Zenon Sansuste Zapata

Zenón Sansuste Zapata, naciò el 20/02/1962 en Catavi Prov. Bustillos-Potosí.Artista Plástico (Pintor-Escultor) ESTUDIOS Y TRABAJOS DESTACADOS 1981 A 1983 Escuela Superior de artes Plásticas “Raúl G. Prada” 1987 a 1990 es Artista Libre en Ecuador y Colombia 1996 Pintura Mural (al fresco, esgrafiado, acrílico, etc.) Seminario Taller, dictado por el Maestro Ponciano Cárdenas. Cochabamba-Bolivia. 1996 A la fecha cuenta con más de 50 exposiciones individuales e incontables exposiciones colectivas tanto nacionales como internacionales. La obra de este artista se encuentra en distintos países en colecciones particulares. 10 retratos en el Palacio de Gobierno (Galería de los Presidentes) Pinacoteca de la Casa de la Cultura de Cochabamba-Bolivia. Mural en el Colegio Don Bosco (Cbba.) Colecciones Particulares en Ecuador, Colombia, México, E. E. U. U., Europa, etc. 2000 Enero, Mural de 30 m2 en el Colegio Don Bosco de Cochabamba-Bolivia. 2001 Mural de 68 m2, colegio Don Bosco. 2002 Certificado de participación en el “1er. Congreso del Color” otorgado por la Universidad Católica Boliviana, San Pablo y la Asociación Boliviana del Color. 2003 Mural 9m2 en la Escuela Evangélica Buenas Nuevas. 2004 Cristo Pintado sobre plancha 3m. X 2.40 m.Villa Tunari. DISTINCIONES 1984 2do. Premio Concurso “Escuela de Artes Plásticas” Cochabamba. 1985 Diploma de Honor en el 1er. Concurso de Pintura “Semana de Mayo” auspiciado por el Consulado Argentino en Cochabamba. 1991 2do. Premio en el XXIV Salón Municipal Nacional 14 de Septiembre de Artes Plásticas (técnica, pintura), Cochabamba-Bolivia. 1991 4to. Lugar del grupo de 6 artistas elegidos en le Concurso Nacional de Retrato para la Galería de Retratos de los Presidentes de Bolivia. (Premio: Adjudicación de Contrato de 10 cuadros) 1992 Gran Premio Nacional con la técnica de pintura al óleo en el XXV Salón de Artes Plásticas 14 de Septiembre-Cochabamba. 1993 Primera Mención en la Especialidad de Pintura en el XLI Salón Nacional “Pedro Domingo Murillo” La Paz-Bolivia 1993 Primera Mención en la Especialidad de Acuarela en el XLI Salón Nacional “Pedro Domingo Murillo” 1993 2° Premio Dibujo, XXVI Salón de Artes Plásticas 14 de Septiembre, Cochabamba-Bolivia. 1994 Primer Premio Nacional en la técnica de Pintura y 1er Premio Adicional XXVI Salón de Artes Plásticas 14 de Septiembre. 1995 Gran Premio Nacional en la versión, Salón Nacional 14 de Septiembre. 1996 Jurado en el Salón Nacional 14 de Septiembre. Concurso de Pintura versión XXX Cochabamba-Bolivia 1999 Electo Presidente de la Asociación Boliviana de Artistas Plásticos filial Cochabamba, gestión 1999-2000. 2000 Invitado al Primer Encuentro de Artistas jóvenes Latinoamericanos, programa “NEXO”, del Convenio Andrés Bello en la Ciudad de Bogota-Colombia. 2000 Medalla al Merito y Logros Como Presidente de la ABAP filial Cbba.,otorgado durante el VIII Congreso Nacional de la Asociación Boliviana de Artistas Plásticos; Salón de Arte Contemporáneo Santa Cruz el 9 de Septiembre del 2000. 2001 Ganador del Concurso de Meritos para ocupar el Cargo de Docente del Taller de Pintura en la Escuela Superior de Artes Plásticas “Raúl G Prada” Cbba. 2001 Paleta de Plata al Merito Artístico y Logros como directivo, Otorgado por la Asociación de artistas Plásticos filial Cochabamba, durante el Salón de Invierno. 2001 2° Premio en Pintura en el XXXIV concurso Nacional de Artes Plásticas “14 de Septiembre” 2001 1ª. Mención Honrosa Concurso Nacional de Artes Plásticas “Cecilio Guzmán de Rojas” Potosí. 2002 2° Premio en el Concurso Internacional de Artes Plásticas del IX Festival Internacional de la Cultura “Mauro Núñez Cáceres” Sucre. 2003 Primer Premio Paleta de Salón de Verano auspiciada por ABAP y la fundación Marcelo Quiroga Santa Cruz. 2003 al 2005 Reconocido por la Gobernación de Providence Plantations Rhode Island E. E. U. U., por su contribución al Arte Visual Latinoamericano. 2004 1er. Premio Concurso Nacional de Acuarela Cochabamba-Bolivia. 2004 Premio Único (Compartido) Concurso Nacional “Cecilio Guzmán de Rojas” Potosí-Bolivia. 2005 2do. Premio Concurso Nacional “Estampas de Totora” 2005 Conformó el Comité de Valoración de Arte y Estética Urbana de la ciudad de Cochabamba. 2006 2do. Premio Concurso Nacional de Pintura “Marcelo Quiroga Santa Cruz” 2006 1er. Premio Concurso Nacional “Estampas de Totora”. 2007 2do. Premio en Concurso Nacional de Pintura en Homenaje a los 401 años de la fundación de Oruro. 2007 1er. Premio en el Concurso Internacional de Pintura HÉROES LATINOAMERICANOS Y DEL CARIBE. Auspiciado por la Embajada de la República Bolivariana de Venezuela, premio adquisición (Zárate Wilka el Temible). 2008 Exposición en la casa dorada de la ciudad de Tarija 2009 Exposición en el museo plaza y paralelamente en la galería arte 21 de la ciudad de la paz Bolivia.

Zenón Sansuste Zapata, born on 02/20/1962 in Catavi Prov. Bustillos-Potosí.Artista Plástico (Painter-Sculptor) STUDIES AND HIGHLIGHTS 1981 TO 1983 Higher School of Plastic Arts "Raúl G. Prada" 1987 to 1990 is a Free Artist in Ecuador and Colombia 1996 Mural Painting (al fresco, graffiti, acrylic, etc.) Seminar Workshop, dictated by Maestro Ponciano Cárdenas. Cochabamba-Bolivia 1996 To date, it has more than 50 individual exhibitions and countless collective exhibitions, both national and international. The work of this artist is in different countries in private collections. 10 portraits in the Government Palace (Gallery of the Presidents) Pinacoteca of the House of Culture in Cochabamba-Bolivia. Mural at the Don Bosco School (Cbba.) Private Collections in Ecuador, Colombia, Mexico, E. U. U., Europe, etc. 2000 January, mural of 30 m2 at the Don Bosco School in Cochabamba, Bolivia. 2001 Mural of 68 m2, Don Bosco school. 2002 Certificate of participation in the "1st. Congress of Color "granted by the Bolivian Catholic University, San Pablo and the Bolivian Association of Color. 2003 9m2 mural at the Good News Evangelical School. 2004 Christ Painted on iron 3m. X 2.40 m.Villa Tunari. DISTINCTIONS 1984 2nd. Contest Prize "School of Plastic Arts" Cochabamba. 1985 Diploma of Honor in the 1st. Painting Contest "Semana de Mayo" sponsored by the Argentine Consulate in Cochabamba. 1991 2nd. Prize in the XXIV National Municipal Hall September 14 of Plastic Arts (technique, painting), Cochabamba-Bolivia. 1991 4th. Place of the group of 6 artists chosen in the National Portrait Competition for the Portrait Gallery of the Presidents of Bolivia. (Prize: Award of Contract of 10 paintings) 1992 National Grand Prize with the technique of oil painting in the XXV Salon of Plastic Arts September 14-Cochabamba. 1993 First Mention in the Specialty of Painting in the XLI National Hall "Pedro Domingo Murillo" La Paz-Bolivia 1993 First Mention in the Specialty of Watercolor in the XLI National Hall "Pedro Domingo Murillo" 1993 2nd Drawing Prize, XXVI Art Salon Plastics September 14, Cochabamba-Bolivia. 1994 First National Prize in Painting Technique and 1st Additional Prize XXVI Plastic Arts Salon September 14. 1995 National Grand Prize in the version, National Salon September 14. 1996 Jury in the National Salon September 14. Painting Contest XXX version Cochabamba-Bolivia 1999 Elected President of the Bolivian Association of Plastic Artists subsidiary Cochabamba, 1999-2000 management. 2000 Invited to the First Encounter of Young Latin American Artists, "NEXO" program, of the Andrés Bello Agreement in the City of Bogota-Colombia. 2000 Medal of Merit and Achievements As President of the ABAP subsidiary Cbba., Granted during the VIII National Congress of the Bolivian Association of Plastic Artists; Santa Cruz Contemporary Art Salon on September 9, 2000. 2001 Winner of the Merit Contest to occupy the position of Professor of the Painting Workshop at the School of Plastic Arts "Raúl G Prada" Cbba. 2001 Silver Palette for Artistic Merit and Achievements as a manager, awarded by the Association of Artists Plastic Cochabamba subsidiary, during the Winter Salon. 2001 2nd Prize in Painting at the XXXIV National Contest of Plastic Arts "September 14" 2001 1st. Honorable Mention National Contest of Plastic Arts "Cecilio Guzmán de Rojas" Potosí. 2002 2nd Prize in the International Plastic Arts Competition of the IX International Festival of Culture "Mauro Núñez Cáceres" Sucre. 2003 First Prize Paleta de Salón de Verano sponsored by ABAP and the Marcelo Quiroga Santa Cruz Foundation. 2003 to 2005 Recognized by the Governor of Providence Plantations Rhode Island E. E. U., for his contribution to Latin American Visual Art. 2004 1st National Watercolor Prize Contest Cochabamba-Bolivia. 2004 Unique Prize (Shared) National Contest "Cecilio Guzmán de Rojas" Potosí-Bolivia. 2005 2nd. National Contest Prize "Estampas de Totora" 2005 Conformed the Committee of Appreciation of Art and Urban Aesthetics of the city of Cochabamba. 2006 2nd. National Painting Competition "Marcelo Quiroga Santa Cruz" 2006 1st. National Contest Prize "Estampas de Totora". 2007 2nd. Prize in National Painting Competition in Homage to the 401 years of Oruro's foundation. 2007 1st Prize in the International Painting Competition HEROES LATINOAMERICANOS Y DEL CARIBE. Sponsored by the Embassy of the Bolivarian Republic of Venezuela, acquisition prize (Zárate Wilka el Temible). 2008 Exhibition in the golden house of the city of Tarija 2009 Exhibition in the museum square and in parallel in the art gallery 21 of the city of peace Bolivia.

Zenón Sansuste Zapata, né le 20/02/1962 à Catavi, province de Bustillos-Potosí.Artista Plástico (peintre-sculpteur) ÉTUDES ET POINTS SAILLANTS DE 1981 À 1983 École supérieure d'arts plastiques «Raúl G. Prada» de 1987 à 1990 est un artiste libre en Equateur et en Colombie 1996 Atelier de séminaire sur la peinture murale (al fresco, graffiti, acrylique, etc.), dicté par le maestro Ponciano Cárdenas. Cochabamba-Bolivie 1996 À ce jour, il présente plus de 50 expositions individuelles et d'innombrables expositions collectives, nationales et internationales. Le travail de cet artiste est dans différents pays dans les collections privées. 10 portraits au Palais du Gouvernement (Galerie des Présidents) Pinacothèque de la Maison de la Culture à Cochabamba-Bolivie. Peinture murale à l'école Don Bosco (CBBA). Collections privées en Équateur, Colombie, Mexique, États-Unis d'Amérique, Europe, etc. 2000 janvier, peinture murale de 30 m2 à l'école Don Bosco de Cochabamba, en Bolivie. 2001 Murale de 68 m2, école Don Bosco. 2002 Certificat de participation au "1er. Congrès de la couleur "accordé par l'Université catholique bolivienne San Pablo et l'Association bolivienne de la couleur. 2003 Peinture murale de 9 m2 à la Good News Evangelical School. 2004 Christ peint sur du fer 3m. X 2,40 m.Villa Tunari. DISTINCTIONS 1984 2e. Prix ​​du concours "Ecole d'arts plastiques" Cochabamba. 1985 Diplôme d'Honneur au 1er. Concours de peinture "Semana de Mayo" sponsorisé par le consulat d'Argentine à Cochabamba. 1991 2e. Prix ​​à la XXIVe mairie municipale le 14 septembre des Arts plastiques (technique, peinture), Cochabamba-Bolivie. 1991 4ème. Lieu du groupe des 6 artistes choisis au concours national de portrait pour la galerie de portraits des présidents de la Bolivie. (Prix: Attribution d'un contrat de 10 peintures) Grand Prix National 1992 avec la technique de la peinture à l'huile au XXV Salon des Arts Plastiques 14 septembre - Cochabamba. 1993 Première mention dans la spécialité de la peinture dans la XLI salle nationale "Pedro Domingo Murillo" à La Paz-Bolivie 1993 Première mention dans la spécialité de l'aquarelle dans la XLI salle nationale "Pedro Domingo Murillo" 1993 2e Prix du dessin, XXVI Art Salon Plastiques 14 septembre, Cochabamba-Bolivie. 1994 Premier prix national en technique de peinture et premier prix additionnel XXVI Salon des arts plastiques 14 septembre. 1995 Grand Prix national dans la version Salon national le 14 septembre. Jury 1996 au Salon National le 14 septembre. Concours de peinture XXX version Cochabamba-Bolivie 1999 Elu président de la filiale de l'Association bolivienne des artistes plasticiens Cochabamba, direction 1999-2000. 2000 Invité à la première rencontre de jeunes artistes latino-américains, programme "NEXO", de l'accord Andrés Bello dans la ville de Bogota (Colombie). 2000 Médaille du mérite et de réalisations en tant que président de CBBA, filiale de l’ABAP, décernée lors du VIIIe Congrès national de l’Association bolivienne des artistes plasticiens; Salon d'art contemporain de Santa Cruz le 9 septembre 2000. 2001 Lauréat du concours de mérite au poste de professeur d'atelier de peinture à l'école d'arts plastiques "Raúl G Prada" Cbba. 2001 Palette d'argent pour le mérite artistique et les réalisations en tant que gestionnaire, décernée par la filiale de l'Association des artistes en plastique Cochabamba lors du salon d'hiver. 2001 2e prix de peinture au XXXIVe concours national d'arts plastiques "le 14 septembre" 2001 1er. Mention Honorable Concours National d'Arts Plastiques "Cecilio Guzmán de Rojas" Potosí. 2002 2ème Prix du Concours International d'Arts Plastiques du IX Festival International de la Culture "Mauro Núñez Cáceres" Sucre. Premier Prix 2003 Paleta de Salon de Verano sponsorisé par ABAP et la Fondation Marcelo Quiroga Santa Cruz. 2003 à 2005 Reconnu par le gouverneur de Providence Plantations, Rhode Island, E. E. U., pour sa contribution à l'art visuel latino-américain. 2004 1er Prix ​​national d'aquarelle Concours Cochabamba-Bolivie. 2004 Prix unique (partagé) Concours national "Cecilio Guzmán de Rojas" Potosí-Bolivie. 2005 2e. Prix ​​du concours national "Estampas de Totora" 2005 Conforme au Comité d'appréciation de l'art et de l'esthétique urbaine de la ville de Cochabamba. 2006 2e. Concours national de peinture "Marcelo Quiroga Santa Cruz" 2006 1er. Prix ​​du concours national "Estampas de Totora". 2007 2e. Prix ​​du Concours National de Peinture en hommage aux 401 ans de la fondation d'Oruro. 2007 1er Prix ​​au Concours International de Peinture HEROES LATINOAMERICANOS Y DEL CARIBE. Parrainé par l’ambassade de la République bolivarienne du Venezuela, prix d’acquisition (Zárate Wilka el Temible). 2008 Exposition dans la maison dorée de la ville de Tarija 2009 Exposition sur la place du musée et en parallèle dans la galerie d'art 21 de la ville de la paix, Bolivie.

                            

CRAWFURD ADAMSON

Though born in Edinburgh in 1953, Crawfurd Adamson moved to Hastings in 1987 where he has lived and worked ever since. He has devoted most of his working practice to the study and development of life drawing not only through his own work but also through the practical establishment of workshops, attended by artists with similar considerations. He has exhibited widely throughout the UK, Europe and USA in both solo and group exhibitions since the early 1980's and his work is held in numerous private, corporate and institutional collections worldwide including The Metropolitan Museum of Art, New York and The Fleming Collection, London.

Aunque nació en Edimburgo en 1953, Crawfurd Adamson se mudó a Hastings en 1987, donde ha vivido y trabajado desde entonces. Ha dedicado la mayor parte de su práctica laboral al estudio y desarrollo del dibujo de la vida, no solo a través de su propio trabajo sino también a través del establecimiento práctico de talleres, a los que asistieron artistas con consideraciones similares. Ha realizado numerosas exposiciones en todo el Reino Unido, Europa y Estados Unidos en exposiciones individuales y colectivas desde principios de la década de 1980 y su trabajo se realiza en numerosas colecciones privadas, corporativas e institucionales de todo el mundo, como el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York y la Colección Fleming, Londres .

Bien que né à Edimbourg en 1953, Crawfurd Adamson s'installe à Hastings en 1987 où il vit et travaille depuis. Il a consacré l'essentiel de sa pratique à l'étude et au développement du dessin de la vie, non seulement à travers son propre travail, mais également à travers la mise en place d'ateliers pratiques, suivis par des artistes partageant les mêmes considérations. Depuis le début des années 1980, il a exposé de nombreuses expositions individuelles et collectives au Royaume-Uni, en Europe et aux États-Unis. Ses œuvres font partie de nombreuses collections privées, institutionnelles et institutionnelles, notamment le Metropolitan Museum of Art de New York et la Fleming Collection de Londres. .

                                   

                                      

ANDRIAN GORLANOV

Nació en 1964 en Stavropol en el Volga.

1983 Graduado de la Samara Art College. Estudió en la clase dirigida por Boris Uvarov, el presidente de la Academia de las Artes de Rusia.

Exposiciones:

• 1991 - Festival de las galerías de San Petersburgo, Manege, San Petersburgo;
• 1991 - "Una semana de cultura rusa", Suecia;
• 1992 - "New Contemporary Art", The Christie's, Londres, Inglaterra;
• 1993 - "Nuevo arte contemporáneo", The Sotheby's, Madrid, España;
• 1993 - Exposición en el Museo Ruso, San Petersburgo, Rusia;
• 1994 - Exposición personal en el Centro de Negocios "Neptuno", San Petersburgo, Rusia;
• 1996 - "Escuela de Arte de San Petersburgo", Museo Necrasov, San Petersburgo, Rusia;
• 1996 - "St Petersburg Landscapes", The ANN Gallery, San Petersburgo, Rusia.
• 1998 - "Vincent Louis Gallery", Nueva York, EE.UU.
• 2000-2001 - Exposición de resplandor ruso, Teatro Fred Kavli, Civic Arts Plaza, Thousand Oaks, California, EE. UU.
• 2003 - Ecléctico Arte Contemporáneo Ruso, Barette Gallery, Santa Monica College, Los Ángeles, CA

Gorlanov es uno de los artistas más destacados de San Petersburgo. Sigue las mejores tradiciones de la pintura rusa. Sus obras expresan perfectamente el estado de ánimo. Las raíces de su estilo se encuentran en el Arte de un famoso artista ruso de finales del siglo XIX, Isaac Leviathan.

A. Gorlanov es muy conocido en Rusia y en el extranjero. Sus obras están representadas en muchas colecciones privadas en España, Italia, Francia, Suecia, Austria, Australia, Alemania, Rusia.

Goncharova o donde confluyen tradición y rayos

La Tate Modern presenta su primera retrospectiva en Reino Unido


En Madrid hemos tenido ocasión, hace muy poquito, de contemplar su obra reunida junto a la de otras artistas de la abstracción en el Museo Thyssen-Bornemisza, en el marco de la muestra “PIONERAS. Mujeres de la vanguardia rusa”. Pero este verano, si queremos conocer mejor a Natalia Goncharova, tenemos que viajar a Londres: hasta el 8 de septiembre, la Tate Modern le dedica una antología centrada en sus desafíos a las convenciones sociales, artísticas y de género, una muestra que ensalza a esta autora como figura precursora y radical.


Como la de la mayoría de sus compañeras de generación y de origen, su obra no se desarrolló en una única disciplina: abordó el body artfuturista, creó aclamadas escenografías y diseños de vestuario y sobre todo rastreó, con el fin de trascenderlas, las principales corrientes artísticas de los inicios del siglo pasado.




Natalia Goncharova. Peasants Picking Apples, 1911. Tretyakov Gallery, Moscú


Nacida en 1881 en Tula (compartía generación con Picasso), se inspiró en la cultura tradicional y las costumbres de la Rusia Central durante toda su carrera, pero se abrió a la influencia de la vanguardia: a sus 32 años, era ya una figura líder del arte contemporáneo ruso, presentó monográfica en Moscú y, al llegar a París en 1914 por invitación de Diaghilev, fue muy alabada por su colaboración en diseños y vestuarios con los Ballets que aquel dirigía.


Había comenzado sus estudios en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de la capital rusa, donde conoció a Lariónov, que fue su compañero personal y artístico. Pudo adentrarse en el postimpresionismo francés de la mano de la muestra “Vellocino de Oro” (1908), que supondría una gran repercusión en sus posteriores pinturas ligadas a asuntos rurales rusos y, dos años más tarde, colaboraría Goncharova en la fundación de la Sota de Diamantes, corriente derivada de las interpretaciones rusas de Cézanne, Matisse o el expresionismo, pero la abandonaría junto a Lariónov para crear El Rabo de burro.


Su producción de entonces continuaba relacionándose de forma directa con los iconos y el arte popular ruso, pero la impronta de cubismo y futurismo se abría camino. Desde ese momento evolucionaría hacia el rayonismo, movimiento basado en las teorías científicas de la luz que hacía del lienzo un espacio para la reflexión sobre la refracción de los rayos. Obras representativas de esa etapa serían sus vistas de bosques de 1913.




Natalia Goncharova. Cyclist, 1913. State Russian Museum


En la Tate Modern veremos pinturas tempranas como Peasants Gathering Apples (1911), que fue propiedad de la familia Morozov, grandes coleccionistas de arte a principios del siglo pasado; la monumental obra The Harvest, del mismo año, estructurada en siete pinturas llegadas de cuatro fondos internacionales, y también sus desnudos, cuya primera exhibición pública llevó a la artista a juicio por su obscenidad.

Natalia Goncharova. The Phoenix (Políptico The Harvest), 1911. Treatyakov Gallery, Moscú

Natalia Goncharova. Bathers(panel izquierdo), 1922. Tretyakov Gallery, Moscú




Una de las secciones de la retrospectiva se dedica a la pintura religiosa de Goncharova e incluye The Evangelists (1911), cuatro paneles que cosecharon muy buenas críticas en Londres en 1912 pero levantaron ampollas dos años después en San Petersburgo, donde fueron retirados por las autoridades de la exposición donde se mostraban al público.


Y otra de las salas se centra en sus incursiones en el diseño de moda y sus colaboraciones con Nadezhda Lamanova, costurera de la corte imperial; su trabajo en el diseño de interiores queda, por su parte, representado en la pantalla decorativa Spring (1928), un encargo del Arts Club de Chicago y hasta ahora nunca prestada, o en Bathers (1922), monumental tríptico que puede verse por primera vez en Gran Bretaña.

Para dar fe de las experimentaciones de Goncharova en relación con cubofuturismo, abstracción y rayonismo (ella misma fundó, junto a Larionov, esta última corriente), se han reunido tres piezas que tampoco hasta ahora habíamos podido contemplar unidas: Linen, que pertenece a la propia colección de la Tate; Loom + Woman (The Weaver), llegada del Museo Nacional de Gales y The Forest, que procede de la Scottish National Gallery of Modern Art. Todas las creó Goncharova en 1913, en un mismo estudio.

La exhibición se cierra con una sala dedicada a sus colaboraciones con los Ballets Rusos, el proyecto por el que quizá fue más conocida en la primera mitad del siglo XX. Fue responsable de los radicales vestuarios de Le Coq d’or y Les Noces, piezas ambas representadas en la capital británica en los veinte y los treinta. En ambos casos, innovó Goncharova presentando ropas actuales en contextos históricos.

Habrá itinerancia: desde septiembre esta exhibición podrá visitarse en el Palazzo Strozzi de Florencia y, a partir de febrero de 2020, en el Ateneum Art Museum de Helsinki.




Natalia Goncharova. Gardening, 1908. Tate





Natalia Goncharova


TATE MODERN


Bankside SE1 9TG


Londres


Del 6 de junio al 8 de septiembre de 2019


Fuente

http://masdearte.com

Boucher: ajuar y libertinaje

Uno de nuestros primeros rebobinadores, hace más o menos cuatro años, se lo dedicamos a Watteau, a sus escenas costumbristas y galantes y al legado de su naturalismo. Su contemporáneo François Boucher, en contraste con la personalidad tímida y bohemia de aquel, fue un hombre sociable, gozador y ambicioso; dicen que también trepador. Tuvo una formación artística convencional y académica y se adaptó con facilidad a las modas y a los criterios de su clientela; podemos afirmar que su talante y sus intereses eran más mundanos.

Por eso su obra ha sido objeto, y aún lo es hoy, de muchos prejuicios. En su época se mezclaron los artísticos con los políticos, porque fue protegido de Madame de Pompadour, y el crítico Diderot lo atacó con fiereza desde el punto de vista de la nueva moral burguesa, llamándolo corruptor de costumbres y nada menos que pintor degenerado, por sus licencias eróticas.

François Boucher. El almuerzo, 1739. Museo del Louvre


Del lado más interesante de su pintura vamos a hablar ahora, comenzando por El almuerzo (1739). Supone una observación del ámbito doméstico, un entorno cotidiano anteriormente ajeno a la mirada pictórica salvo en Holanda, ya en los siglos XVI y XVII. Entonces, en los Países Bajos, se representaban campesinos tratados grotescamente con el fin de reforzar la supuesta superioridad del burgués, desde un punto de vista cómico. Después el foco de los pintores se trasladaría del campo a la ciudad, siendo prioritaria la intimidad hogareña, tratada con respeto y unción religiosa.

Aquellos pintores holandeses hicieron del universo cotidiano, que antes no tenía ningún valor ejemplar, la fuente de una épica nueva, frente a la pintura de historia, legendaria, de cariz trágico. Y apareció, decíamos, lo cómico: se nos presentan gentes comunes en situaciones triviales, en paralelo al desarrollo del naturalismo en la novela.

Volviendo a esta obra de Boucher, en ella encontramos una escena familiar: dos madres con sus hijos, almorzando en un interior burgués. La suntuosidad viene dada por el fantástico inventario de bienes y objetos de estilo rococó que el artista nos ofrece, la ornamentación de los espejos y candelabros, el mobiliario… Los trajes, además, combinan comodidad y elegancia. Frente a la sobriedad holandesa, derivada del puritanismo protestante, Boucher opta por la riqueza.

La luz natural, que penetra por la ventana, se amplifica con el reflejo del espejo, que nos ayuda a ver lo que en la propia pintura no encontramos, un detalle muy holandés. Pero no hay muchos más aquí, porque el francés nos enseña ambientes más confortables, ajenos al silencio de los interiores de los Países Bajos, con un cierto realismo acorde al asunto cotidiano tratado.

Se trata de una obra vertical, de tamaño mayor al habitual en las obras de género, y se hace necesaria una organización definida de las figuras en el espacio, que se efectúa en un ritmo ondulante y no en el clásico piramidal, favoreciendo el dinamismo.

De nuevo maneja Boucher un tema trivial en La toilette (1742). La ceremonia del levantarse era entonces, entre las clases pudientes, un acto complejo y social y el artista opta por no recurrir a la mera descripción, sino que introduce un relato subyacente de carácter moral: atar y desatar una liga no deja de ser un acto erótico dentro de la ambigüedad connatural al arte de entonces.

La densidad sociológica de esta pintura no es menor y los numerosos objetos presentes tienen su explicación: el que apaga las chispas del fuego, los bolsos, inventados en el siglo XVIII; el atizador, las tenacillas sobre una bandeja, el espejo grande, los bimbos, que remiten a las compañías de comercio oriental y al gusto entonces por lo exótico, subespecie de lo pintoresco…

Hay que prestar atención también al servicio de desayuno, con café y té; al armario abierto, una muestra de su interpretación de espacios a la holandesa, y a los retratos, ejemplo del uso doméstico del arte; al despliegue de indumentarias, a los animales domésticos, relacionados con la moraleja de la escena; a la pared entelada, propia del siglo XVIII y a la vela encendida.

Todo está en desorden, con la ironía subyacente de que, para el burgués, el orden es fundamental y se asocia a la familia y al hogar. El retrato de esta joven caótica se ha identificado con el de una prostituta.

François Boucher. La toilette, 1742. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Del mismo año data Diana saliendo del baño, pintura en la que Boucher quiso establecer su prestigio como académico. Se relaciona con Watteau en cuanto que no presenta a Diana como heroína realizando alguna hazaña o cazando, sino destacando su atractivo sensual, un erotismo en la época ligado al deseo insatisfecho y a la conservadora mentalidad burguesa.

Contrasta el rostro ingenuo e infantil de la diosa y la plenitud carnal de su cuerpo, sobre el que recae la luz. En la parte inferior derecha, elementos de caza enfatizan su rol: un carcaj con flechas, aves cazadas… un grupo compacto como el de cualquier morrón de cazador del momento (recordamos que el bodegón de caza tuvo gran desarrollo en este siglo).

Se apoya la diosa en un cortinaje barroco, realista pero con poco sentido en la escena: Diana aparece retratada como una señora del momento. Se trata de una estampa enfáticamente irreal, de exuberancia sexual rococó, más teatral que profunda.

François Boucher. Diana saliendo del baño, 1742. Museo del Louvre

François Boucher. La vendedora de modas, 1756. Museo de Estocolmo

En La vendedora de modas (1746), una dama recibe en su habitación (con cama con dosel y tocador) a una modista que le enseña el género. Entonces se pensaba que quien adquiría moda tenía mayor vida social, situación ambigua en la época porque esa distracción tenía hasta entonces casi un sentido heráldico: se salía para desfilar y ser recibido por el rey. Los aristócratas realizaban, hasta la etapa barroca, escasa vida hogareña: se dedicaban a la caza y la guerra y no se llegaba a desarrollar intimidad familiar; los lazos entre padres e hijos, en esas clases sociales, se estrechan desde mediados del siglo XVIII, cuando la mujer gana espacio en la esfera social.

De nuevo da importancia Boucher a detalles de la decoración rococó y a objetos diversos relacionados con el maquillaje. Por una ventana (muy holandesa de nuevo) penetra la luz.

En torno a esas fechas pintó el artista el desnudo de una mujer que conoció: Marie-Louise O´Murphy, en Desnudo descansando. Era insólito en estas fechas vincular estas obras, no a Venus ni diosas, y ni siquiera a odaliscas, sino a mujeres contemporáneas, y desde el punto de vista moral y artístico, para muchos intolerable.

Tumbada informalmente, la modelo conversa con alguien; se trata de una escena muy sorpredente, que muestra a un Boucher interesante como creador de situaciones nuevas; un desnudo luminoso en el que contrastan, como hacía Rubens, la tersura de la piel y las brillantes telas de hilo o seda.

Si la revolución de esa obra tenía que ver con no presentarnos una odalisca, Boucher también retrató a una morena. Este asunto fascinaba entonces por los nuevos contactos con Oriente y la, en parte también nueva, conciencia de que el mundo no occidental podía no ser solo barbarie (recuérdese El rapto del serrallo de Mozart).

La odalisca responde a la idea de Venus mítica llevada al placer y la visión del cuerpo no es aquí nada convencional: no es frontal y su postura responde al espíritu libertino del rococó francés. Estas obras normalmente no eran visibles allí donde se encontraban expuestas: se hallaban en gabinetes privados al resguardo de miradas ajenas.

François Boucher. Desnudo descansando, 1752. Pinacoteca Antigua de Múnich

François Boucher. Odalisca morena, 1743. Museo del Louvre

En La toilette de Venus (1751), ella lleva el pelo teñido a la moda y parece incluso más luminosa que la mujer de la liga. Las cortinas azules, las gradas de mármol y los objetos suntuosos contribuyen a presentar un desnudo apto a una diosa.

François Boucher. La toilette de Venus, 1751. Metropolitan Museum

Por último hablaremos de su retrato de Madame de Pompadour (1756). Boucher fue un excelente retratista, más exquisito si cabe en las figuras femeninas. Presenta a Pompadour con elegante indumentaria y rostro casi infantil y delicado, tecleando un clavicordio con la mano izquierda (símbolo de su talento) y rodeada de libros, mapas, una esfera… que nos hablan de una mujer intelectual, con mayores inquietudes que las ligadas al ámbito cortesano. La partitura musical y las rosas en el suelo suponen valorar positivamente la, antes a veces denostada, sensibilidad.

François Boucher. Madame de Pompadour, 1756. Pinacoteca Antigua de Múnich

Fuente

http://masdearte.com

BEN HAMMOND

Ben Hammond, was born in 1977. He was raised in the rural town of Pingree, Idaho, where his love for art was nurtured from the time he was a small boy. He studied art at Ricks College graduating with a degree in Illustration. While at college, he found himself dedicating more and more of his time to sculpting. He also gained a great appreciation for traditional art and decided to devote his time to sculpting the human figure. His passion for the beauty of the human figure is exemplified in his art.
Ben’s sculptures have been included in many juried shows throughout the country, and he has been the recipient of numerous awards. Ben most recently competed in The National Competition for Figurative Sculpture where he was awarded the prestigious Charlotte Geffken Prize at Brookgreen Gardens. For the past three years he has been awarded the Dexter Jones Award for bas relief from the National Sculpture Society. In 2007, he was awarded both First Place in Sculpture and the Purchase Award at The Scottsdale Artists School Best and Brightest Juried Show. Ben is also a talented portrait artist and for the past four years has completed portrait busts for the Pro Football Hall of Fame. Ben is an elected member of the National Sculpture Society.

Ben Hammond nació en 1977. Se crió en la ciudad rural de Pingree, Idaho, donde se crió su amor por el arte desde que era pequeño. Estudió arte en Ricks College, donde se graduó con una licenciatura en Ilustración. Mientras estaba en la universidad, se encontró dedicando cada vez más tiempo a la escultura. También ganó un gran aprecio por el arte tradicional y decidió dedicar su tiempo a esculpir la figura humana. Su pasión por la belleza de la figura humana se ejemplifica en su arte.

Las esculturas de Ben se han incluido en muchos espectáculos con jurado en todo el país y ha recibido numerosos premios. Ben compitió más recientemente en el Concurso Nacional de Escultura Figurativa, donde recibió el prestigioso Premio Charlotte Geffken en Brookgreen Gardens. Durante los últimos tres años ha sido galardonado con el Premio Dexter Jones por el bajorrelieve de la National Sculpture Society. En 2007, fue galardonado con el Primer Lugar en Escultura y el Premio a la Compra en el mejor y más brillante espectáculo de la Escuela de Artistas de Scottsdale. Ben también es un talentoso artista de retratos y durante los últimos cuatro años ha completado una serie de retratos para el Salón de la Fama del Fútbol Profesional. Ben es un miembro electo de la Sociedad Nacional de Escultura.

Ben Hammond est né en 1977. Il a été élevé dans la ville rurale de Pingree, dans l'Idaho, où son amour pour l'art a été nourri à partir du temps où il était petit. Il a étudié l'art au Ricks College, où il a obtenu un diplôme en illustration. Au collège, il se consacre de plus en plus à la sculpture. Il a également acquis une grande connaissance de l'art traditionnel et a décidé de consacrer son temps à la sculpture de la figure humaine. Sa passion pour la beauté de la figure humaine est illustrée par son art.

Les sculptures de Ben ont fait partie de nombreux spectacles organisés par des jurys dans tout le pays et il a reçu de nombreux prix. Plus récemment, Ben a participé au Concours national de sculpture figurative, où il a reçu le prestigieux prix Charlotte Geffken à Brookgreen Gardens. Au cours des trois dernières années, il a reçu le prix Dexter Jones du bas relief de la National Sculpture Society. En 2007, il a été récompensé à la fois par la première place en sculpture et par le prix d'achat du meilleur et le plus brillant spectacle organisé par la Scottsdale Artists School. Ben est également un portraitiste talentueux. Au cours des quatre dernières années, il a réalisé des bustes pour le temple de la renommée du football professionnel. Ben est un membre élu de la National Sculpture Society.