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sábado, 25 de enero de 2020

Patricia Urquiola: «Sin juzgar, hay aún mucho por hacer en el mundo del diseño en España»

Patricia Urquiola, durante una visita a Madrid
Patricia Urquiola, durante una visita a Madrid - IGNACIO GIL

El Madrid Design Festival 2020 dedica a la diseñadora española la próxima semana una gran exposición, con 150 piezas, muchas ya icónicas


Es una estrella en el mundo del diseño. Y es española, aunque lleva muchos años viviendo en Italia. Ha sido reconocida como diseñadora de la década y sus trabajos se hallan en las colecciones del MoMA, Vitra, Victoria &Albert o Stedelijk, entre otros grandes museos. A Patricia Urquiola (Oviedo, 1961), directora creativa de Cassina desde 2015, se la rifan las compañías más prestigiosas del mundo. Llevan su firma hoteles, restaurantes, oficinas, tiendas, barcos, alguna escenografía de ópera, exposiciones... y un sinfín de piezas de mobiliario y objetos de decoración, muchos de ellos convertidos ya en iconos del diseño contemporáneo. En 2001 fundó su propio estudio en Milán, en cuya universidad se graduó bajo la supervisión de todo un mito: Achille Castiglioni.
La próxima semana se inaugura su primera gran exposición en Madrid, ciudad que conoce bien, pues allí comenzó su formación antes de marcharse a Italia. «Nature Morte Vivante» (Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa, del 30 de enero al 1 de marzo) reúne 150 piezas de 36 empresas en un espacio de 600 metros cuadrados. Comisariada por Ana Domínguez Siemens, la muestra, que forma parte del Madrid Design Festival, se articula en torno a cinco bodegones, inspirados en lienzos como «Nature Morte Vivante», de Dalí, y «Naturaleza muerta resucitando», de Remedios Varo.
Charlamos con Patricia Urquiola, vía telefónica. Habla a la misma velocidad que funciona su cabeza, muy bien amueblada, por cierto, como los espacios a los que da vida. Durante la conversación mezcla el español con el italiano y se cuela el inglés. «Estoy muy contenta de estar en Madrid y poder colaborar con este festival de diseño, que celebra su tercera edición. Madrid es una ciudad en la que viví y en la que me encuentro muy cómoda», comenta Urquiola.
Eneko Bilbao en el Palacio Eskalduna
Eneko Bilbao en el Palacio Eskalduna - ESTUDIO PATRICIA URQUIOLA
Es posible advertir la huella del arte en su trabajo. ¿Cuánto beben sus creaciones del surrealismo?
Para esta exposición pensé cómo echar atrás la mirada para contar 19 años de trabajo en estudio, sin olvidar el presente ni el futuro. No es una muestra cronológica, ni excesivamente compleja. Quería crear una historia con raíces interconectadas entre sí, una serie de bodegones donde los objetos son huellas que quedan de tu camino. El bodegón es una palabra que me gusta mucho porque es muy española. Me parece un instrumento escénico interesante. El Seicento es un siglo en crisis, muy complejo, donde ya no está presente el humanismo del Renacimiento. Me divierte la idea de metamorfosis de las naturalezas muertas vivas o resucitadas de Dalí y Remedios Varo.
En 2017 el Museo de Filadelfia le dedicó una exposición: «Patricia Urquiola, entre la artesanía y la industria». ¿Su producción es más industrial o artesanal? Frente al producto «made in China», masificado, sin calidad, hoy se reivindica el producto artesanal.
El mundo del diseño no se puede limitar al concepto de diseño industrial. Es una definición superada. Me interesa la relación con la memoria y el pasado a través de los objetos y las personas que son una inspiración para mí; los viajes empáticos, las experiencias que nos ayudan a vivir de la mejor manera posible, los problemas de género e identidad... Todo ello se abordará en la exposición.
Y las contaminaciones en su carrera.
Tengo una actitud muy abierta a la contaminación, es fundamental para la evolución. Mi curiosidad me ha ayudado mucho, al igual que mis afinidades con otros artistas. Son experimentos que no solo van en una dirección.

Decoración del hotel Il Sereno en el Lago di Como (Italia)
Decoración del hotel Il Sereno en el Lago di Como (Italia) - ESTUDIO PATRICIA URQUIOLA
Entre esas contaminaciones, la de Achille Castiglioni, que fue su profesor. ¿Cuál es la principal lección que aprendió de él?
Para mí, Castiglioni va asociado a curiosidad y capacidad analítica: mantener cierta libertad en las respuestas que son esenciales. Ese era su modo de leer el mundo. Cuando uno aprende algo de personas importantes, tiene que asumirlo y después interpretarlo por sí mismo. Tu capacidad de respuesta al mundo no es la misma. Vico Magistretti también fue muy importante en mi formación. Este año se celebra el centenario de su nacimiento.
¿En qué medida se han «colado» la sostenibilidad, los materiales reciclados en su obra?
Es la base de nuestro modo de vivir, no solo del diseño. En los últimos años se está creando una conciencia real. En mi trabajo hay una gran conexión entre el modelo de producción y de consumo. Reflexionamos sobre ello, sobre materiales... Cómo poder cambiar las cosas que no funcionan. He tenido la suerte de trabajar con compañías para las que sostenibilidad, durabilidad y respeto en el modo de producción son muy importantes.
Alfombra y puf Nuances para GAN
Alfombra y puf Nuances para GAN - ESTUDIO PATRICIA URQUIOLA
Vive en Milán, capital del diseño. ¿Cómo ve el nivel del diseño hoy en España?
No vivo en España, llevo más de treinta años en Italia. Pero tengo doble alma: italiana y española. Idealizo un poco a España. Intento no ver los problemas. Mi relación con las 4 ó 5 compañías españolas con las que trabajo es muy honesta. Mantenemos sesiones emocionales. Tengo sólo una visión parcial de lo que ocurre con el diseño en España. Solo puedo desear que eventos como este festival o ARCO, en el arte, tengan un gran éxito.
El diseño ha entrado en museos de todo el mundo, pero no tanto en los españoles. ¿Es una asignatura pendiente?¿Se concibe aún como un arte de segunda categoría?
Bueno, sin juzgar, creo que hay mucho por hacer todavía. Pero ejemplos como la Fundación Norman Foster en Madrid son muy positivos. Como diseñadores, nuestro principal campo de juego son nuestras casas, nuestro modo de vivir, nuestros espacios públicos. El gran museo es el espacio en el que vivimos, la ciudad. Estoy muy feliz por conseguir que Cassina colabore en la exposición que la Fundación Vuitton de París dedica a Charlotte Perriand, una gran maestra, una mujer que trabajó en unos años mucho más difíciles que estos. Las seis plantas del centro están dedicadas por primera vez a una diseñadora.
¿Funcionalidad y belleza están reñidas en diseño?
Creo que hay un error conceptual. Ambas van unidas. Hay funciones emocionales y existe la poética del objeto.
¿Qué define la «marca Urquiola»?
No lo veo como una marca. Siempre estoy abierta a experimentar nuevas técnicas y no a volver a hacer lo que ya hice antes. Es una especie de viaje empático con nuestros clientes. En los próximos años habrá que ampliar el concepto de diseño: no es solo un mueble, un objeto, sino proyectar comportamientos, experiencias, servicios...
Butaca Gender (Cassina)
Butaca Gender (Cassina) - ESTUDIO PATRICIA URQUIOLA
¿Qué obra de otro colega le hubiera gustado haber hecho?
Hay muchos artistas contemporáneos que me interesan. Pero cada uno tiene que encontrar una manera de evolucionar su propio lenguaje.
Sueña con diseñar...
Siempre hay campos en los que uno no ha intervenido y le gustaría hacerlo. La movilidad es un campo en el que vamos a trabajar mucho: motos, coches, aviones...
¿La tecnología ha revolucionado el sector?
Hay campos como la cerámica o la iluminación donde la transformación ha sido impresionante.
Overlay Bowl (Louis Vuitton)
Overlay Bowl (Louis Vuitton) - ESTUDIO PATRICIA URQUIOLA
En España ha recibido la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes, la Orden de Isabel la Católica... ¿Se siente reconocida?
No pienso en esos términos. Hay que intentar seguir tu propio camino. Fue un honor para mí ser miembro del Jurado del premio Princesa de Asturias. También, del premio Loewe.
El XXI es irremediablemente el siglo de las mujeres. ¿Le costó mucho hacerse un hueco en el sector del diseño en Italia? ¿Era un mundo machista?
Por una serie de circunstancias, tuve mejores condiciones que otras mujeres. Me facilitó bastante que mi primer trabajo fuese para una mujer: Magdalena de Padova. Después fue Patrizia Moroso la primera compañía que me encargó un proyecto importante. Y con Maria Reig hice mi primer hotel. ¿Lo podemos llamar coincidencias felices? Estos encuentros fueron muy iniciáticos. También me interesa mucho Paola Pivi, artista italiana muy activa en el arte multimedia. Pero en la reivindicación de las mujeres queda aún mucho por hacer.
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"Velázquez no era solo un pintor: era como un arquitecto de interiores"

Miguel Hermoso, profesor del departamento de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. - JOSE LUIS ROCA

Miguel Hermoso, profesor del departamento de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. - JOSE LUIS ROCA


El profesor del departamento de Historia del Arte de la Universidad Complutense, Miguel Hermoso, ha participado en el Congreso internacional "Los artistas como coleccionistas"



F. TORRE / MADRID (Faro de Vigo)
25/01/2020
Miguel Hermoso, profesor del departamento de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid, impartió en el congreso internacional "Los artistas como coleccionistas: modelos y variantes. Desde la Edad Moderna al siglo XIX", organizado por el Instituto Moll-Centro de Investigación de Pintura Flamenca y la Fundación Universitaria Española, la conferencia "El pintor en el museo. Velázquez y la colección real".
-¿Hasta qué punto contaba Velázquez con la confianza de Felipe IV para adquirir obra?

-Siempre hemos considerado a Velázquez como pintor y no como artista en sentido global: no solo como alguien que coge los pinceles y aplica color sobre un lienzo, sino alguien que piensa sobre todas las manifestaciones artísticas de su época. Creo que Velázquez llegó a conocer tan bien a Felipe IV y su gusto, que todo lo que compraba Velázquez contaba con la aprobación del rey, que lo integraba en los espacios emblemáticos de palacios reales.
-¿A qué se refiere al definir a Velázquez como "artista en sentido global"?
-Creo que Velázquez, gracias al conocimiento que tiene de la obra de Rubens, de su faceta como coleccionista, como marchante y como aficionado a la arquitectura; y cuando conozca las obras de Bernini en Roma, Velázquez descubrirá que un artista no tiene que limitarse a ser escultor o pintor o arquitecto, sino que puede integrar todas las artes en una sola. Bernini supeditaba todas las artes a la arquitectura, y Velázquez retoma esa idea pero aplicándola a la pintura, para que potencie a las otras artes y que domine la visión del espectador. Es un poco la idea que subyace en "Las Meninas", que es un cuadro con un marco arquitectónico real, con gente real colocada en poses de esculturas clásicas, pero que evidentemente es una enorme pintura y una obra maestra que integra a todas las demás artes.
-En este sentido también se puede entender su labor como aposentador, como decorador de los palacios del rey, ¿no?
-Ahí subyace un debate encendido que se inició ya a finales del siglo XVII: si se debe considerar a Velázquez como arquitecto o no. Obviamente, los historiadores de la arquitectura dicen que no, porque no sabía poner un ladrillo encima de otro; pero para los historiadores de la pintura sí que lo es, porque sus diseños cambian la percepción de los espacios para el espectador. Sería como un arquitecto de interiores: no construye paredes, pero puede hacer cambiar la perspectiva de los interiores. Lo que va a hacer Velázquez es aprovechar las obras de la colección real, con las incorporaciones que va haciendo en sus viajes a Italia y con otras adquisiciones, para cambiar radicalmente el interior. Primero en el Alcázar de Madrid, creando una sucesión de salas con mensaje iconográfico que se ha negado muchas veces pero que creo que existe.
-¿Como en el Salón de Reinos?
-Eso es. Creo que aquí está sucediendo lo mismo, pero los historiadores no nos hemos dando cuenta todavía. Hay una integración de todas las artes en la cual el conjunto pesa más que la suma de sus partes. Y también lo hará en El Escorial: cambiará la decoración de la sacristía y de las salas capitulares, creando una galería de pinturas a la italiana. Era algo absolutamente radical, el primer cambio en El Escorial desde los tiempos de Felipe II. Porque a Felipe IV el arte que le interesaba no era el flamenco del siglo XV sino el italiano del XVI y sus herederos, que son Rubens y Velázquez. Era una declaración de intenciones, y abrió la puerta a que se sigan haciendo cambios en el reinado de Carlos II.
-¿Tenía Velázquez una colección personal, como Rubens?
-No, no tenía el poder adquisitivo para tener la colección que hubiera querido, a diferencia de Rubens que sí tuvo esa posibilidad pero es porque venía de una familia noble. Pero vivía en el Alcázar: podía pasear por las salas y contemplar esos cuadros, y recordar cuando los había descubierto por primera vez. El precio del gran arte siempre ha sido carísimo, y por eso también es un síntoma de prestigio. La colección del rey de España tenía cosas que ningún otro monarca del mundo podía tener, porque no lo podía pagar.
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El arte es un dínamo social y económico

Es una desdicha que Venezuela se haya quedado rezagada con relación al dinamismo cultural de otras sociedades. El régimen chavista agotó inmensos recursos y un valioso e irrecuperable tiempo en copiar el fracasado modelo cubano y en imponer mitos populistas que contradicen toda creación de valor. En lugar de invertir en conocimiento, una camarilla gansteril robó y despilfarró 900.000 millones de dólares y después de 20 años a la deriva, sin objetivos de desarrollo, donde destruyeron la cadena ecológica de la democracia y sus valores culturales, el país está comenzando a estremecerse en su propia fragilidad.
Sin entrar a analizar las poderosas economías creadas por la inversión en conocimiento, muchos países se nutren de nichos económicos relacionados con la cultura y las artes a sabiendas de que son poderosos motores de sus economías y contribuyen a su posicionamiento mundial. Veamos a continuación algunos ejemplos de esto último.
Pese al clima de agitación social que vivió París el año pasado, el Museo del Louvre recibió a 9 millones de visitantes y organizó 500.000 visitas guiadas a estudiantes. Otros espacios culturales no se quedan atrás, el Musée d’Orsay acogió a 1.584.026 visitantes y el Centro Pompidou a 1.038.832, mientras que La Villette vendió 1.423.170 entradas de Tutankhamon y para la exposición de Leonardo Da Vinci, que se inaugurará en febrero, se están vendiendo 100.000 entradas diarias. En Italia, el conjunto de sus museos acogió a 50 millones de personas. Por su parte, el Museo del Prado en Madrid, el año pasado aumentó las visitas a 3.353.685 y aporta, en el ámbito de la economía y empleo en España, unos 745 millones de euros. En su informe anual, la institución que cuenta con un presupuesto anual de 45 millones, estima en unos 25 millones la contribución directa, unos 607 millones la indirecta y en 113 millones en los sectores de entretenimiento, transporte, proveedores, hostelería y restauración.
En los países desarrollados, el sector cultural y artístico es tomado tan en serio que, en Estados Unidos, su contribución a la economía representa 4,2% del PIB de ese país. Para citar algunas cifras, los museos en Estados Unidos generan ganancias por el orden de los 5.300 millones de dólares y el comercio de arte 21.000 millones. En una ciudad de 8 millones de habitantes como lo es Nueva York, el sector creativo emplea a más de 300.000 personas. Otro aspecto interesante es el de los 133.895 miembros, entre donantes y abonados, del Metropolitan Museum de Nueva York (el Louvre cuenta con 60.000 amigos) que proporcionan solidez a los fondos de la institución acumulando el año pasado 3.200 millones de dólares producto de donaciones.
La inversión en cultura y artes es el camino hacia la prosperidad de cualquier sociedad, de allí que los montos destinados a la construcción de complejos culturales en el mundo entero en 2017 fueron de 9.900 millones de euros, añadiendo el Louvre Abu Dhabi. En 2019, la suma de 8.000 millones se distribuyó en 58 proyectos en Estados Unidos, 44 en Europa y 26 en Asia y Medio Oriente, incluyendo el He Art Museum que en la actualidad proyecta el arquitecto japonés Tadao Ando en Forshan, China, así como los 17.000 m2 del Hayy Creative Hub en Djeddah, Arabia Saudita.
A las cifras anteriores hay que añadir el negocio que representa la producción de las 140.000 exposiciones que se inauguran cada año en museos y galerías en el mundo entero, monto que asciende a los 5.900 millones de dólares.
El mercado global del arte facturó en 2018 67.700 millones de dólares y se estima en 70.000 millones de dólares en 2019. El arte se ha convertido en un verdadero fenómeno de las finanzas y economías mundiales. Sobre esto último cabe decir que en 2019 se vendieron 71.400 obras de arte contemporáneo, algunas por cifras récords en la historia del arte, como el Rabitt de Jeff Koons, subastado en 91 millones de dólares, Portrait of an Artist de David Hockney en 90 millones de dólares y el Devolved Parliament (los simios en el Parlamento inglés) del anónimo Banksy, 12 millones de dólares (9,9 millones de libras esterlinas). Debido a los altos montos que mueve este mercado, las casas de subasta como Sotheby’s y Christie’s mantienen al día sus directorios de los Ultra High Net Worth Individuals, un pequeño segmento social de las élites mundiales que se trasladan de país en país adquiriendo obras de arte después de haber entendido que les resulta más rentable que invertir en la bolsa de valores. Mágicamente transforman objetos de arte en activos de alto grado de inversión.
Después de este breve recuento de cómo en las democracias liberales donde impera la economía de mercado, el acontecer artístico contribuye a sus economías, nos damos cuenta de que Venezuela se ha quedado rezagada de esta dinámica global, en contraste con la intensa actividad cultural y artística del país durante el período democrático, cuando Venezuela aparecía en los titulares de las secciones culturales de los más importantes medios del mundo.
Después de estos veinte años de ignominia y pobreza mental, el país ha desaparecido del escenario artístico internacional. Hoy solo es mencionado en las páginas rojas de los diarios internacionales debido a la crisis humanitaria, a las investigaciones sobre corrupción de la corporación criminal que lo gobierna, a sus alianzas con organizaciones terroristas, a la destrucción de la selva amazónica y a la orfandad y violación de los derechos humanos que padecen los venezolanos.
www.edgarcherubini.com
@edgarcherubini
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Muralistas zacatecanos expondrán en Estados Unidos

El mural estará en exhibición permanente en un centro comercial de Atlanta

Los artistas zacatecanos y también hermanos José Arturo e Imuris Aram Ramos Pinedo, están por concluir un mural que será exhibido en Atlanta en el próximo mes de febrero.

Es una obra de arte que mide más de tres metros de ancho y alto, bajo la técnica de acrílico sobre tela y que a manera de donación, será instalada en dicha ciudad en un centro comercial de nombre Plaza México.


José Arturo detalló en entrevista para El Sol de Zacatecas que la pieza que pinta junto con su hermano destaca un apariencia de realismo, en donde quisieron mostrar un punto fotográfico para que sea de fácil entendimiento, ya que el mural estará en una zona en donde transita mucha gente.

Sobre los trazos -añadió- es una pintura que se puede leer de izquierda a derecha, se encuentran elementos y representaciones de la cultura mexicana, así como escenas de la Revolución Mexicana, vestimenta nacional, la charrería y la familia. Mientras que en la otra mitad, se expone a los primeros nativos de Atlanta, la guerra civil, el rodeo y algunos personajes de la historia.


Los artistas Ramos Pinedo siempre han trabajo en conjunto, en su amplia trayectoria, que también resalta por su trabajo en exposiciones individuales, ya suman cerca de 16 murales tanto en Zacatecas como en el Estado de México y Estados Unidos.

Su formación de artistas surgió desde que eran niños tras incursionar en la pintura y el dibujo y a partir de ahí, se interesaron en el arte, por lo que ahora se dedican a compartir su talento y creatividad en espacios públicos.


El arte a gran formato que proponen, en la capital que los vio nacer, se puede admirar en la Ciudadela el Arte y en murales que se ubican en los posgrados de humanidades, artes, e historia de la máxima casa de estudios.

ZONAMACO 2020: las cuatro ferias que no puedes perderte

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ZONAMACO
Este año, por primera vez ZONAMACO presentará en el mismo lugar arte contemporáneo y moderno, diseño, fotografía y antigüedades, reuniendo sus cuatro ferias: ZONAMACO México Arte Contemporáneo, ZONAMACO Diseño, ZONAMACO Foto y ZONAMACO Salón durante la 'Semana del Arte ZONAMACO' que tendrá lugar del 5 al 9 de febrero de 2020 en Centro Citibanamex.

ZONAMACO apuesta por ampliar las propuestas de contenidos dentro de la feria con el fin de ofrecer a los visitantes una experiencia enriquecedora. Además de los cientos de expositores nacionales e internacionales, ZONAMACO contará nuevamente con un amplio programa de conferencias y actividades paralelas en los museos y galerías más relevantes de la ciudad.

Vista de obras en Zona Maco

ZONAMACO presentará más de 210 galerías y expositores provenientes de 26 países de América, Europa y Asia en su próxima edición que reunirá por primera vez sus cuatros ferias bajo un mismo techo de manera simultánea. 

Expositores en Zona Maco

Como cada año, ZONAMACO promete un amplio programa de conferencias impartidas por invitados de talla internacional que abordarán temas de actualidad e interés en el mundo del arte. También habrá premios para artistas otorgados por distintas empresas. 

Vista de Zona Maco

En la 'Semana del Arte ZONAMACO' 2020, los principales museos y galerías de CDMX tendrán inauguraciones y exposiciones de artistas nacionales e internacionales, de la mano de ZONAMACO.
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Otro de los más grandes en Málaga

Piezas de Pierre Alechensky.
Piezas de Pierre Alechensky.

PIERRE ALECHINSKY Centro Pompidou MÁLAGA 
Acabadas las muestras de Picasso / Calder (Museo Picasso) y de Sean Scully (CACMálaga) todo el interés expositivo se traslada a los espacios dirigidos por José María Luna. Sobre todo dos de las muestras que se encuentran en el Museo Ruso, la gran Fábrica de Tabacos, la magnífica titulada 'ANNA AJMATOVA. Poesía y Vida', en la que una serie de artistas de lo mejor de la Vanguardia homenajean a la gran poetisa rusa del siglo XX y 'Santas, Reinas y Obreras', un apasionante recorrido sobre la imagen de la mujer en el arte ruso desde el XIX a nuestros días. Al mismo tiempo, el espacio destinado a las exposiciones temporales del Centro Pompidou, en la bella zona portuaria, se convierte en felicísimo escenario donde se presenta la obra de uno de los más importantes artistas del siglo XX, el pintor belga Pierre Alechinsky.
No sería descabellado comenzar por la historia artística de este pintor de 92 años - nació en Bruselas en 1927 -. Comenzó como ilustrador para, rápidamente, abrazar algunas de las tendencias que, en la Europa de finales de los años cuarenta, desentrañaban un arte lleno de intensidad creativa y contundencia plástica. Por eso, se unió, en 1949, al Grupo CoBrA - acrónimo de Copenhague, Bruselas, Amsterdam, ciudades natales de los principales artistas que lo componían - que se caracterizaba por formas violentas, primitivas y de amplio espectro pararreal, así como un interés exacerbado por un expresionismo formal que asumía todas las posibilidades matéricas. Al mismo pertenecieron artistas de la talla de Christian Dotremont, su iniciador, Asger Jorn y Karel Appel, entre otros.
La poca vida del grupo llevó a Alechinsky a París desde comienza su gran lanzamiento y su gran aventura en el arte del siglo XX. Desde entonces, su actividad se encuentra entre las más activas del panorama artístico internacional y su obra presente en lo más selecto de entre las colecciones y los museos de todo el mundo.
En cuanto a la labor creativa, Pierre Alechinsky es un artista que cabalga entre la pintura de tradición china, la tinta sobre el papel, el surrealismo y el expresionismo de acción; todo con ese lenguaje abierto, poderoso, contundente, con una inmensa carga de ironía y profundizando en estados mentales que lo llevan a entresacar de recónditos escenarios imágenes de muy dispar naturaleza y extrañas significaciones.La exposición que se presenta en el Centro Pompidou de Málaga se nos aparece casi como una gran muestra antológica, no en vano, se trata de una amplia colección de obras realizadas desde 1952 hasta la actualidad.
En ella la pintura sobre papel, el lenguaje particular y único del artista, así como esa personalidad y pureza estructural que lo caracteriza, nos lleva a un encuentro total con un trabajo minucioso que requiere mucha complicidad de la mirada expectante del que lo contemple. No es una muestra para verla de manera rápida. Alechinsky realiza constantemente guiños al espectador. En su obra se amalgaman muchos universos con sus infinitas galerías de imágenes. Cada pieza encierra microorganismos que aparecen espontáneamente envueltos en un retícula que genera la mayor inquietud visual. Incluso nos encontramos que tras los poderosos perfiles pintados, se encuentran antiguos pergaminos, y cartas de navegación, a modo de soportes sobre los que ha ido desarrollando su pasional testimonio descrito - y escrito - en tinta.
'Alechinsky en el país de la tinta', así se ha titulada la exposición malagueña, se compone de setenta y cinco obras sobre papel en la que se compendia todo el universo del artista belga. Su interés por la manera de pintar con tintas como lo hacían los chinos - técnica que aprende con el artista chinoamericano Wallasse Ting -, su extraordinaria capacidad de abstraerse a todo y a todos, su personal forma de creación - con las láminas de papel en el suelo y pintando compulsivamente a la manera de los expresionistas abstractos americanos -, su acusado interés por la caligrafía y ese claro apasionamiento creativo nos hacen partícipes de una especial exposición que, sin lugar a dudas, va a permitir el encuentro feliz con uno de los artistas más importantes del siglo pasado, todavía, en feliz ejercicio.
Muy buena exposición que abre infinita perspectivas para los ojos miopes de los que se creen que son los inventores del arte nuevo.
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jueves, 23 de enero de 2020

Salvador Dalí 25 años de su muerte

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Alfonso Albacete, Alberto Reguera, Julio Rey y Alberto Corazón comentan obras de Dalí.

Dalí falleció el 23 de enero de 1989 en el hospital de Figueras, seis años después que lo que algunos consideran su verdadera muerte: la de su esposa, Gala
25 AÑOS DE SU MUERTE

Qué queda de Salvador Dalí

por VIRGINIA HERNÁNDEZ | Vídeo: GIULIO M. PIANTADOSI
Transcurridos 25 años de la muerte del ampurdanés, su pesada figura se difumina y queda la obra. Cuatro artistas, Alfonso Albacete, Alberto Corazón, Julio Rey y Alberto Reguera, analizan el legado del pintor. La herencia del 'avida dollars' un cuarto de siglo después de su fallecimiento
Alfonso Albacete (Antequera, Málaga. 1950):
«Habría que hablar de varios legados de Dalí. De su legado como escritor, ya que en la última parte de su vida configuró su obra más en esa dirección, en la de la narración. En una primera época hace cierta investigación sobre los lenguajes pictóricos, poniéndose un poco en la posición de Picasso. Sin embargo, cuando empieza a introducir los elementos de los sueños y lo que se ha llamado surrealismo, se va a un lenguaje totalmente académico. Su obra quizás no tenga un interés dentro de la investigación de los lenguajes ni de la técnica pictórica, pero sí tiene una narración poderosísima, que ha tenido influencias en la cultura popular contemporánea. Cuando digo eso, lo digo de camisetasportadas de discoscultura popheavy... la asociación de elementos diferenciados, metidos dentro de una misma composición. Cuando la gente dice 'esto es muy surrealista', creo que no refieren al surrealismo en general, se están refiriendo a Dalí».
Alberto Corazón (Madrid, 1942):
«En mi opinión, que no soy nada daliniano, Dalí es un caso muy especial de pintor extraordinariamente popular y extraordinariamente banal. He visto los cuadros de Dalí en mercadillos de Bangkok como alfombras. Es una iconografía que se ha convertido en muy popular, porque creo que tiene ese punto de que parece que va a ser algo, de que parece que va a ser sublime. Luego Dalí es el Disney de la pintura. No sé exactamente si su legado tiene anclaje en la Historia del Arte o en otro tipo de fenómenos de cultura contemporánea. Siempre me pareció significativo que en el momento en el que da el salto a EEUU, desembarque en Nueva York, que era como la Roma del imperio, y a las 48 horas se vaya a Los Ángeles a contactar con Disney. Él entendía que el gran héroe americano era Disney y no Pollock. Y ahí es donde está su filón».
Alberto Reguera (Segovia, 1961):
«Pienso que lo queda es una evolución de la percepción del legado de Dalí. Atrás quedó la idea de un personaje extravagante y su público se ha centrado más en su gran obra, la relación con la psicología humana, con la ciencia... Pienso que en estos 25 años se ha renovado una química que ha existido siempre entre Dalí y el gran público. Fundamentalmente porque Dalí facilitaba que el público terminara visualmente la representación de cada obra. Desde el punto de vista del mercado se ha pasado de una confusión —muchos decían que se había dinamitado a sí mismo— a una tenue recuperación de las obras de Dalí en las subastas».
Julio Rey (Madrid, 1955):
«Afortunadamente, cada vez se está difuminando más ese mercader atrabiliario en el que se convirtió al final de sus tiempos, aquellos coqueteos con la dictadura franquista, aquel firmar y firmar hojas en blanco para sacarle beneficio. Ese personaje se está difuminando y lo que está quedando de Dalí es su obra. Su mayor mérito para mí es que, a pesar de que era un pintor surrealista, consiguió crear iconos universales. Es decir, que elementos surrealistas, que no son palpables nunca, consiguió que los tuviéramos en nuestro imaginario. Yo, como pintor, admiro en Dalí una técnica depuradísimauna pincelada magnífica, era un dibujante extraordinario».
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