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lunes, 25 de enero de 2021

EEUU homenajea al pintor cubanoamericano Emilio Sánchez con sellos exclusivos

 

Miami – El Servicio Postal de Estados Unidos (USPS) quiere homenajear al vanguardista artista visual cubanoestadounidense Emilio Sánchez Font cuando se cumple el centenario de su nacimiento, y para ello ha preparado una nueva serie de sellos exclusivos que lanzará este verano.

La obra artística de Sánchez, nacido en Camagüey en 1921 y fallecido en Warwick, Nueva York, en 1999, será reconocida en la prestigiosa categoría «Forever» (Siempre) de la USPS, todo un hito, dado que se trata de la primera vez que este organismo dedica una de sus series de estampillas a un creador de origen cubano.

Artista cercano al llamado superrealismo y poco conocido para la mayoría, Sánchez recibirá tributo con «cuatro nuevos sellos de coloridas litografías y pinturas arquitectónicas», indica Correos de Estados Unidos.

SÁNCHEZ «FOREVER», EL SUPERREALISMO ARQUITECTÓNICO

Los cuatros trabajos elegidos para la serie «Forever» son «Los Toldos» (1973), «Ty’s Place» (1976), «En el Souk» (1972) y Sin título (Ventanita entreabierta), de 1981, todos ellos caracterizados por su estilo «fotográfico» y los «efectos de la luz y la sombra para enfatizar la geometría abstracta de los objetos».

Su obra centrada en motivos de arquitectura y casas reproducidas hasta el mínimo detalle, prosigue la USPS, abarca tanto su herencia cubana como su larga trayectoria profesional en Nueva York y otras partes de Estados Unidos, donde maduró su estilo hasta alcanzar una representación sumamente realista.

Pintor, grabador y dibujante, Sánchez realizó su formación artística en la década de 1940 en la Facultad de Artes de la Universidad de Columbia y, posteriormente, en la Art Students League de Nueva York, ciudad a la que se trasladó en 1952.

En 1968, el artista, de ideas contrarias al régimen revolucionario cubano, se nacionalizó estadounidense.

Su estilo se caracteriza por el uso de líneas rectas, ángulos, colores vibrantes y el limpio contraste y juego de luz y sombra, como se aprecia en la pintura de 1981 Sin título (Ventanita entreabierta), cualidades que le convirtieron en uno de los artistas más interesantes y originales de la mitad del siglo pasado.

DESCUBRIR AL GRAN PÚBLICO LA OBRA DE ESTE ORIGINAL CREADOR

La iniciativa de la USPS es una de las múltiples actividades y exposiciones que tendrán lugar este año para fomentar y descubrir al gran público la señera obra artística de Sánchez.

Así, la galería LnS de Miami ofrecerá durante el verano y otoño próximos la exposición retrospectiva «Emilio Sánchez Revisited: A Centenary Celebration of his Life and Work».

En un comunicado, el profesor de Arquitectura Histórica de la Universidad de Miami (UM) Víctor Deupi, también de origen cubano, expresó su admiración y sorpresa por la obra de Sánchez, un artista que, dijo, desconocía hasta hace tan sólo unos años.

«Nunca había oído hablar de él hasta entonces y comencé entonces mi investigación sobre Sánchez, lo que me inspiró a crear un proyecto que me abrió oportunidades diferentes», apuntó.

Deupi cuenta que se emocionó al conocer que, gracias a la iniciativa de la USPS, «más personas tendrán la oportunidad de conocer a este artista relativamente desconocido» con motivo del centenario de su nacimiento.

PRIMER ARTISTA VISUAL CUBANO EN SER RECONOCIDO POR LA USPS

«La conmemoración de su obra es un hito significativo porque ningún otro artista visual cubano ha sido honrado de esta manera», subrayó el académico.

Añadió que se trata de una de las «figuras destacadas de mediados de siglo en viajar por el Caribe y América Latina, donde documentó a fondo las culturas indígenas, los paisajes arquitectónicos y la vida cotidiana de esa época».

«Sánchez estuvo a la vanguardia en la captura de los cambios urbanos que están ocurriendo», señaló el profesor de Arquitectura de la UM.

Por su parte, Jill Deupi, directora del Lowe Art Museum, dijo que era un honor exponer algunos de los trabajos de Sánchez en la colección permanente del museo.

«Estamos emocionados. Cada año se seleccionan muy pocas imágenes para los sellos de USPS, por lo que la inclusión de nuestra pintura de Sánchez (para los sellos) es algo muy prestigioso», dijo Deupi.

UNA FUNDACIÓN PARA PRESERVAR SU EXTENSA OBRA

Sánchez dejó estipulado antes de su muerte la creación de la Emilio Sanchez Foundation con el fin de «preservar, promover y vender sus numerosas obras de arte», resultado de una prolífica vida como artista.

La actual fundación destina fondos de ayuda a la investigación oftalmológica y para becas de arte.

Durante prácticamente toda su vida Sánchez sufrió problemas de visión y estuvo a punto de perder la vista de un ojo en los últimos años, lo que no impidió que continuara incansable pintando. JP

Fuente

https://proceso.hn

El artista valenciano Dulk lleva a Nueva York una exposición con mensaje ecologista y llena de color


 El artista Antonio Segura Donat, Dulk, inaugurará el próximo mes de febrero en Nueva York la exposición 'Ephemeral Treasures', donde recopila un conjunto de piezas -15 pinturas y una escultura- que lanzan un mensaje ecologista a favor del cuidado de la naturaleza con un estilo "colorista, formas orgánicas y un toque algo más realista" que en trabajos anteriores.

Dulk trabaja en una de las obras de la exposición 'Ephemeral Treasures',
Dulk trabaja en una de las obras de la exposición 'Ephemeral Treasures',
YOURI CANSELL.

El autor valenciano ha explicado a Europa Press algunos de los detalles de la muestra, que se abrirá el próximo 20 de febrero en la galería Spoke Art NYC de Nueva York y comisariada por Thinkspace. Será la tercera exposición que el artista urbano inaugure en Estados Unidos tras las celebradas en Los Ángeles y Miami.

En esta ocasión, Dulk presenta un conjunto pictórico "centrado en el estudio de la naturaleza" y fruto de su contacto en primera persona o, debido a las restricciones de movilidad impuestas por la pandemia, del visionado de las imágenes de fotógrafos (tenía previsto un viaje a Noruega que no ha podido realizar).

'Ephemeral Treasures' invita a asomarse a "una ventana a un mundo deteriorado". "La naturaleza se encuentra en un momento muy difícil por culpa de ser humano y estos problemas se ven de una forma alegórica y colorida y bonita por fuera", aunque, sin embargo, se esconde un mensaje más profundo.

Para Dulk, la crisis del coronavirus ha ensombrecido otras realidades. "Ahora la gente solo piensa en la pandemia y el tema del cambio climático está bastante olvidado, a pesar de que estamos contaminando mucho más", reflexiona.

Tras la confirmación de que las Fallas de 2021 no se podrán celebrar en marzo por la situación sanitaria, Dulk señala que sigue trabajando junto al equipo del artista fallero Alejandro Santaeulalia y que el monumento, que lleva el lema de 'Protegeix allò que estimes', estará acabado en las fechas previstas, aunque "tengamos que esperar".

El artista ha reconocido que esperaba la noticia de la suspensión "desde hace bastante tiempo". "Sabía que iba a ser muy difícil pero no podemos hacer nada", ha manifestado el autor, que, en todo caso, ha subrayado que está muy ilusionado con el proyecto y que el resultado va a ser "superbonito".

ARTE EFÍMERO

En este punto, ha hecho notar que las Fallas tienen una relación "muy directa con el arte urbano", porque ambos son "arte efímero, que tiene una fecha de caducidad".

Ha celebrado además el buen momento de reconocimiento mundial que viven los creadores urbanos y obras como una falla o los murales contribuyen a ello, ya que son como "una gran valla publicitaria para nuestro trabajo".

Del mismo modo, que estos artistas colaboren en la elaboración de monumentos falleros también está acercando esta fiesta a nuevos públicos internacionales. "Es una pasada que la ciudad se dé cuenta de esto y nos ponga en lugares así", ha concluido.

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https://www.20minutos.es

El arte rinde honores a la Escuela de París


París  a través de la ventana  (1913 ) de Marc Chagall

 Por Gustavo Costa von Buchwald, especial para La Revista

Tres veces en la historia París se vuelve el centro de arte de la humanidad. Primero en lo que se denomina el arte gótico, allá por los siglos XII y XIII, estilo que influye en todo el mundo cristiano occidental. Por segunda vez durante más de siglo y medio todos los reyes y emperadores tenían puestos sus ojos en Versalles y París. Federico II de Prusia (hoy en territorio alemán), María Teresa de Austria y Catalina de Rusia soñaban los usos y costumbres, modas y arte que observaban en la corte de los reyes de Francia Luis XIV, Luis XV y Luis XVI.

Pero en realidad a partir del año 1850 París no conoce rival en Francia o el mundo en relación con la imposición del arte francés, pero lo que en verdad se impone es el arte parisino. Esto se debe a la salida de franceses al extranjero, como Henri Matisse a Moscú, a Fernando Leger a Nueva York, a Le Corbusier a Pakistán y Tokio o a Paul Gauguin a Tahití. Y, por otra parte, a la afluencia de artistas que no nacieron en París, como Pablo Picasso, Vincent van Gogh, Pierre Brissaud, Alfred Jarry, Jacques Villon, Raymond Duchamp-Villon, André Derain, Suzanne Valadon, Pierre-Auguste Renoir, Édgar Degas, Maurice Utrillo, Henri de Toulouse-Lautrec, Salvador Dalí, Amadeo Modigliani, Diego Rivera y Frida Kahlo.

París surge como ninguna otra ciudad donde los genios de todos los países pueden enfrentarse y confrontarse bajo la mirada benévola de una cultura francesa libre y tolerante.

En fechas posteriores también fueron a París artistas ecuatorianos como Manuel Rendón Seminario y Luis Molinari Flores en busca de tendencias pictóricas que podrían ayudarlos a descubrir su propio arte.

Los barrios del arte

¿Por qué llegan tantos artistas de Europa y del mundo a París? A fines del siglo XIX y comienzos del XX, en París había una efervescencia económica-comercial, evidenciadas por ejemplo en la Feria Internacional de París de 1900. Por ello, los pintores buscaban sus galerías y marchantes para la exposición de sus obras.

Los barrios de Montmartre y Montparnasse tenían un atractivo especial en esos tiempos, porque esos artistas plásticos famosos, de diferentes estilos, pintaban y vivían en estos vecindarios, por lo cual los ciudadanos y turistas solían visitarlos porque era la oportunidad para codearse y conocerlos. Resultado de esta bohemia parisina aparecieron estilos y tendencias pictóricas en el arte moderno. Esto se debe, en parte, a que cuando varios artistas pintan juntos viene la crítica del dibujo, que hace que el artista busque la mejora de su obra.

Muchas veces estos artistas se reunían en alguna cafetería a pintar a la mesera, al chef o la silla del bar. Inclusive hoy en día los bares y restaurantes donde acudía Van Gogh todavía existen. La lista de artistas famosos que desarrollaron su inspiración en Montmartre y Montparnasse es infinita.

Existe confusión sobre si la Escuela de París (1915-1940) era una academia o algún tipo de instituto donde se enseñaba artes plásticas. No es así. La Escuela de París fue un movimiento de un grupo de artistas que trabajaron en la capital francesa desde principios del siglo XX hasta después de la Segunda Guerra Mundial.

Existe una gran diversidad de artistas que hace a este movimiento heterodoxo, y como resultado tenemos una variedad de estilos que incluye el impresionismo, posimpresionismo, expresionismo y surrealismo.

El tiempo les dio la razón

Pero veamos en la historia qué ha sucedido con los movimientos pictóricos y cómo han sido juzgados. Es notorio que los impresionistas fueron víctimas de las más escandalosas persecuciones, cólera, ataques virulentos y desprecio. La prensa francesa entre 1890 y 1914 indicó alguna vez: “¿Por qué estos señores tienen una vez más la pretensión de imponernos los balbuceos informales de los fracasados, mamarrachos nauseabundos en lo que a originalidad consiste un descaro monumental?”.

Me pregunto si alguien en cualquier profesión puede seguir adelante con tanta adversidad. En este sentido el tiempo les dio la razón. Las obras de estos grandes genios del arte plástico contemporáneo francés, que forma parte la Escuela de París, poco a poco entraron en los museos del planeta y colecciones privadas. Esa inmensa y fecunda reunión de artistas de todas las nacionalidades, lenguas y razas en los barrios de Montmartre y Montparnasse de París cambió la forma de vernos como humanidad.

Fuente

https://www.eluniverso.com


Caravaggio: 450 años de su nacimiento


Caravaggio


Cuando el hilo dorado del placer se entrelaza con esa trama de cosas que nuestra inteligencia está siempre tejiendo laboriosamente, otorga al mundo visible ese encanto misterioso y sutil que llamamos belleza.

Este año 2021 – que comienza terrible, apocalíptico y sombrío- se celebran los 450 años del nacimiento del genial pintor italiano Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán, 1571- Porto Ercole, Italia, 1610) mejor conocido como Caravaggio. Quizá con esta pandemia que estamos viviendo, Caravaggio la hubiera registrado en sus cuadros como ningún otro artista.

Hace un par de años pude ver en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid la exposición Caravaggio y los pintores del norte, una exposición sobre la figura de Michelangelo Merisi Caravaggio y su influencia entre los pintores del norte de Europa que, fascinados por su pintura, difundieron su estilo. En las salas se exhibieron cincuenta y tres cuadros, doce de ellos del maestro lombardo – El recorrido de la muestra abarcó el curso de la carrera de Caravaggio, desde el periodo romano hasta las emotivas pinturas oscuras de sus últimos años, junto a una selección de obras de sus más destacados seguidores en Holanda -Dirk van Baburen, Gerrit van Honthorst o Hendrick Ter Brugghen-, Flandes -Nicolas Régnier o Louis Finson- y Francia -Simon Vouet, Claude Vignon o Valentin de Boulogne- -, procedentes de colecciones privadas, museos e instituciones como el Metropolitan Museum de Nueva York, la Galleria degli Uffizi de Florencia, el Museo del Ermitage de San Petersburgo, el Rijksmuseum de Ámsterdam o la iglesia de San Pietro in Montorio en Roma. La selección de la obra respondió al criterio, siempre bien argumentado, de Gert Jan van der Sman, que ha sabido dar con la clave de intriga que mejor se ajusta a la vida de Caravaggio.

La fortuna artista de Caravaggio se inicia en Roma, done alcanzó fama temprana por sus cuadros religiosos y escenas mitológicas realizadas con una técnica naturalista de efectismo sorprendente y revolucionaria luminosidad. La pintura de Caravaggio convierte las viejas escenografías de repertorio, la “parafernalia renacentista”, en dramáticas representaciones personalizadas, dotadas de una gestualidad propia que enriquece y profundiza los motivos figurativos tradicionales.

Caravaggio

En aquella exposición los curadores desearon proponer que Caravaggio fue y es el primer pintor moderno. Según sus responsables, los años finales de Carravaggioo dan vida a un arte introspectivo y humano que alcanza cotas de intensidad difíciles de superar y demuestran al mundo del arte la madurez estética del artista. La crítica, sin embargo, no parece compartir este punto de vista y son notables las voces discrepantes. De entrada, es imposible establecer una comparación rigurosa entre obras extremas de la compleja producción de Caravaggio haciendo abstracción de las pinturas de la capilla Contarelli, por ejemplo, en la iglesia de San Luis de los Franceses de Roma, dedicada a narrar la vida y milagros de san Mateo, patrón del patricio francés que asumió el cargo. Son pintores de altar, de grandes formatos y en consecuencia inamovibles. Muchacho pelando fruta, Los músicos, David vencedor de Goliat y Santa Catalina de Alejandría, son algunos de los cuadros que se exhiben, y donde encontramos el juego de luz que transforma el color en tonalidades suaves y crea atmósferas deslumbrantes. Un reflejo de ese juego visual de la luz y las tinieblas, me hace pensar en el poema La vista, el tacto de Octavio Paz, cuando juega con luz: “ la luz nace mujer en un espejo,/ desnuda bajo diáfanos follajes/una mirada la encaden,/la desvanece un parpadeo…”. 1

 El crítico Roberto Longhi – en cuya Fundación Longhi se encuentran una gran cantidad de obras de Caravaggio-, el estudioso más importante del artista, afirma que el “descubrimiento de Nápoles, capital mediterránea entonces, tuvo un impacto clave en Caravaggio. Significó para el artista la inmersión en la realidad cotidiana violenta y gestual, nítidamente popular. Un doble viaje: primero en 1616, y después en 1609, la época de retorno a Roma. Un primer testimonio de su estancia en Nápoles es Flagelación (1607)”.2 Se trata de un breve ejemplo de la original composición de Caravaggio y representa el momento previo al suplicio: convierte a Cristo en un doliente torso de héroe que se resigna a la brutalidad de los esbirros. La Crucificción de san Andrés (1607), de Cleveland de un naturalismo lumínico magistral, engrandece las figuras al pie de la cruz en contrapunto realista con la efigie del crucificado y el gesto forzado del campesino que intenta desatarlo. Caballero de malta (1608) es otro ejemplo de mayor contención expresiva. “Para el – dice John Berger- Caravaggio que existió realmente, para el muchacho de nombre Michelangelo nacido en un pueblo cercano a Bérgamo, no lejos de donde son mis amigos, los leñadores italianos, la luz y la sombra, tal como él las imaginaba y las veía tenían un profundo significado personal, intrincándose entrelazado con sus deseos y su instinto de supervivencia. Y es por esto, y no en razón de la lógica histórico artística, por lo que su está ligado al submundo”.3 Y sí, Caravaggio vivió en un submundo tenebroso constante – más en sus últimos años-, y sus cuadros lo viven.

Caravaggio

Y sí, bien dice Berger, sus últimos años – según los expertos- fueron terribles para el artista, según visualiza su obra, por ejemplo, El martirio de santa Úsula, 1610, tal vez su último cuadro. Un narrador excelente en imágenes que atrapa la desnuda caracterización psicológica de sus personajes, concentrado en sus gestos y expresiones, sin apenas espacio para la piedad, pese a la espantosa tragedia humana que representan. Salomé con la cabeza del Bautista (1607), donde los parecidos se duplican: el rostro del verdugo coincide con uno de los soldados de la flagelación, mientras que el Bautista remeda la mortal sorpresa de Holofernes en Judith y Helofernes. La mirada inescrutable de Salomé nos desconcierta, son gestos enigmáticos, que como observó Longhi tienen “un aire de gravedad y fatalismo que inunda la escena”. Caravaggio insistió en repetidas ocasiones en el tema de las decapitaciones - La decapitación de San Juan Bautista, 1608; El sacrificio de Isaac, 1603 o David vencedor de Goliat, 1598-1599-, transgrediendo sin disimulo el decoro clásico: la horrorizada Cabeza de Medusa de los Uffizi, Holofernes, Goliat… Quizá una proyección consciente del terror a la pena capital que acompañó la desesperada huida del artista que precipitó su muerte.

Caravaggio

Un delincuente, un marginado social de su tiempo, un delincuente confeso, y desde luego, y lo más importante un artista genial, que contó con el entusiasmo de los grandes coleccionistas – los Giustiniani, los Borromeo, el virrey marqués del Vasco-. Longhi lo percibió de una manera triste y audaz. Se dice que era de color oscuro y tenía oscuros los ojos, “negras las cejas – una evocación de 1672- y los cabellos, y así aparece en sus pinturas”, vale la pena detenerse el retrato que le dedica Ottavio Leon titulado Retrato del pintor Caravaggio fechado hacia 1614. Lo cierto, es que al volver a ver sus pinturas he quedado petrificado de asombro, de ese asombro de “admiración permanente”, decía John Berger. Al visualizar los cuadros de Caravaggio quedan “en el palacio de la memoria”, como diría san Agustín.

Caravaggio

1 Los privilegios de la vista 1. Arte moderno y universal, Octavio Paz. Fondo de Cultura Económica, México,1997 2 Caravaggio, Roberto Longhi, Editorial Abscondia, Milán, Italia 3 Sobre los artistas, John Berger, Editorial Gustavo Gili, Barcelona, 2017. Traducción Pilar Vázquez.

Fuente

https://www.razon.com.mx

domingo, 24 de enero de 2021

La afrodescendiente Naomi Beckwith es la nueva subdirectora y curadora en jefe del Guggenheim





Naomi Beckwith, del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago al Guggenheim de Nueva YorkWhitten Sabbatini/The New York Times - NYTNS

 Por primera vez, una mujer negra será subdirectora y curadora en jefe de uno de los museos más importantes del mundo, el Guggenheim de Nueva York. Naomi Beckwith (1976), que trabaja desde 2011 como curadora principal en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (MAC), se sumará al equipo del Guggenheim a partir de junio. Licenciada en historia, presentó en Londres su tesis de maestría sobre los artistas estadounidenses Adrian Piper y Carrie Mae Weems. Antes de ingresar al MAC, trabajó en el Estudio Museo de Harlem, dedicado a obras de artistas afrodescendientes. En el MAC, Beckwith organizó una serie de muestras destacadas, como una retrospectiva de la afroamericana Howardena Pindell, y muestras de la israelí Keren Cytter, los estadounidenses Leslie Hewitt y William J. O’Brien, el grupo interdisciplinario de artistas vietnamitas The Propeller Group y el británico-nigeriano Yinka Shonibare, entre otros. También fue curadora de la elogiada muestra colectiva 30 Seconds Off an Inch, que exploraba la intersección de las políticas de identidad racial y las tendencias dominantes de la década de 1960, desde las prácticas conceptuales hasta el Arte Povera, con obras de Adel Abdessemed, Edgar Arceneaux, William Cordova, Thierry Fontaine, Charles Gaines, My Barbarian, Deborah Grant, Simone Leigh, Paul Mpagi Sepuya, Lynn Waddell y Nari Ward, entre otros. Beckwith declaró que su misión será llevar “una mayor diversidad a las colecciones y exposiciones” del Guggenheim.

El nombramiento de Beckwith, una afrodescendiente, ocurre poco después de que el directorio del museo fuera acusado de racista. La anterior curadora en jefe del Guggenheim, Nancy Spector, se fue luego de las denuncias de Chaédria LaBouvier, una curadora independiente y periodista de ascendencia afrocubana que organizó una muestra de Jean-Michel Basquiat en el museo. Si bien una revisión encargada por el Guggenheim no encontró evidencia de racismo ni en los guiones ni en el comportamiento de los directivos de la institución del Upper East Side en Manhattan, en 2019 el museo neoyorquino decidió contratar a Ashley James como curadora asociada de arte contemporáneo, lo que la convirtió en la primera curadora negra a tiempo completo en la historia del museo inaugurado en 1937.

Luego de las protestas antirracistas del movimiento Black Lives Matter, que se desencadenaron en Estados Unidos después del asesinato de George Floyd a manos de un policía en Minneapolis, en varias instituciones artísticas, públicas y privadas, comenzaron a aflorar interrogantes acerca de los modos dominantes de representar la historia y el presente del arte universal. Beckwith será la primera curadora negra en ocupar el puesto de subdirectora en el Guggenheim.

Richard Armstrong, actual director del Guggenheim, hizo pública su satisfacción por el nombramiento de Beckwith mediante un comunicado. “Con sus logros altamente respetados, sus investigaciones que contribuyen a revisar el canon de la historia del arte y proyectos creativos que conectan a los artistas de hoy con audiencias en crecimiento, Naomi Beckwith será una líder catalizadora para nuestro destacado equipo curatorial”. Aunque en la Argentina la cuestión del antirracismo comienza a ser considerada en las instituciones artísticas, hay que hacer un gran esfuerzo por recordar alguna muestra centrada en las obras de artistas afrodescendientes nacionales o extranjeros. En 2019, la subsecretaría de Cultura de San Isidro organizó en el Museo Pueyrredón la muestra [In]Visibles, sobre el legado de la cultura afro en el país, que incluía obras de arte.

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