Los espacios liminares: Una conversación con Daniel Sprick
por Elana Hagler
Mientras saco en mi coche, lo primero que noto es lo fuera de lugar que mi destino parece en este barrio típico, urbano Denver. Ubicado entre las calles más grandes con su mayoría de ladrillo y un poco de estuco, uno o dos pisos de la tienda no coinciden frentes, gasolineras, bares y plazas de aparcamiento, se encuentran las calles arboladas más pequeños con terracota de colores, bungalows Denver inequívocamente y algunas pequeñas empresas intercalados con tres o cuatro edificios de apartamentos pisos. Y se eleva sobre todo esto son dos relucientes, rascacielos contemporáneos que parecen haber perdido su camino desde el centro de la ciudad real (una milla o así al oeste) y, cansado y desconcertado en sus entornos no familiares, decidieron plop sí por alguna necesario R y R en el mismo borde de la masiva y verde parque de la ciudad. Entro en el edificio cercano, lleno de expectativas para mi visita con el pintor Daniel Sprick.
Un conserje mayor me informa que Daniel me espera y me hace pasar a través del vestíbulo del ascensor, donde se inclina para darme acceso a la planta derecha. puerta de Daniel es abierto y que él llama mi nombre en el saludo que me asomo por dentro.Daniel está vestido de manera informal y de voz suave mientras me acoge y me lleva por un pasillo largo en el corazón del espacio, una habitación grande, luz unido a una cocina abierta, iluminada por una enorme pared de cristal con vistas a los árboles y campos abiertos del parque de la ciudad. Las paredes están llenas de una amplia muestra de su llamativa, muy resuelto y animada retratos, yuxtapuestos contra máscaras aborígenes angulares y feroces.
Daniel era lo suficientemente amable para ofrecer una crítica de algunas de mis pinturas más recientes, además de aceptar hacer esta entrevista conmigo, así que va a incluir primera parte de su consejo referente a mi trabajo, que me siento también podrían ser más universalmente útil. Antes de dar ningún consejo específico, Daniel aclara donde todo viene de: "Esencialmente, sólo puedo decir lo que yo haría si estuviera pintando. Por lo tanto, eso es sólo una advertencia acerca de la forma en que criticar el trabajo. Debido a que lo que haría es consistente con mis prejuicios ".
Daniel Sprick en su estudio - Foto por Elana Hagler
"Bird Skeleton" de petróleo y de mesa de 12 "x 9" - 2004
Puedo entender por completo de dónde viene con de esta advertencia. Dar y recibir la crítica puede ser un asunto delicado. He estado en ambos extremos de este proceso durante varios años, y sé que cuando un pintor de gran reputación y / o fuertes convicciones está dando una crítica, no puede haber una gran tentación de leerlo como un dogma, y a continuación, algunos estudiantes pueden adoptar por completo este "dogma" y en poco tiempo comenzará a hacer pequeños cuadros imitadores, y algunos estudiantes pueden ver esto como una imposición de las preferencias de otra persona más de su propio en una especie totalitaria del camino, y pueden sentirse muy ofendido . Debido a estas posibilidades, he visto instructores que son tan tímidos para hacer valer cualquier preferencias formales en absoluto de que prácticamente nada se dice en la crítica. Después de haber existido el tiempo suficiente artistas, me he encontrado a menudo el artista de mierda que está más allá brillante en atar largas cadenas de palabras que suenan filosóficas que juntos suman notablemente diddly-squat. Sostengo que más a menudo elegimos (cuando la elección es realmente depende de nosotros) para aprender de las personas cuyos sesgos de alguna manera hablar con nosotros, y siempre que no vamos a cualquiera de culto o inmediatamente ignorar su consejo, podríamos de hecho crecer a partir de él! Como dijo Daniel, "El estilo es nada más que una colección de hábitos." Creo que es a través del proceso de comprensión de los prejuicios de la gente y luego ver dónde estamos en relación con ellos, que venimos cada vez más para crecer en nosotros mismos. Bueno, eso y de alguna manera sobrevivir mientras profundamente experimentar la montaña rusa que es la vida.
Mis últimas pinturas han tendido a ser más en los rangos de los valores medios, y Daniel sugerido, "En algún lugar de la pintura que me gustaría ver a un negro puro fuera del tubo, un agujero negro. Y por el contrario, me gustaría ver algún lugar algo casi blanco puro fuera del tubo. Es lo que me dijo una vez que un artista: utilizar toda su gama de colores. Fue Wilson Hurley, que era un pintor de paisajes fenomenal y describió que esto no significa que usar todo lo que tienen por igual , puede ser sólo un milímetro cuadrado y, de hecho, no significa que usted siempre tiene que, debido a que, si hay una considerable cantidad de color que usted puede no querer ir todo el camino a blanco y negro, porque entonces se va a conseguir estridente. Estos no son con una amplia gama cromática, y por eso creo que se lo puede permitir ".
Apuntando a un búho de cerámica situado entre algunas hojas de álamo, dijo Daniel, "estoy buscando un lugar para conseguir real brillante, un punto culminante en alguna parte ... algo puro blanco. A menudo, voy a poner cáscaras de huevo en la pintura. La gente piensa: "¿Cuál es el simbolismo del huevo? Nacimiento, y todo ese tipo de cosas.Pero la verdadera razón es que necesito algo que es de color blanco brillante, o tiene un borde afilado, o ambas cosas. "Es curioso, ¿con qué frecuencia las personas tratan de arrebatar las razones psicológicas más profundas y filosóficas detrás de cualquier decisión artística particular, cuando el artista puede haber sentido que era el equivalente pictórico de añadir una pizca más de sal.
Creo que el pequeño consejo que Daniel ofreció la que estoy tomando más en serio es: "Cuanto más se puede disminuir bordes, más eficaz que los restantes lo serán." Luego procedió a señalar las áreas específicas en mis pinturas donde podría haber ablandado o prácticamente erradicado algunos bordes, así como algunas zonas de sus pinturas, donde él había hecho con éxito precisamente eso. En cuanto a la técnica de aplicar esto, dijo Daniel, "Sin embargo, puede lograrlo: con un esmalte, scumble. Puedo lograr lo más posible con acristalamiento porque eso es lo que llamo la fruta madura. Es rápido y fácil e intento de lograr cosas de la manera más fácil primero y luego si eso no funciona, que recurren a métodos más difíciles.
En este punto, dejé mis pinturas, reinicia la aplicación de grabación en mi iPhone, y puse a la empresa de bienes a la mano: Daniel salpicando con mis preguntas
Elana Hagler: ¿Qué logros de otros pintores, ya sea histórica o contemporánea, inspirar y mover más?
Daniel Sprick: Bueno ... casi no puedo separarme de la historia del arte. Por lo tanto, sólo para comenzar con, algunos de mis obras de arte favorita que se ha hecho nunca sería renacimiento del Norte y del renacimiento italiano. Y fue hecho con tal convicción completa, además de la calidad técnica extraordinaria. Está hecho, creo, con una creencia real palpable en la importancia de la obra. Me refiero a los años 1400, la construcción de hasta Hans Holbein-que sería 1550, 1520, algo por el estilo. Además, Vermeer ha sido realmente interesante como una guía para mí. Al principio de mi pintura, he pintado un montón de interiores y naturalezas muertas. Ahora, creo que tanto la pintura barroca y la pintura del renacimiento son las normas para mí en términos de profundidad y sinceridad. Pintaron sin límite en la cantidad de trabajo que puede tomar para lograr. También hay una gran cantidad de pintura del siglo 19 que me encanta, sobre todo estar en la categoría de lo que se llama a la escuela naturalista, lo que sería, por ejemplo, Jules Dupré y Pascal Dagnan-Bouveret. De hecho, un buen número de artistas cuyos nombres son realmente muy oscura. En esa categoría, hay cosas que me gusta y eso es probablemente lo que pinto más como que cualquier otra cosa. Mis pinturas tienden a ser más del siglo 19 que mira, a pesar de que estoy en el amor con el Renacimiento. Pero, en realidad, tiendo a pensar en lo que hago, aunque está firmemente enraizada en la tradición académica que data del Renacimiento, es parte de nuestro tiempo. Y estoy cómodo con eso, que no es simplemente anacrónica, pero que es en sintonía con nuestro tiempo. Y no sólo la forma en que las personas o los objetos se ven ahora tampoco, pero la sensibilidad de nuestro tiempo. Pero, por supuesto, esas son las cosas más intangibles que son un poco difíciles de cuantificar.
EH: Si tuviera que describir la sensibilidad de nuestro tiempo, ¿cómo hacer eso? En la medida en que se refiere a sus pinturas ...
DS: ¿Puede alguien? No sé ... ¿cómo lo describirías?
EH: Oh, Dios mío ... Creo que hay algo de artificio que estamos tan conscientes.
DS: Eso podría ser bueno o malo.
EH: Sí, creo que la gente podría utilizarlo sin embargo. Pero la conciencia del plano del cuadro, la conciencia de la artificialidad en la pintura, sino también el sentido de las cosas que tienen sustancias y otras cosas que son principalmente superficiales y vaciando de contenidos, los temas de la ironía y sinceridad, creo que estas son las cosas que son muy contemporáneo para mi.
DS: En realidad esa pregunta podría ser dos cosas: ¿Qué es contemporánea en el arte y lo contemporáneo en la vida?
EH: Creo que preguntaba específicamente qué es lo que usted siente que sus trabajo impacta en la que es contemporánea.
DS: Bueno, que puedo describir sólo con palabras que no son específicos, tales como "sensibilidad" y "sensación", ese tipo de palabras no significan nada, pero yo no tengo otras palabras para su uso. La sensibilidad de nuestro tiempo ... no es la sensibilidad del artista.
EH: Para mí, cuando miro a su trabajo, hay algo en el hecho de que la belleza siempre se empareja con tanto esta delicadeza y esto real dureza, que creo que es maravilloso y hace que la clase de los cuadros un poco más picante. Para mí eso es un modo más contemporánea de trabajo. No creo que eso sea necesariamente todo lo que hay, pero eso es una cosa que salta a mí.
DS: Bueno, esos dos opuestos son parte del todo. Eso es parte de por qué me gustan las artes tribales ... que han crecido en mí más y más en los últimos años. Es este tipo de expresión prima del arte, que en realidad es lo contrario de mi propio trabajo, que es un poco delicado y controlado. Hay esta energía animal y eso es lo que realmente me atrae a la misma. Creo que tal vez esa energía llega a la región de la pintura que son una especie de caótica mirando, supongo; expresivo.
EH: Creo que sí. Ya sabes, siempre he estado interesado personalmente en polaridades y la forma en que manifiestan en las pinturas. Y pienso para mí, por lo que gran parte de la fuerza de su pintura que proviene de la yuxtaposición de las polaridades, de esta intensa dureza y tipo de cosa primordial, por un lado y luego este esmalte muy sofisticados, por otra parte.
"Sacapuntas" del petróleo y de mesa de 12 "x 9" 2005
DS: Bueno, gracias, y la dualidad es cómo interpretamos el mundo en el que vivimos ... cómo expresamos ... eso es todo lo que tenemos para expresar con. Ya sabes, caliente y fría y luz y la oscuridad suave y agudo. Eso es lo que expresamos a través de la pintura.Y se podría pensar que se ha hecho desde la época del Pleistoceno, que ha sido completamente agotado por ahora, pero en realidad no lo ha ... aún hay más que podemos hacer.
EH: Por lo tanto, hay esperanza.
DS: Usted sabe qué, que va a ser mucho más después de nuestra generación, también.Simplemente no va a agotarse. Ya sabes, en el siglo 19, algún crítico de música, un crítico de música muy bien, llegó a la conclusión de que todas las notas que estaban disponibles se habían utilizado. Por lo tanto, según él, no habría más música nueva. Y esto fue en el siglo 19!
EH: Eso es muy divertido.
DS: Es. Y él no era un maniquí ... no era más que incorrecto en su observación. Es cierto, se han utilizado todas las notas.
EH: Bueno, no son las notas-es las combinaciones.
DS: Sí. Y después de que se hace infinita, por lo que no agotarlo. Deseo que viviría lo suficiente para ver lo que la próxima generación de pintores realistas que va a hacer, pero sólo vamos a vivir a lo largo de la duración de su propia generación, de modo que está pidiendo un poco demasiado.
"Paisaje y Pensamientos" del petróleo y de mesa de 24 "x 30" - 2003
EH: ¿Podría decirme cuáles son sus preocupaciones formales son más importantes cuando pintas?
DS: Bueno, buen dibujo. Y buen dibujo no significa necesariamente que precisamente exacta. Aunque me esfuerzo para la exactitud en el dibujo, no es completamenteexacta. Pero, al mismo tiempo, donde no es exacta, creo que adquiere una cierta expresividad esa es la razón por la que vale la pena hacerlo. La expresión es todo el propósito. De lo contrario, se puede hacer obra realmente técnicamente correcto que no tiene vida. Quiero expresar ese nivel de emoción que es significativo para otras personas además de mí mismo. Para mi primera , sino a otras personas, también.
EH: Cuando visité su sitio web, he visto que no eran en su mayoría naturalezas muertas que aparecen, y cuando he estado aquí en su estudio durante las visitas, he estado maravillaban de todas estas increíbles retratos y figuras que tiene hasta en la pared, y me preguntaba si puede hablar un poco sobre- bits.
DS: Bueno, el sitio no ha sido actualizado en unos 10 años ... 9 años, de todos modos.Siempre he hecho retratos y figuras en las clases de dibujo de la vida que he enseñado y atenderá a través de, probablemente, de 30 años, lo que en realidad tienen acceso a un modelo cada semana. Y a veces dos modelos a la semana. Por lo tanto, siempre he tenido mi mano en ella. Y tengo montañas de dibujos en carboncillo que le muestre y pequeñas pinturas de modelos y así sucesivamente. Pero lo que ha hecho una gran diferencia para mí es la versatilidad que la fotografía tiene ahora que nunca antes había tenido. Y es que las imágenes digitales para ser capaz de corregir las deficiencias de la fotografía. Puede hacer que se vea tan parecido a la imagen original en la vida. Por lo tanto, creo que la fotografía es una herramienta mucho más útil ahora de lo que era. A pesar de que se utiliza ampliamente en el siglo 19, por los artistas que he mencionado, por ejemplo, Jules Dupré, el bretón, Bouveret. Es más útil ahora de lo que era. Es muy divertido para mí el que tantos artistas desprecian públicamente el uso de fotos, pero el uso privado de ellos.
EH: Me alegro de que se refirió a eso, porque eso es una gran cosa hoy en día.
DS: Oh, lo es. Y ha sido el tiempo que he estado pintando ... mucho antes de que las imágenes digitales llegó. Era una muleta, o no sería posible hacer una buena obra de arte a partir de fotografías. Pero si se estudia de cerca el trabajo de los que traen la vida, la imaginación, la creatividad, la energía a la misma, se puede hacer un gran trabajo. Es una herramienta muy útil para los artistas. Lo que ha dicho el día de hoy es cierto, sin embargo: es un verdadero escollo cuando una pintura no excede de una fotografía. Realmente no me gusta pinturas que parecen fotografías y me esfuerzo para evitar que en mi propio trabajo.
EH: Por lo tanto, para los pintores jóvenes que optan por utilizar las fotografías, ¿qué consejo le daría a prevenir su trabajo de ser sólo una copia o algo que es muy duro y sin vida?
DS: Probablemente, hacer exactamente lo que está haciendo: pintar un montón de naturalezas muertas de la vida. Y la pintura de paisajes y retratos y figuras, si es posible.Porque hay que entrenarse para ver de esa manera y conocer cómo el mundo mira a través de la observación directa. La única forma real, creo, para aprender es mediante la práctica de la misma. Como decía antes, he pintado por alrededor de casi cuarenta años y sólo he estado usando este monitor de la computadora para quizás los últimos tres o cuatro años. Así que es una cosa real reciente para mí ... y yo era como mucho de un agitador en oposición a la fotografía como cualquier persona por año. Por lo tanto, me sorprendió por completo cuando empecé a mirar las imágenes en los monitores de ordenador, y el ajuste de contrastes, rellenando las sombras oscuras y atenuando las luces brillantes; he sido sorprendido por lo útil que es. He alterado completamente mi propia posición al respecto.
EH: Eso es muy interesante escuchar. Usted sabe, hay muchos pintores jóvenes, incluido yo mismo, que han sido disuadidos de la pintura realista en varios puntos de nuestra educación-.
DS: Aún así?
EH: Sí, todavía ... absolutamente.
DS: Porque eso es lo que me estaba pasando. Quiero decir, cuando yo era estudiante, y tuve que finalmente acaba de bloquear todo eso, porque sabía lo que quería hacer. Y si se va a encontrar su camino en la corriente principal de la crítica de arte contemporáneo o no ... Lo siento interrumpí su pregunta.
EH: Todo lo que estaba diciendo es que, debido a que muchas personas todavía están siendo objeto de que el estigma, como en, el realismo es la única cosa que realmente no se puede hacer con el fin de ser válida en la pintura, ¿verdad? Es por eso que es especialmente gratificante ver a alguien como tú, que lo está haciendo, y hacerlo en un nivel tan alto, tanto técnica como emocionalmente.
DS: Gracias. Me sorprende que todavía está pasando. Pero era algo que enfrenté en gran medida. He encontrado estas entradas contradictorias muy confuso y he perdido muchas horas de sueño a mí mismo más de lo que es "válida" y lo que no es, y así sucesivamente.
EH: Parece una pregunta tan tonta, de verdad.
DS: Es.
EH: Una vez que estás fuera de la escuela y tratando de hacer lo que haces .... ?
DS: Sí, es un desperdicio de energía. Ya sabes lo que, sólo confía en sus instintos, por el amor de Dios. Si se siente bien a usted, si se siente honesto, entonces eso es lo que debería estar haciendo. Y que había necesidad de hacer caso omiso de lo que es genuino y verdadero para usted ... ¿cómo puede ser natural en absoluto? Simplemente no podía hacerlo, sería una pretensión: sería completamente disingenuos.
EH: Hay esta percepción, se enseña en las escuelas de arte y varias universidades, que si alguien está pintando de manera realista o de alguna manera que se considera pulido que es porque están tratando de complacer a un público determinado en lugar de complacer a sí mismos. He descubierto que para todos aquellos estudiantes (como yo y como, imagino, usted) que entró y se acaba tomada por las apariencias visuales de las cosas y quería pintar de la vida, quería explorar la manera en que las cosas se veía y superficies y todos estos cosas, es exactamente lo contrario. Nos gustaría ir lejos de nuestras propias inclinaciones naturales para ajustarse a profesores o críticos nociones de lo que era o no una búsqueda de mérito.
DS: El hecho de que fue llevado a un alto nivel en el Renacimiento, el Barroco, y por medio del siglo 19, esto no significa que está agotado.
EH: ¿Tiene alguna idea sobre lo que está sucediendo ahora en la pintura y en el que podría estar pasando?
DS: Bueno, es un campo tan amplio. Hay tantas categorías de pintura. Digamos que la pintura específicamente representacional de la tradición académica. Veo un montón de gente con talento que no estaban a su alrededor antes ... jóvenes que se encuentran en el fuego y eso es emocionante para mí. Te he cortado antes de la escuela de arte y lo que estabas diciendo?
EH: Estaba pensando acerca de cómo ahora no ha empezado a ser este resurgimiento en el realismo, pero parece estar limitada principalmente a talleres y cosas por el estilo y no es realmente darle ninguna credibilidad real en muchas universidades-en su mayor parte, hay hay algunas excepciones.
DS: Creo que eso está cambiando. Ellos quieren satisfacer la demanda ... que probablemente están perdiendo estudiantes. Yo diría que los jóvenes quieren ser desafiados. Habían entrar y ver obras de arte que no tiene ningún sentido para ellos y no requiere ninguna habilidad para ejecutar y que van a pensar: "Bueno, tal vez voy a ir sea un abogado o un médico." Tengo la sensación eso es lo que está pasando con una gran cantidad de personas jóvenes y brillantes. Y la otra cosa que decías de instructores que desalientan esa dirección. Bueno, hay un trasfondo de verdad inconsciente que ocurre a veces (no estoy diciendo "siempre") que a veces cuando un instructor no ha tenido éxito en su misión en el arte, él o ella no quiere que los estudiantes a cualquiera.Eso podría ser un componente del desalentador.
"Hacha y manzanas" del petróleo y de mesa de 16 "x 12" - 2001
EH: Probablemente subconsciente, les daré el beneficio de la duda.
DS: Realmente subconsciente. Hay una película llamada "El arte de estrangular."
EH: Sí, me encanta. Y me pareció que era tan increíblemente precisa. La secuencia de apertura, en particular, es histérica. (Una vez me mostró la película de Stuart Shils y su esposa y su hijo pequeño. Hacía un par de años desde que había visto y me había olvidado cómo eran las piezas crudas y explícitas de ella, y ahí estaba yo, que lo muestra a una niño. me pasé todo el tiempo sonrojando furiosamente, mientras que mis huéspedes eran muy divertido.)
Hace poco vi el vídeo de la entrevista con el Museo de Arte de Denver. Me pareció que estaba muy bien hecho y mostró un montón de cosas interesantes en términos de su proceso y la forma en que sus pinturas se desarrollan. Además, lo que tenía que decir era muy perspicaz. Pero simplemente me dejó preguntando, ¿hay algo acerca de la pintura o de la vida del artista que quería hablar y no ha tenido la oportunidad, que crea que puede ser útil para las personas que escuchan?
DS: Sobre todo, cuando hablo de la pintura, sobre todo en las clases de arte, me refiero a cosas técnicas. Porque para mí, sin embarcación no puede ir a ninguna parte. Eso es esencial, por lo que es lo subrayo. Eso es lo que la gente quiere y necesita.
EH: Es como un vocabulario que usted podría entonces utilizar para decir realmente algo.
DS: Así es ... eso es muy bien dicho. Creo que el resto de ella, cosas tales como el gusto, la discreción, declaraciones, los que tienden a ser tácito. Eso es lo que espero para inspirar en ellos. Lo que veo que sucede en los muy talentosos pintores realistas jóvenes de hoy en día (algunos de ellos son bastante maldito impresionante) es que no puede haber un cierto déficit en la discreción y el gusto y el exceso de sentimentalismo.( Puntos en una pintura de una madre y su hija. ) Eso es probablemente lo más sentimental que he hecho. Y se sentía como que iba a salir en una extremidad ... Voy a salir en una extremidad. Pero, ya sabes, Madonna y niño, lo que podría ser más auténticamente humana que eso?
EH: Absolutamente.
DS: pensé que es una parte profunda real de nuestra existencia y voy a probarlo, incluso a riesgo de sentimentalismo.
EH: En cuanto a mí, he encontrado que durante mucho tiempo me daba miedo de ser demasiado sentimental o excesivamente emocional en mi arte y realmente me limitada.Es decir, claro, también tengo una reacción negativa cuando algo está muy por encima de la parte superior, cuando algo es demasiado sacarina, pero creo que tenía tanto miedo de siquiera tocar a ese tipo de territorio emocional que dejé demasiadas puertas sin abrir y que están empezando a abrir ahora, por primera vez. Por lo tanto, me alegra saber que usted está tratando de cosas que a primera vista podría parecer que ser demasiado sentimental y luego te das cuenta de que hay todo un mundo por explorar dentro de ese.
DS: No hay. Una de las cosas que me gusta hacer como artista es desafiar mis propias ideas preconcebidas.
EH: Eso es un gran problema.
DS: ( . Los gestos hacia la pintura de la mujer en un sombrero sonriendo ) Yo nunca he pintado a alguien sonriendo, así que voy a pintar a alguien sonriendo.
EH: Pero, tengo que decir, esa es la sonrisa más espeluznante!
DS: espeluznante?
EH: Es!
DS: No estaba destinado a ser. Que estaba destinado a ser sencillo.
EH: Hay algo en él, sin embargo.
DS: ¿Qué?
EH: No sé si es algo que puedo articular, pero hay algo en el gesto, la postura, la oscuridad debajo del borde del sombrero, y esa sonrisa apenas se asoma desde debajo de allí, que me da escalofríos una un poco.
DS: Los escalofríos-en el buen sentido o malo?
EH: Oh, los dos! No, no, yo no creo que sea de mala manera, en absoluto.
DS: Para mí, lo que realmente está pasando es decir, que es una gran sonrisa con dientes. Parte de la manera que pensé que podría contener que era tener en la sombra.Si esos dientes eran muy brillantes que se saltan realmente. Escucha, creo que tengo que toda la cabeza demasiado oscuro.
Barry y Jacqui de Petróleo y Junta de 30 "x 24" - 2001
Trailer Park Petróleo y del Consejo de 12 "x 18" - 2000
EH: ¿Sabes lo que creo que es? Creo que es el hecho de aspecto en el que más cerca ahora, creo que es el hecho de que gran parte de la diferencia entre una sonrisa y una mueca o el desnudar de los dientes, se ocupa de lo que el resto de la cara está haciendo al mismo tiempo, . Ya sabes, la expresión en los ojos. Y debido a eso es oscurecida por la sombra, a causa de toda esta ambigüedad al respecto existe, que nos hace sentir un poco inseguro ... lo cual no es en absoluto una mala cosa.
Ah, y otra cosa que quería preguntarle acerca de que te hablé un poco sobre la última vez que estuve aquí, es su elección de fondo. Es este tipo de campo brillante, de color ligeramente amarillo, pálido que, para mí, una especie de guarda todos los datos en este espacio liminal, una especie de en medio, ni aquí ni-no-....
DS: Sí, eso es lo que es.
EH: Tal vez en algún lugar entre lo físico y espiritual, algo por el estilo.
DS: Usted sabe, es un estado de vacío. Para mí, es una luz que envuelve, y tiene que ver con la experiencia de otras personas, una experiencia que no he tenido y no quiero tener ... y esa es la experiencia cercana a la muerte. Pensaste en eso?
EH: se me había ocurrido.
DS: La gente describe estar envuelto por la luz brillante. Y de nuevo, no tengo ningún interés en tener una experiencia cercana a la muerte, pero estoy intrigado por aquellas historias que son muy consistentes. Prácticamente todos los que han tenido la experiencia de que cuenta la misma historia. Sin embargo, las pinturas pueden no encontrarse así en absoluto a otras personas, y eso está bien; que no necesitan. Y puede ser más eficaz en algunas pinturas que en otros. Es la envolvente de la luz que tipo de tiene que ver con eso.
EH: Una especie de abrazo ....
DS: Hay una pintura de Andrew Wyeth llamada 'Revenant'-que es una especie de un fantasma que está envuelto en una luz blanca.
Pollo esqueleto "del petróleo y de mesa de 20" x 16 "2004
EH: Creo que una de las cosas que la pintura hace por mí que es tan importante el movimiento y es que muchas veces se intenta encarnan en el algo físico que es no corpórea. Algo que es tan increíblemente difícil de alcanzar, y aquí estás, trabajando con estos materiales que el lienzo, las pinturas, el cepillo y tratar de traducir de alguna manera eso y es muy difícil, pero tal empresa vale la pena hacerlo.
DS: No creo que siempre lo consigo. Creo que a veces ... a veces .... E incluso si esto no se logra, todavía puede ser una buena pintura.
EH: Absolutamente.
Bien, gracias, esto era simplemente maravilloso. Realmente aprecio tu tiempo. Su trabajo es hermoso y es muy bueno escuchar sus pensamientos.
DS: Tengo que decir, que es bastante interesante para mí que usted pensó que los mundos de mundo-entre-, con la luz que envuelve. No sé si alguien más ha sugerido que.
EH: Bueno, me hace pensar en esa carta que el poeta Rilke (que era el amante de Balthus madre, Baladine) escribió al joven Balthus acerca de los espacios liminares, con respecto a Balthus cumpleaños, que cayó el 29 de febrero.
Rilke en 1921 en el Crac:
Hace muchos años conocí a un escritor Inglés en El Cairo, un tal señor Blackwood, quien en una de sus novelas avanza una hipótesis bastante atractivo: afirma que a la medianoche se aparece siempre una pequeña rendija entre el día en que termina y comienza el día, y que una persona muy ágil que logró insertarse en que la ranura pueda escaparse de tiempo y encontrarse a sí mismo en un reino independiente de todos los cambios que tienen que soportar; en tal lugar se reúnen todas las cosas que hemos perdido (Mitsou, por ejemplo) ... muñecas rotas de los niños, etc, etc ...
Ese es el lugar, mi querido B., en la que se debe insertar a sí mismo en la noche del 28 de febrero con el fin de tomar posesión de su cumpleaños, que está oculto allí, saliendo a la luz sólo cada cuatro años! (Piensa en lo desgastado, en una exposición de los cumpleaños, de otras personas podrían compararse con éste de la suya que es tan cuidadosamente cuidada y que se retira solamente a intervalos largos, muy resplandecientes, desde su escondite.)Mr. Blackwood, si no me equivoco, llama a esta hendidura secreta y nocturna del "Crac" ...
Esta discreta cumpleaños, que la mayoría de las veces habita un espacio extraterrestre sin duda le da derecho a muchas cosas desconocidas aquí en la tierra (me parece más importante y más exótico que el tío de Brasil). Lo que deseo para ti, mi querido B., es que usted será capaz de aclimatación algunas de estas cosas en nuestro planeta para que puedan crecer aquí, a pesar de las dificultades de nuestras estaciones de incertidumbre.
citado en Nicholas Fox Weber Balthus: Una Biografía, . Alfred A. Knopf, Nueva York, 1999, pp 84-5
EH: Y Balthus tan a menudo parecían pintar sus figuras en una luz crepuscular que realmente se intensificó los colores. Ya sabes, la forma en que los colores se hacen tan mucho más rica justo antes de que el sol se pone, en el momento entre el día y la noche. Y también, que está tratando de atrapar ese momento difícil de alcanzar entre la niñez y la condición de mujer, así que va después de los puntos de transición de verdad, y eso es lo que pensaba de también cuando miraba a su trabajo de una manera diferente, por supuesto.
Bien, muchas gracias por hacer esto!
DS: Sí, claro, de nada. Y gracias.
Daniel Sprick nació en Little Rock, Arkansas. Estudió en la Escuela de Arte Froman y la Academia Nacional de Diseño y recibió su BFA de la Universidad del Norte de Colorado en 1978. Su amor por el dibujo y el desarrollo de sus técnicas de pintura de aceite comenzó a la edad de 4, con influencias derivadas en la medida de de nuevo como Robert Campin y Roger Van de Weyden. Sprick ha realizado numerosas exposiciones individuales, ha participado en numerosas exposiciones colectivas, y tiene su trabajo en colecciones públicas y privadas en los Estados Unidos y en el extranjero. En la actualidad está representada por la Galería Arcadia en Nueva York
Daniel Sprick en su estudio - Foto por Elana Hagler
Fuente
http://paintingperceptions.com
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