ha dicho Uribes. “Hemos actuado con gran rapidez”. El ministro ha anunciado que ha solicitado a la Comunidad de Madrid que lo declare bien de interés cultural (BIC), de esta manera, el propietario (del que por el momento se desconoce su identidad) tendrá que cumplir con una serie de obligaciones como la conservación del cuadro en condiciones adecuadas; permitir el examen del mismo ya sea por parte de una institución del Estado o una privada; cederlo para exposiciones; además de comunicar a la Administración (estatal o autonómica) la intención de venderlo o trasladarlo. En caso de que los dueños quisieran vender la obra, “la administración tendría derecho de tanteo en el plazo de dos meses”, explican fuentes del Ministerio de Cultura. “Con esta doble garantía nos aseguramos de que el cuadro se quede en España y que puedan hacerse las cosas bien”, ha dicho Uribes. “Ojalá sea un caravaggio”.

El ministro de Cultura y Deporte, José Manuel Rodríguez Uribes, en una foto de archivo. En vídeo, sus declaraciones sobre la subasta que ha sido frenada en Madrid este jueves.(EFE)

El ministro ha recordado que en los años setenta un caravaggio “acabó en Cleveland”, en Estados Unidos, después de estar perdido durante tres siglos y que fue expuesto en Sevilla. En 2016, en Francia se vivió un episodio similar cuando apareció un lienzo atribuido al pintor en un desván en las afueras de Toulouse. En los noventa, un grupo de jesuitas descubrió que llevaban años comiendo delante de un caravaggio en su centro de Dublín. Otras obras del artista siguen en paradero desconocido, Caravaggio pintó en uno de los momentos más peligrosos de la historia de Europa. Tres de sus piezas se destruyeron durante la batalla de Berlín al final de la Segunda Guerra Mundial, otra desapareció en Palermo en los sesenta, un robo que se atribuye a la mafia. También se tragó el destino las obras con las que viajaba el propio pintor cuando trataba de volver a Roma desde Nápoles y que pretendía utilizar para sobornar a un poderoso cardenal para que le perdonase por cometer el asesinato que le obligó a huir.

Un largo proceso de verificación

La Junta de Calificación del ministerio se reúne una vez al mes para analizar los catálogos de las casas de subastas. En esta ocasión, no pudieron estudiar el documento de Ansorena ya que se publicó después de este encuentro mensual. En el encuentro convocado de urgencia, los expertos de la junta analizaron el lote y contaron, además, con los informes de los expertos en pintura italiana de la pinacoteca madrileña. En ese análisis preliminar, ya que el personal del Prado no han tenido acceso a la obra, se planteaban las características de la pieza y las dudas que distintos especialistas tenían sobre la autoría del cuadro. En ningún momento, han explicado fuentes del Prado a EL PAÍS, el museo se ha pronunciado acerca de la posibilidad de que se trate de una obra de Caravaggio.

Tanto el Ministerio de Cultura como el Museo del Prado han asegurado a este diario que “debe iniciarse un largo proceso de verificación” antes de poder tener un veredicto. En una primera fase de la comprobación se analizarán cuestiones físicas del cuadro como el lienzo, los pigmentos, la época... “A veces este primer estudio es concluyente de manera absoluta, pero muchas otras veces no”, advierten fuentes del ministerio. Entonces comenzará la segunda parte, el debate entre los especialistas. Un procedimiento que puede durar años.

Fuente

https://elpais.com


Isaac Hayes performs "Shaft" at the 2002 Rock & Roll Hall of Fame Induction Ceremony

 

 

 

Isaac Hayes performs "Shaft" at the 2002 Rock & Roll Hall of Fame Induction Ceremony. 

 Looking for more Induction Ceremony memories from Isaac Hayes? Visit his official Hall of Fame online bio: http://rockhall.com/inductees/isaac-h... Dive into the full 2002 Induction Ceremony video collection at rockhall.com/inductees/classes/2002 and watch all videos, read from the official Hall of Fame program bios and view image galleries from the big night and archival materials.

 Fuente

https://www.youtube.com 

Savage Mountain

 

Savage Mountain from Steve Warne on Vimeo.

Fuente 

https://vimeo.com 

George Wesley Bellows

                        George bellows.jpg

 

 George Wesley Bellows (12 de agosto1​ o 19 de agosto234​ de 1882 - 8 de enero de 1925) fue un pintor y litógrafo estadounidense, integrado en la Escuela de Ashcan. Famoso por sus escenas en el ring y de la vida urbana en Nueva York, fue además cronista de la primera guerra mundial, paisajista y uno de los mejores retratistas de su generación.5​ 

 

 

Primeros años

Bellows nació en Columbus, Ohio. Asistió a la Universidad del Estado de Ohio desde 1901 hasta 1904, donde, además de practicar béisbol y baloncesto, colaboró con ilustraciones para Makio, el anuario de los estudiantes. Fue alentado para convertirse en un beisbolista profesional,6​ y trabajó como ilustrador comercial mientras estudiaba. Continuó aceptando trabajos temporales en medios gráficos durante toda su vida. A pesar de estas oportunidades en el deporte y en el arte comercial, Bellows quería tener éxito como pintor. Dejó la universidad en 1904, poco antes de graduarse, y se mudó a Nueva York para estudiar arte.7​ 

 

 

 

Bellows estudió con Robert Henri en la "New York School of Art", asociándose a su círculo, The Eigh (base de la Escuela Ashcan), artistas que creaban pinturas retratando a la sociedad americana en todas sus formas.7​ En 1906, Bellows pudo alquilar su propio estudio. 

 

 

 

Nueva York

Bellows comenzó a adquirir fama en 1908, cuando él y otros estudiantes de Henri organizaron una exhibición de trabajos basados en el ambiente urbano. Mientras muchos críticos opinaban que las pinturas estaban crudamente pintadas, otros las consideraron audaces y dijeron que estaban un paso más allá que el trabajo de su maestro. Bellows fue maestro en la escuela de arte "Art Students League of New York" en 1909, aunque seguía más interesado en seguir una carrera como pintor. Su fama creció a medida que contribuyó en otros lugares conocidos a nivel nacional.

 
New York (1911).

Las escenas urbanas de Nueva York de Bellows describían la crudeza y el caos de la gente de clase obrera y los vecindarios, y también satirizaban a las clases altas. Desde 1907 y durante 1915, creó una serie de pinturas mostrando a la ciudad de Nueva York bajo la nieve. Esas pinturas fueron la mayor prueba de la habilidad de Bellows de combinar un gran sentido de luminosidad y textura visual.8​ Las pinturas mostraban un desolado contraste entre las extensiones azules y blancas de la nieve y las ásperas y sucias superficies de las estructuras propias de una ciudad, y creaban una imagen antiestética e irónica de los hombres igualmente ásperos y sucios tratando de limpiar las impurezas de la nieve blanca. Sin embargo, la serie de pinturas de Bellows retratando peleas de boxeo amateurs fueron posiblemente su gran contribución a la historia del arte.7​ Esas pinturas están caracterizadas en ambientes oscuros, en donde las brillantes pinceladas que representan a las figuras humanas vívidamente dan un fuerte sentido de moción y dirección. 

 

 

Activismo social y político

El prestigio creciente como pintor trajo cambios importantes a su vida y a su trabajo. Aunque continuó con la temática inicial, Bellows también comenzó a recibir encargos de retratos, además de invitaciones a eventos sociales, de la élite de Nueva York. Además, siguió el consejo de su maestro y comenzó a pasar sus veranos en Maine, en donde pasó su tiempo pintando furiosas marinas y otros paisajes en Monhegan y las islas Matinicus. 

 

 

 Dempsey contra Firpo (1924)

Al mismo tiempo Bellows, siempre consciente social, se asoció con un grupo de artistas y activistas radicales llamado "the Lyrical Left", el cual tenía una ideología anarquista en su extremo apoyo a las libertades individuales. También fue maestro en la Modern School en la ciudad de Nueva York (al igual que su mentor, Henri), y trabajó como editor en el periódico socialista The Masses, al cual contribuyó con dibujos y pinturas en 1911. Sin embargo, a menudo peleaba con los otros empleados por su creencia de que la libertad artística debería vencer a toda política ideológica que podría tener el periódico. Bellows también disentió notablemente con su círculo, apoyando públicamente la intervención de Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial. En 1918, creó una serie de litografías y pinturas que describían gráficamente las atrocidades cometidas por Alemania durante su invasión a Bélgica. La más notable de ellas fue The Germans Arrive, la cual estaba basada en un relato verdadero, y la cual ilustraba crudamente a un soldado alemán conteniendo a un joven belga cuyas manos habían sido cortadas. Por esta razón, su trabajo fue altamente criticado por los censores y fue perseguido por los idealistas que estaban en contra de la guerra, apoyados por el gobierno nacional. 

 

 

 

Últimos años

Posteriormente, las pinturas de Bellows se enfocaron hacia la vida cotidiana, con su esposa, Emma, y sus dos hijas, Anne y Jean, como centros de las obras. Las pinturas también mostraban una aproximación más programada en color y diseño, menos improvisada, un gran cambio con respecto a su trabajo previo. 

 

 Fantasía de verano (1924)

Además de la pintura, Bellows hizo contribuciones significativas a la litografía, ayudando a expandir el uso del medio como un arte fino en Estados Unidos. Finalmente instaló un taller dedicado a la litografía en su estudio en 1916, y entre 1921 y 1924 colaboró con el pintor Bolton Brown en más de cien imágenes. Bellows también ilustró numerosos libros sobre el final de su carrera, incluyendo varios de H. G. Wells

 

 

Bellows fue profesor en el Art Institute of Chicago en 1919. En 1920, comenzó a pasar casi seis meses por año en he Woodstock, Nueva York, en donde construyó una casa para su familia.9​ Bellows murió el 8 de enero de 1925 en la ciudad de Nueva York, enfermo de peritonitis, luego de haber tenido una operación de apéndice sin éxito. 

 

 

Las pinturas y los trabajos de George Bellows están incluisas en las colecciones de los museos americanos más importantes, incluyendo la National Gallery of Art en Washington, DC, la Memorial Art Gallery de la Universidad de Rochester, en Rochester, Nueva York, y los museos Whitney y el Museum of Modern Art en Nueva York. El Museo de Arte de Columbus, ubicado en el pueblo natal de Bellows, también posee una gran colección de sus retratos y de las escenas de las calles de NuevaYork.

 

 

 

 

 

 

 

Fuente

https://es.wikipedia.org 

 

Claes Oldenburg

Museum Ludwig - Pressekonferenz - Claes Oldenburg-3979.jpg

 

 Claes Oldenburg (Estocolmo, Suecia; 28 de enero de 1929) es un escultor, pionero del Pop Art. Es conocido sobre todo por sus instalaciones de arte público que representan réplicas a gran escala de objetos cotidianos. Otro tema en su obra son las versiones en escultura blanda de objetos normalmente duros. 

 Claes Oldenburg | No disparen al artista

 

Oldenburg nació en Estocolmo (Suecia), hijo de un diplomático sueco. Siendo niño se trasladó con su familia a los Estados Unidos en 1939, primero a Nueva York y después a Chicago donde se graduó en la Latin School de Chicago. Estudió en la Universidad de Yale desde 1946 hasta 1950, después regresó a Chicago donde estudió bajo la dirección de Paul Wieghardt en el Art Institute of Chicago hasta 1954.1

Mientras desarrollaba su arte, trabajó como periodista en prácticas para el City News Bureau de Chicago. Abrió su propio taller y, en 1953, se naturalizó ciudadano estadounidense. Regresó a Nueva York en 1956. Allí conoció a toda una serie de artistas, incluyendo Jim Dine, Red Grooms, y Allan Kaprow, cuyos Happenings incorporaban aspectos teatrales y proporcionaban una alternativa al expresionismo abstracto que había llegado a dominar la escena artística. 

 

 Giant sculpture by Claes Oldenburg & Coosje van Bruggen, Cologne | Claes  oldenburg, Oldenburg, Food sculpture

 

Oldenburg vive la consolidación de la sociedad de consumo de finales de los años 50 en EE. UU. y ve cómo a la gente le gusta cada vez más llamar la atención, por eso la época se caracteriza por la opulencia. El mundo estaba empezando a evolucionar muy rápidamente, gracias, en parte, a los medios de comunicación, que hicieron cambiar las bases de las relaciones humanas. Oldenburg y otros artistas, a partir de este pretexto, decidieron usar las innumerables posibilidades de difusión para transmitir mensajes a través de sus obras, ya que si su arte está relacionado con la situación social, resulta más fácil mostrar y entender sus composiciones al público.

En 1961 inauguró su primera tienda, llamada El taller, donde vendía figuras de escayola pintada, normalmente de medidas considerables o de forma natural. Solían ser productos gastronómicos: frutas y utensilios de cocina o domésticos. Al principio solo empleaba materiales blandos y baratos. 

 

 Cerillas - Claes Oldenburg - Historia Arte (HA!)

 

Después de haber pasado los primeros años de su carrera artística en el Coger East Side, se instaló en Broome Street (Nueva York). Sus obras reúnen todas las características del Pop Art, ya que generalmente, sus creaciones son elaboradas con objetos sencillos y fáciles de conseguir. Pretende que sus obras comuniquen al artista con el público.

En 1977, el artista se casó con la también artista Coosje Van Bruggen. Desde entonces, firman las obras juntos, y Coosje asesora y aconseja al artista en sus creaciones. En 1978, fijaron su residencia en Broome Street, donde crearon su propia empresa, después de haber restaurado y arreglado dos edificios de esa calle. Allí, reunieron las obras creadas hasta el momento del artista; las restauraron y las expusieron en diversos sitios de la ciudad. Aun así, Oldenburg sigue manteniendo sus principios artísticos; sigue usando materiales sencillos, creando sus obras de forma industrial, que tienen que ver con bienes cotidianos, etc. Su esposa rebautizó algunas obras de los 60 y 70 de Oldenburg. 

 

 Biografía de Claes Oldenburg | La Cámara del Arte

En Estados Unidos este arte nació como reacción artística frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío y elitista, además trajo consigo el regreso de la ironía y la parodia para compensar el simbolismo personal que se encontraba en el expresionismo abstracto; a mediados de los años 50 nace en el Reino Unido, en este caso el origen de este arte fue la imaginación paradójica de la cultura popular americana. Sin embargo, el Pop Art también es conocido como la continuación de algunos aspectos del expresionismo abstracto como la creencia en las posibilidades de hacer arte en obras de grandes proporciones. Pablo Picasso y Marcel Duchamp son algunos de los artistas considerados como los precursores del movimiento pop. 

 

 El arte gigante de Claes Oldenburg en Alemania | Todos los contenidos | DW  | 30.01.2019

 

Las fuentes del pop se inspiran con la realidad cotidiana del momento, de la cultura de masas que nace de la industria de la reproducción. Estos artistas intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y elevarlas a la categoría de arte.

La producción de masas y el consumismo, proporcionaron los iconos que se utilizarán en la obra de los llamados “artistas pop”. Las pautas de un estilo mecanizado y de series reproducidas por el espectador contemporáneo las marca la experiencia cotidiana. Este es un arte de fuerte carga visual, una producción artística que enlaza directamente con el mundo de la publicidad. El tamaño de las obras es cada vez más espectacular, los motivos pasan a un primer plano o también se multiplican a lo largo de toda la superficie; la expresividad queda relegada a un segundo término, manteniendo firme un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad. 

 claes oldenburg (16) | No disparen al artista

 

La temática estaba reducida principalmente a los artículos de consumo comercial tales como: latas de sopa (Warhol), flores, revólveres, etc. El artista dibuja en sus obras, de temática banal y descuidada ejecución, un universo cercano al ciudadano de a pie.

Se podía repetir y reproducir hasta el infinito cualquier cosa, artículos y retratos de personajes de la alta sociedad. La reproducción de la obra de arte es una de las bases de este estilo. El retrato, como sucedió en épocas anteriores, toma una gran fuerza. Todas las personas relevantes deseaban poder tener su propia visión pop. Tuvieron la oportunidad de ponerse delante de Andy Warhol: Marilyn Monroe, Jacqueline Kennedy, Grace Kelly... para que dejasen constancia de su paso por la modernidad. 

 

 Claes Oldenburg: Oversized Art, Oversized Presence | ArtThatFits Blog | Claes  oldenburg, Claes oldenburg sculptures, Oldenburg

La mayoría de las obras son de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop hace énfasis sobre todo en las actitudes que conducen a él. Por otro lado, el arte pop y las historietas o cómics están relacionados. Son multitud de autores los que basan sus obras de Pop Art en historietas. Algunos de ellos son Roy Lichtenstein con “Good Morning, Darling”. A lo largo de los años también ocurriría lo contrario, el Pop Art influenciará a numerosos escritores de historietas. 

 

 Claes Oldenburg y el Pop Art

Respecto a España, este arte estaba principalmente relacionado con el llamado “nuevo figurativismo”. El Equipo Crónica, formado por Rafael Solbes y Manolo Valdés, entre otros, trabajó y llevó muy de cerca este planteamiento. Por último, Japón es el lugar donde este arte es único, muchos de los artistas Pop utilizaron el anime como inspiración, además de otro estilo artístico japonés. Takashi Murakami es el artista más conocido y sus obras están dedicadas para el público juvenil. Las obra más conocida del Pop Art es: “Latas de sopa Campbell” de Andy Warhol. 

 

 Claes Oldenburg en el Museo Guggenheim Bilbao

En 1962 tuvo un gran cambio a la hora de reconstruir sus objetos y empezó a realizar obras con formas no estables rellenas de estopa y a su vez hacía sus obras gigantes. Estas obras modificaban la forma que nosotros tenemos entendida.

En 1974 creó The Home en la que comenzó una versión de objetos ordinarios que fueron configurados colosalmente. En 1976 construyó una escultura de 45 pies de alto en el centro de Philadelphia.

Algunas de sus obras más importantes son:

  • El ratón geométrico, creado a 5 escalas. Este ratón geométrico fue utilizado por primera vez como una máscara en una interpretación y, a continuación, se propone como una fachada para el Museo de arte contemporáneo de Chicago. En la impresión de Oldenburg Notas de 1968 el ratón aparece como una escultura de colina, como un parque de la ciudad (los ojos sirviendo como piscinas) y como una escultura flotante. Si el ratón se coloca encima de Hollywood, podría sufrir la misma suerte, en el tiempo, como las famosas letras gigantes y caer sobre su cara.

 Archivo de nuevos artistas: CLAES OLDENBURG

Etapa junto a Coosje van Bruggen

A partir de 1976, Claes Oldenburg colabora con Coosje Van Brunggen en proyectos de gran escala aplicados a ingeniería urbana y que constituyen un verdadero alarde de ingenio e ironía. Oldenburg y Coosje van Bruggen trabajaron por primera vez juntos en la reconstrucción y la reubicación del alto de pie 41 Trowel (1971-76; originalmente situado en Sonsbeek Park de Arnhem, Países Bajos) localizado actualmente en el Museo Kröller-Müller en Otterlo (Gelderland, Países Bajos). Oldenburg y van Bruggen se casaron en 1977 y han continuado su colaboración artística durante más de 25 años. Ambos ciudadanos estadounidenses, el trabajo de Oldenburg y de van Bruggen refleja una sensibilidad creativa que está influenciada por sus países de origen, por sus historias educativas y profesionales, y por sus personalidades. 

 Claes Oldenburg - Mistos (1992, Barcelona)

 

En mayo de 2002, Oldenburg y van Bruggen instalan cuatro esculturas a gran escala en el jardín del ático del Metropolitan Museum of Art, titulado Claes Oldenburg and Coosje van Bruggen on the Roof (Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen en el Tejado). Más tarde, ese mismo verano, después de anunciar que habían adquirido "la más grande colección de dibujos de Oldenburg en el mundo", el Museo Whitney de arte estadounidense presentó dos colecciones consecutivas de obras de los artistas. Claes Oldenburg Drawings (1959-1977) fue la exposición más grande desde 1977 dedicada a las primeras obras de Oldenburg , con la exposición de Coosje van Bruggen Drawings (1992-1998) presentando varias obras de colaboración a gran escala. 

 

 Claes Oldenburg | Claes oldenburg, Claes oldenburg sculptures, Pop art

El equipo artístico tiene ejecutado más de 40 esculturas permanentemente situados en escala arquitectónica a lo largo de los Estados Unidos, Europa y Japón, incluyendo Spoonbridge y Cherry- Cuchara y cereza (1988), Minneapolis Mixtos (Matchcover- Cerillas) (1992), Barcelona; Volantes (1994), Kansas City; Saw- Serrucho (1996), Tokio; Needle, Thread and Knot (Aguja, hilo y Nudo) (2000), Milán; y más recientemente, el cono de 40 metros de altura (2001) encima de la Galería de Neumarkt en Colonia, Alemania. Su colaboración también ha abarcado pequeño parques y esculturas de jardín además de instalaciones interiores. 

 

 TRACES:Claes Oldenburg

 

El trabajo de Oldenburg y de van Bruggen puede encontrarse en numerosas colecciones públicas, incluyendo: el Instituto de Arte de Chicago (Chicago, USA), la Fundación Chinati (Marfa, Texas, USA), el Museo de Arte de Dallas (Texas, USA), el Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas (Washington, USA), el Museo de Israel (Jerusalén, Israel), Instituto Valenciano de Arte Moderno (Valencia, España), el Museo de Arte de Basilea (Suiza), el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (California, USA), el Museo Moderno (Estocolmo, Suecia), el Centro Pompidou (París, Francia), el MoMA (Nueva York, USA), la Galería Nacional de Arte (Washington, USA), el Museo de Arte Moderno de San Francisco (California, USA), el Museo Solomon R. Guggenheim (Nueva York, USA), el Museo Urbano (Ámsterdam, Holanda) la Galería Tate (Londres, R.Unido), el Walker Art Center (Minneapolis, USA) y el Museo Whitney de Arte Estadounidense (Nueva York, USA).

Oldenburg y van Bruggen actualmente viven y trabajan en el centro de Manhattan, en California y en una finca con siglos de antigüedad en el Valle de Loire, Francia, cuyo entorno natural y cultural han favorecido la inspiración de los artistas. 

 

 Claes Oldenburg Fotos e Imágenes de stock - Alamy

 

Obras

En la primera fase del artista se inclinó por la utilización de materiales blandos y baratos con los que hacía una imitación de objetos cotidianos. Con la utilización de este tipo de material negaba una de las premisas de la escultura convencional, que tiende al empleo de materiales duros. También con la utilización de estos materiales se va modificando su forma inicial tan solo con que el espectador ejerza una pequeña presión, este hecho deja claro que el autor quiere que el espectador toque su obra para que le de diferentes formas. Pronto comenzó a utilizar escayola para sus obras.

Lo primero que te impresiona de la escultura de este artista en concreto son las dimensiones de las esculturas que ha realizado, además de lo grandes que pueden llega a ser, muchas de ellas tienen capacidades interactivas. Una de sus primeras esculturas interactivas fue una escultura blanda de una barra de labios, llamada Lipstick (Ascending) on Catepillar Tracks que terminaba por desinflarse a no ser que alguna persona le metiera aire. Esta escultura se rediseñó con una forma de aluminio más sólida, colocándola de forma vertical encima de las ruedas de un tanque. Lipstick se encuentra actualmente en el patio del Morse College, en la Universidad de Yale, en Connecticut. Esta escultura fue encargada por Stuart Wrede y estudiantes de la Escuela de Arquitectura de Yale. 

 El arte gigante de Claes Oldenburg en Alemania | Todos los contenidos | DW  | 30.01.2019

 

Entre los años 1960-1965 realizó algunos happenings, uno de los más destacados que llevó a cabo fue Autobodys (Los Ángeles, 1964), que incluyó automóviles, multitud de gente y cubos de hielo, en el cual los asistentes quedaban implicados y se hacían partícipes. También en el año 1961 abrió una tienda en Nueva York dedicada a vender reproducciones de hamburguesas, pasteles, etc. Otra obra de grandes dimensiones fue Pinza para la ropa, que fue encargada en mayo de 1974 por Jack Wolgin, esta figura se encuentra en Filadelfia y tiene casi 14 metros de altura. Este con otro ejemplo como puede ser Balancín-Herramienta (1984), una herramienta de jardinero de más de 5 metros de altura, la cual está pintada con colores vivos y alegres. Con estos ejemplos entre otros se ve el gusto del autor por crear réplicas de objetos cotidianos que utilizamos en nuestra vida cotidiana. Otros obras de este autor son Máquina de escribir blanda, Ratón geométrico, Cuchara-puente y cereza, entre otras. 

 

 Vitra | Balancing Tools

Además de proyectos independientes, en ocasión contribuye a proyectos arquitectónicos, en particular para la sede principal de la agencia de publicidad Chiat/Day en el distrito de Venice, en Los Ángeles, California. La entrada principal está formada por un par de binoculares gigantes.

En 1989 recibió el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén y en 1995 obtuvo el Premio Schock, otorgado por un comité de la Real Academia Sueca de Artes Visuales. 

 

 Claes Oldenburg - EcuRed

 Fuente

https://es.wikipedia.org 

 

Philip Jones






Unos cuadros atípicos, extraños y misteriosos que retratan un mundo colorista y salvaje en el que personajes teatrales y camaleónicos posan en un enigmático universo de estampados, geometría y pintura fluida, y en los que no es difícil rastrear influencias diversas, de James Ensor, a Willem de Kooning, de Bonnard a Josef von Stemberg, de Tal R a Picasso, de Vuillard a Cecil Beaton, de Hockney a Noël Coward, Richard Lindner a Tallulah Bankhead…





Unos cuadros atípicos, extraños y misteriosos que retratan un mundo colorista y salvaje en el que personajes teatrales y camaleónicos posan en un enigmático universo de estampados, geometría y pintura fluida, y en los que no es difícil rastrear influencias diversas, de James Ensor, a Willem de Kooning, de Bonnard a Josef von Stemberg, de Tal R a Picasso, de Vuillard a Cecil Beaton, de Hockney a Noël Coward, Richard Lindner a Tallulah Bankhead…





El artista se vale de diferentes modos de utilizar la pintura para sugerir distintos tipos de luz, o de superficies, pero también de emociones o de estados de ánimo; para plasmar pequeños dramas de la condición humana repletos de ambigüedad. Usa la pintura como material emotivo, descriptivo de estados mentales, de percepciones emocionales. Puebla sus cuadros de formas escultóricas, de ilusiones ópticas que se disuelven en color líquido, en luces y sombras, para recrear un artificioso mundo decorativo, mutante, como un muestrario de estampados, de colores y formas; plagado de señales, de marcas, de manchas… Utiliza símbolos imaginados, fantasías metafóricas para recrear momentos dramatizados de evocaciones poéticas. Se inventa un mundo artificial en el que conviven la elegancia y la ordinariez, el refinamiento y la brutalidad.




PHILIP JONES (Manchester, U.K., 1971) realiza sus studios artísticos en Central Saint Martins College y en The Royal College of Art de Londres. De 1994 a 1996 obtuvo la Beca TI Group en Pintura de The Royal College of Art y en 1997 la Beca Roma de Pintura de The British School at Rome. Ha expuesto individualmente en las galerías Fred de Leipzig y Londres y en Goff & Rosenthal, New York, entre otras; y ha participado también en exposiciones colectivas en centros institucionales como New Contemporaries en la Tate Gallery de Liverpool y en Camden Arts Centre de Londres y en galerías de arte como, por ejemplo, The Most Splendid Apocalypse en la galería PPOW de New York y Shattered Love en Keith Talent Gallery de Londres.








Fuente

https://www.espaciominimo.es


Philip Guston



               



Philip Guston (Montreal, 27 de julio de 1913 - Nueva York 7 de junio de 1980 en Nueva York) fue un célebre pintor de la Escuela de Nueva York en la que se encuentran numerosos pintores del expresionismo abstracto como Jackson Pollock y Willem de Kooning. En los años 1960, Guston llevó a cabo la transición del modernismo hacia el postmodernismo en pintura, abandonando lo que se llamó la «abstracción pura» del expresionismo abstracto en favor de un estilo más cercano al tebeo para rendir diversos símbolos y objetos personales de la vida cotidiana de esta forma volver a representar al hombre común en la escena artística de esos años.






























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