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martes, 17 de julio de 2018

Por qué Avelina Lésper se ha convertido en la peor crítica del arte


por que avelina lesper se ha convertido en critica conservadora del arte

Lésper se vio involucrada en una fuerte crítica de arte hace unos días.

En la calle 4 Poniente esquina con Periférico Sur, a unos metros de la sala de conciertos Ollin Yoliztli, en la Ciudad de México, se puede ver un graffiti con detalles azules y rosas que transmite un mensaje contundente y claro: "¡Avelina Lésper me la pelas!". Lésper, quien es una famosa crítica de arte, no dudó en tomarse una fotografía junto a la pieza y retar al autor para tener un diálogo bajo la pregunta: ¿en qué límite esto puede ser arte urbano o simple vandalismo?

Avelina es reconocida por sus incisivas críticas de arte, en particular a lo que conocemos como "arte contemporáneo" y a lo que ella llama "arte VIP (Vídeo, Instalación, Performance)". Sus opiniones radican en que este tipo de manifestaciones necesitan una explicación o intervenciones de los curadores y esto se interpone con la experiencia estética. Amada por muchos y odiada por otros tantos, Avelina Lésper se ha convertido en una de las críticas más importantes en nuestro país e incluso a nivel internacional; sin embargo, sus comentarios llegan a ser conservadores y en muchas ocasiones excluye manifestaciones estéticas o exploraciones alternativas. Así, sin quererlo, pone sobre la mesa la complejidad y extrañeza del arte contemporáneo.

por que avelina lesper se ha convertido en critica conservadora del arte 1


Quizás el problema nazca con Duchamps. En 1917 Marcel intentó exponer un urinario en una muestra organizada por la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York; tituló la pieza como La Fuente (Fountain) y la firmó como "R. Mutt". A partir de ese momento puso en boca de todo el mundo la famosa pregunta: ¿qué es el arte? La posible respuesta la podríamos encontrar en la antigua Grecia con el filósofo Aristóteles y su sentido de mimesis. Este planteamiento establece que los seres humanos imitamos lo que nos rodea para comunicarnos, en el caso del arte, nuestras representaciones radican en la interpretación que le damos a la realidad y cómo la manifestamos mediante diferentes expresiones: pintura, escultura, teatro, etc. A esta primera manifestación le podemos llamar “signo” o, según el filósofo Charles Peirce (1839-1914), “representamen”.

Aristóteles establece que, posterior a la mimesis, nos encontramos ante tres elementos fundamentales para crear nuestra experiencia estética: la poiesis, es el producto artístico en sí; la aestesis, el momento en el que nos encontramos ante la obra —en un museo, en el teatro, en un libro, etc.—; y por último, la catarsis, nuestra interpretación de la obra y el efecto emotivo que realiza sobre nosotros.
Por lo tanto, podríamos decir que el arte parte de tres puntos fundamentales: una búsqueda de comunicación estética, la técnica para corromper la realidad y una trascendencia histórica. El mal llamado arte contemporáneo encuentra su dificultad en el segundo punto, pues muchas veces se ha caracterizado por tomar elementos fuera de los cánones tradicionales para crear sus manifestaciones; elementos comunes como basura, coches viejos o vajillas. Si volvemos a tomar como ejemplo el urinario de Duchamps, podríamos decir que éste carece de técnica, es un urinario como cualquier otro que encontramos en el baño de la oficina; sin embargo, sufre una intervención humana al momento de ser sacado de su contexto y llevado a un museo, a partir de ahí vemos que se manifiesta la mimesis, pues se toman dos elementos de la naturaleza: el arte y los artefactos comunes, y busca comunicar algo diferente; el urinario se trasforma en signo.

por que avelina lesper se ha convertido en critica conservadora del arte 3

De manera posterior, vemos la poiesis, la pieza común es manipulada para manifestar un mensaje crítico —el hecho de tener un urinario de cabeza y en una exposición de arte tiene su razón de ser—; luego viene la aestesis, pues nos encontramos con la pieza en un entorno específico: el museo; al final, tenemos la catarsis, ya que el objeto sorprende e incluso llega a molestar. La crítica que se buscaba realizar en contra del arte se ve concretada y logra trascender el tiempo dado que hasta hoy mantiene el debate: ¿esto es arte?

Cabe especificar que estas manifestaciones no obedecen cánones tradicionales, por lo tanto, no sólo son complejos en su interpretación, también en su valoración estética. Existen manifestaciones, instalaciones o incluso performance que buscan una experiencia estética, pero de igual manera hay muchas manifestaciones engañosas que sólo buscan justificar la falta de talento o de imaginación.

Volvamos al tema del graffiti, parecido al urinario de Duchamps, esta pinta logra comunicar una crítica hacia el arte, las manifestaciones y quienes las analizan. Lésper, al ser un personaje tan importante en la escena artística contemporánea, se ve envuelta en esta pieza que, gracias a ella, ha logrado trascender el simple muro para llegar a la mesa del debate.

por que avelina lesper se ha convertido en critica conservadora del arte 4

Avelina, al estar en contra de las manifestaciones contemporáneas, se ha vuelto una conservadora del arte, el graffiti es una forma de expresión irruptora y agresiva, pues su máxima radica en intervenir espacios públicos y ajenos, esta pieza en específico contiene una crítica que ha logrado trascender gracias a tu técnica y todo con cinco simples palabras: ¡Avelina Lésper me la pelas!
Fuente
https://culturacolectiva.com

Retratos de mujeres de Lugo, en Londres

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La pintora Gema López llevará ocho óleos a la Parallax Art Fair, una feria referente en Europa



La artista lucense Gema López acudirá con ocho de sus obras, todas ellas relacionadas con la mujer en sus múltiples facetas y desde su particular visión, a la Parallax Art Fair, una de las mayores ferias de arte y diseño de Europa, que se celebra en Kensington Town Hall, de Londres. Compartirá espacio con más de 300 artistas de todo el mundo, los próximos viernes, sábado y domingo.

La profesora de dibujo y pintura, que ganó el primer premio del Certamen de Pintura Rápida de Lugo, en la modalidad de artista local, fue seleccionada como independiente para esta feria, algo que no suele ser habitual porque, según asegura Gema López, la mayoría de los espacios están reservados para artistas que acuden de la mano de galerías o de museos.


La autora, que es la primera vez que expone de forma individual en el extranjero, ha seleccionado ocho óleos, que define como retratos psicológicos. De la información que recibió de los organizadores de la muestra deduce que será la única artista gallega que está convocada a esta feria, en la que tienen cabida también joyeros y otros artesanos.

«No se trata ?justificó la artista? de retratos de una persona como destreza técnica, sino que pretendo contar la historia que hay detrás». Sus modelos son mujeres jóvenes y no tan jóvenes porque también está interesada en captar la belleza de la mujer madura.


Lo que quiere captar, según la pintora, formada en la Escuela de Bellas Artes de Pontevedra, es la femineidad y la intimidad femeninas, vistas desde «otra manera», alejada de los cánones estéticos. Una de las obras que presenta en Londres y que ya han viajado a esta ciudad europea, «La viuda blanca» regresará para Lugo porque ya está vendida. Un comprador se interesó por ella, nada más enterarse de que estaba viajando hacia Londres para participar en la Parallax Art Fair. El resto de los cuadros pretende venderlos en la feria londinense entre 200 y 700 euros. Confía en no regresar con ninguno de los siete a Lugo.



Entre las obras seleccionadas para la feria londinense figura «La noche es también un sol», un díptico que refleja una jornada nocturna de insomnio. Son dos imágenes con los mismos elementos principales, la cama y la ventana y en los que varía la postura de la mujer, que, según la autora, contrasta con la quietud de la noche.

La pintora, que desde el pasado mes de octubre regenta una academia de dibujo y pintura en la calle Montirón, está muy nerviosa con su viaje a Londres y a la expectativa de lo que supondrá su proyección artística a partir de esta feria. «Es la primera vez que voy sola ?señaló en referencia a su viaje al extranjero con un espacio individual? que tengo que representarme a mi misma y, por mi personalidad, me cuesta vender mi obra y hablar de ella. En este caso, son una dificultad añadida, el idioma».




Entre los cuadros que seleccionó para la muestra en la feria de arte y diseño figura también «Efectos colaterales», una tabla ovalada que recoge la figura de una mujer frente al espejo, que observa con atención las señales que dejaron en su cuerpo las varillas de un corpiño.

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¡Prepárate para sacar tu proyecto artístico adelante con esta convocatoria

¡Prepárate para sacar tu proyecto artístico adelante con esta convocatoria!

Canal IPe


Esta es la primera vez que se financiarán iniciativas que promuevan una amplia diversidad de expresiones culturales.

Si tienes un proyecto relacionado a proyectos audiovisuales y cinematográficos, artes escénicas, artes visuales, música, libros o al fomento de la cultura, entonces esta es tu oportunidad para impulsarlo y hacerlo realidad.

El Ministerio de Cultura presentó la convocatoria de Estímulos Económicos para la Cultura 2018, que cuenta con un presupuesto de más de 23 millones de soles para financiar proyectos culturales. El viceministro de Patrimonio Cultural e Industrias Culturales, Luis Felipe Villacorta Ostolaza, indicó que este concurso tiene “una vocación fundamentalmente democrática y descentralista”.

Los proyectos dirigidos a la actividad audiovisual y cinematográfica contarán con un presupuesto asignado a más de 19 millones de soles y financiará 20 concursos, divididos en tres etapas. De esta manera, buscan impulsar la ejecución de proyectosorientados a la preservación de la historia audiovisual de la nación, impulsar la formación de profesionales que se desempeñen en el sector y contribuir en distintas etapas de producción de un proyecto.

Por otro lado, los proyectos relacionados a artes escénicas, visuales y a la música contarán con casi 3 millones de soles, que estarán distribuidos en ocho concursos y dos convocatorias. El objetivo es promocionar el arte en círculos nacionales e internacionales, impulsar la producción escénica y discográfica, el desarrollo de públicos, organización de festivales, el montaje de exposiciones y proyectos de arte.

Asimismo, destinaron un presupuesto de más de 1 millón de soles a proyectos involucrados en la promoción del libro y fomento de la lectura. Estará dividido en seis concursos y una convocatoria. Así, el ministerio espera motivar los proyectos editoriales, la lectura y la escritura en todo el Perú.

¡No dejes pasar esta oportunidad! Entérate de más haciendo clic aquí.
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lunes, 16 de julio de 2018

'El impacto de lo nuevo' rinde homenaje al crítico de arte Robert Hughes en el Patio Herreriano


PATIO HERRERIANO
PATIO HERRERIANO
Desde el martes 17 de julio, y durante cuatro días consecutivos, se proyectarán ocho documentales escritos por el australiano sobre el arte en el siglo XX.

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El salón de actos del Museo Patio Herreriano de Valladolid, presenta desde el próximo martes, 17 de julio, y durante cuatro días consecutivos, el ciclo'El impacto de lo nuevo', un homenaje al crítico de arte australiano Robert Hughes, paradigma de la televisión entendida como servicio público.

Los ocho documentales del ciclo, se proyectarán los días 17, 18, 19 y 20 de julio, a las 19:00 horas con entrada gratuita 'El impacto de lo nuevo', es una serie de documentales sobre el arte en el siglo XX, fue escrito y presentado por Robert Hughes, crítico de arte y escritor de la revista Time.

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En esta serie se muestra como un magnífico profesor, agudo, individualista y franco. En palabras de su creador, Robert Hughes, 'The Shock of the New' son "ocho ensayos visuales sobre la relación de la pintura, la escultura y la arquitectura para resolver los grandes temas culturales de los últimos 100 años".
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Gala artística acerca a China y Cuba, una demostración de los históricos lazos de amistad

CUBA-HABANA-CHINA-GALA CULTURAL
LA HABANA, julio 15, 2018 (Xinhua) -- Imagen del 14 de julio de 2018 de artistas de una agrupación cubana, realizando un espectáculo durante la velada "La noche de Shanghai", en La Habana, Cuba. (Xinhua/Joaquín Hernández)
LA HABANA, 14 jul (Xinhua) -- Una gala cultural con artistas de la provincia china de Shanghai fue el pretexto para acercar este sábado a China y Cuba, dos naciones que continúan fortaleciendo los lazos de amistad, afirmó la miembro del Buró Político del Comité Central del Partido Comunista de Cuba, Mercedes López Acea.
En declaraciones exclusivas a Xinhua, la dirigente política cubana agradeció la visita a La Habana que realiza una delegación de ese país asiático, encabezada por Li Qiang, miembro del Buró Político del Comité Central del Partido Comunista de China (PCCh) y secretario del Comité Municipal de Shanghai del PCCh.
"China es ese país al que admiramos, respetamos, del que ganamos en experiencia y del que siempre esperamos esos lazos solidarios y el fortalecimiento de nuestras relaciones tanto en lo político como económico", apuntó.
La delegación china se encuentra en Cuba para participar en la XXIV reunión del Foro de Sao Paulo, un encuentro donde asisten también más de un centenar de partidos y movimientos sociales progresistas de América Latina y Europa, en un esfuerzo mancomunado por articular estrategias de integración de la izquierda a nivel mundial.
"Eso (presencia de China) ratifica una vez más esa decisión de continuar entre todos haciendo lo posible en cooperación, amistad, intercambios y debates por lograr realmente avanzar en un mundo mejor, donde los seres humanos aspiremos a tener una mejor calidad de vida sobre la base del humanismo", enfatizó.
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LA HABANA, julio 15, 2018 (Xinhua) -- Imagen del 14 de julio de 2018 de artistas de una agrupación cubana, realizando un espectáculo durante la velada "La noche de Shanghai", en La Habana, Cuba. (Xinhua/Joaquín Hernández)
López Acea igualmente elogió a los artistas chinos pertenecientes al conjunto de cantos y danzas, al de acrobacia, al conservatorio y a la orquesta china de Shanghai, quienes deleitaron al público cubano y a los delegados del Foro de Sao Paulo que acudieron para presenciar una gala excepcional.
"Ha sido extraordinario este encuentro de ambas culturas y el regalo que nos ha hecho China con estos talentosos y virtuosos artistas que nos han hecho soñar. Su calidad, talento, entrega, la expresión escénica en este espectáculo ha sido extraordinaria", indicó la dirigente partidista.
Un total de ocho propuestas presentadas en la velada "La noche de Shanghai" conformaron un programa de lujo para los asistentes, quienes apreciaron la diversidad cultural de ese vasto territorio.
Desde la delicadeza, cadencia y elegancia de las bailarinas al ejecutar danzas típicas, hasta la jovialidad y virtuosismo del intérprete del suona (instrumento tradicional de viento) y la precisión, fortaleza, dinamismo y espectacularidad del joven acróbata, la función no careció de aplausos. Igualmente abundaron los agasajos para los artistas que supieron encantar con su profesionalismo y talento a un público muy diverso.
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LA HABANA, julio 15, 2018 (Xinhua) -- Imagen del 14 de julio de 2018 de artistas de Shanghai, China, realizando un espectáculo durante la velada "La noche de Shanghai", en La Habana, Cuba. (Xinhua/Joaquín Hernández)
Como preámbulo de la gala, fue inaugurada en el lobby del Teatro Nacional de Cuba una exposición fotográfica que recoge los principales éxitos logrados por esa importante provincia, considerada el mayor centro económico de China, en los 40 años de aplicación de la política de Reforma y Apertura.
Desde este domingo 15 de julio y hasta el martes 17, se desarrollará en La Habana el XXIV encuentro del Foro de Sao Paulo, una oportunidad para que partidos políticos y movimientos sociales progresistas de América Latina, Europa y China tracen acciones conjuntas.
El propósito, según los organizadores del cónclave, es concertar estrategias con vistas a materializar la construcción de un modelo alternativo de desarrollo a través de una mayor integración de la izquierda a nivel regional y mundial.
CUBA-HABANA-CHINA-GALA CULTURAL 
LA HABANA, julio 15, 2018 (Xinhua) -- Imagen del 14 de julio de 2018 de artistas de Shanghai, China, realizando un espectáculo durante la velada "La noche de Shanghai", en La Habana, Cuba. (Xinhua/Joaquín Hernández)
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Pintores de Santiago de Cuba en Feria de Arte Popular en EE.UU.



Una exposición única dedicada a Gala Dalí en el Museu Nacional d'Art de Catalunya

Gala
Del 6 de julio al 14 de octubre de 2018 el Museu Nacional d'Art de Catalunya invita a todos los fans del arte vanguardista a las obras de la increíble Gala Dalí, una de las figuras más icónicas del mundo del arte del siglo XX. La exposición está organizada en colaboración con Museu Nacional, la Fundación Gala-Salvador Dalí y los Museos de Dalí. La Fundación Gala-Salvador Dalí colaboración el Museo por la primera vez y los comisarios de la exposición destacan que se trata de un paso muy importante hacia el establecimiento de la colaboración con las organizaciones museísticas claves de Cataluña.   

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Gala, la musa del gran artista español, nacida como Elena Dyakonova (Kazan, 1894 – Port-Lligat, 1982), era objeto tanto del odio como de admiración entre sus contemporáneos. Esta mujer extraordinaria se ha convertido en la coautora de tanta cantidad de obras del artista, que en el ocaso de su vida Dalí empezó a firmar sus creaciones con el nombre de los ambos: Gala-Salvador Dalí. A lo largo de la vida, Gala no solo inspiraba a Salvador Dalí, sino también creaba objetos surrealistas, editaba textos y experimentaba con modelos de ropa.
La exposición incluye 315 pinturas, bocetos, fotos, documentos y objetos personales que ayudarán a los visitantes a comprender la evolución de la imagen de Gala y la de la actitud pública hacía esta mujer. Los manuscritos del proyecto autobiográfico, postales, libros, ropa y artículos de higiene personal de la heroína de la exposición despiertan gran interés.


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Además de los retratos de Gala creados por Salvador Dalí, los conocedores del arte tendrán la oportunidad de disfrutar obras de otros artistas surrealistas y fotógrafos – Max Ernst, Pablo Picasso, Man Ray y Cecil Beaton. Parte de las exhibiciones (más de 40 obras), también fuentes documentales utilizadas en la preparación de la exposición fueron prestados por la Fundación Gala-Salvador Dalí. Los objetos que ahora son propiedad de museos europeos y americanos y aquellos que pertenecen a varias colecciones privadas también ayudan a revelar el fenómeno de Gala como una personalidad creativa.

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Para la exposición se prestaron obras del Museo de Dalí en San Petersburgo (Florida, Estados Unidos), Museo Haggerty de arte de Milwaukee (Wisconsin, Estados Unidos), Centro de Arte y Cultura Georges Pompidou (París, Francia), Pinacoteca de la Modernidad (Munich, Alemania), Museo de arte moderno de Trento y Rovereto (Rovereto, Italia), el centro de Arte Moderno Reina Sofía en Madrid y muchos otros. La exposición está organizada con el apoyo de Abertis, TRAM, Renfe SNCF, así como en colaboración con la Fundación Damm. 
  • Fechas de la exposición: del 6 de julio al 15 de octubre de 2018.
  • Lugar de la exposición: Museu Nacional d'Art de Catalunya, Barcelona
  • Precio de las entradas: 8 €
UE
En la foto: Salvador Dalí. Portrait of Gala with Two Chops Balanced on Her Shoulder. c. 1934. Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres. © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, VEGAP, Barcelona, 2018.
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ENTREVISTA CON JAVIER MARÍN: ME ENCANTA TRABAJAR CON LAS MANOS Y QUE SE NOTE


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EL ARTISTA PLÁSTICO HABLÓ CON LA JORNADA AGUASCALIENTES DE SUS INICIOS, INQUIETUDES ESTÉTICAS Y EL MUNDO DEL ARTE

“Todos los niños hicimos un dibujito y lo pusimos en el pizarrón y yo vi el mío y me gustó por alguna, razón”
El jueves 12 de julio fue inaugurada la exposición Claroscuro del artista plástico Javier Marín en el Museo Espacio, uno de los escultores más reconocidos del país quien ofreció una entrevista exclusiva a La Jornada Aguascalientes, en donde habló de sus primeros pasos en el arte, la obsesión con la factura de sus obras y sobre las diferencias entre antes y la actualidad.
Tras un pequeño paseo por donde el artista buscó junto con los reporteros de La Jornada Aguascalientes el mejor punto para realizar la entrevista que también fue filmada; Marín sugirió la primera sala donde están tres de sus esculturas más reconocidas como Mujer Varillas de 2007.  
Todas las fotos: Salvador Arce / 

Carlos Olvera Zurita (COZ): Eres artista plástico, pero te has especializado en la escultura ¿Cómo estás?
Javier Marín (JM): Bien, muy contento, aquí dándole los últimos toques al montaje.
COZ: Platícame que podrá ver el visitante del Museo Espacio en esta exposición que se llama Claroscuro.
JM: Va a poder ver más o menos una panorámica de lo que ha sido el trabajo de Javier Marín en aproximadamente 30 años de trabajo. Hay trabajos de diferentes épocas, el montaje está puesto de una manera cronológica y eso lo va a hacer interesante pues quién ya conoce a Javier Marín va a ver incluso piezas de producción inéditas que están hechas para el museo y el que no lo conoce pues se va a poder dar una idea general del trabajo.
COZ: ¿Cuáles son las obras inéditas?
JM: Hay unos dibujos en unos soportes circulares que fueron hechos especialmente para esta exposición y hay una pieza, una instalación que por primera vez se exhibe completa que son las piernas de hombre y de mujer. Se habían exhibido anteriormente de manera individual, o las de hombre o las de mujer, pero nunca juntas como fueron concebidas desde un principio como idea.
COZ: ¿Por qué se tomó la decisión de mostrarlas juntas en esta ocasión?
JM: Sinceramente te lo digo: porque teníamos el espacio, el espacio magnífico del museo que es extraordinarias las salas y te dan chance de todo, son generosísimas y muy bellas salas.
COZ: Hace 10 años estuviste en el Museo de Arte Contemporáneo, El Ocho que le llamamos; ¿Qué ha cambiado desde entonces hasta el día de hoy?
JM: ¡Huy! no sé qué decirte porque para ser sincero no me acuerdo muy bien como estaba armada aquella exposición, pero siempre es interesante ver la evolución en diez años, quien tenga más memoria que yo y haya visto la exposición entonces podrá notar los cambios.
COZ: Pero en tu carrera en general en estos 10 años, ¿Cómo has evolucionado? ¿Qué giros?
JM: Bueno en estos 30, que es más o menos lo que abarca la exposición es muchísimo, hay mucha evolución formal en cuanto al trabajo, las soluciones formales han cambiado muchísimo, series nuevas, medios nuevos, técnicas nuevas.
COZ: Tú empezaste, si no me equivoco, pintando y ahora vuelves a retomar la pintura en una de tus últimas etapas.
JM: De las más recientes, que no es lo mismo que las últimas…
COZ: De las más recientes…
JM: No sé, el trabajo mismo me ha dado la vuelta y me ha regresado a la obra bidimensional que tiene que ver con pintura y con procesos fotográficos y no sé, es la exploración del volumen, la exploración de mis formas.
COZ: ¿En qué momento dijiste: “Quiero que este dedo que dejé marcado sea parte integral de lo que le voy a mostrar a la gente”?
Me encanta trabajar con las manos y me parece valioso y justo que se note, que quien la ve lo note.
 JM: No la planeé así, así se ha dado y de repente estoy contento con mi escultura en un cierto momento que no es para nada el momento donde está más lisita y donde no se ven mis huellas, simplemente… no sé, es el resultado de un trabajo, me encanta trabajar con las manos y me parece valioso y justo que se note, que quien la ve lo note.
COZ: Me encantó cuando explicaste que tuviste que deconstruir la obra por las condiciones del trabajo, es decir, diferentes situaciones físicas te orillaron a esto y tú dejaste que se vieran esos procesos en el resultado final.
JM: Sí, se volvió una constante a lo largo del trabajo, hablando de la evolución del trabajo me di cuenta que sí estaba bien la parte como de la forma integral completamente resuelta, pero también que se podía ir más allá. He podido transgredir mi propia forma, mi propia composición, mi propia pieza terminada, ir más allá, a lo mejor ver qué sucede si la fragmento, si la desarmo, si hay una exploración en la parte de adentro, ¿Qué hay? En el espacio negativo, en las vasijas de barro que son vacías, generan un espacio hacia afuera y hacia adentro; todo eso se vuelve como un campo de investigación que a mí me resulta muy interesante y si soy honesto y me gustaría que cualquier que lo vea lo pueda leer.p
COZ: Precisamente también te gusta que se den cuenta quienes vienen a ver tus obras de que no puedes hacerlas tú solo, tienes todo un equipo detrás.
JM: Sí puedo, pero en el caso de estas esculturas no son trabajo de una sola persona, en todo lo que son las soluciones formales y de materiales y técnicas hay un montón de gente involucrada.
COZ: ¿Recuerdas de tus primeras esculturas? Hablo de tu niñez, creo que todos llegamos a jugar con el lodo, la plastilina, ¿te acuerdas qué moldeabas?
JM: Me encantaba jugar con plastilina, pero yo creo que nada diferente a otros niños: muñequitos y animales y árboles y casas y pues lo que veías, lo que constituías, tu vida y tu entorno.
COZ: ¿Te vieron el talento desde chiquito? ¿Tú solito lo descubriste?
JM: ¿Qué será? En algún momento me di cuenta que aparte de gustarme muchísimo lo que hacía, que no era malo. Me acuerdo mucho de una imagen, de un momento, en el kinder debo haber estado, que todos los niños hicimos un dibujito y lo pusimos en el pizarrón y yo vi el mío y me gustó por alguna razón, más que todos los demás.
COZ: Te lo pregunto porque hay quienes encuentran el gusto y luego la vocación o quienes encuentran la vocación y luego el gusto, ¿En tu caso fue vocación y luego gusto?
JM: Pues van juntos, yo hago esto y aprendí a hacerlo, veía a mi papá trabajar, él era arquitecto, y en sus momentos de estar solo, de estar contento, de estar feliz, de estar consigo mismo, dentro de su casa con sus hijos que supongo amaba; él es cuando se ponía a hacer algo, o dibujaba o pintaba y yo entendí eso y esa fue mi aproximación al mundo del arte, esa fue mi forma de entenderlo, para mi sigue siendo una experiencia placentera.
COZ: Corrígeme si me equivoco, leí en una entrevista que te hicieron en El País, que llegaste tarde porque venías en el metro y se sorprendieron porque llegaste en el metro.
JM: ¿Sería yo? No sé, es que son muchas entrevistas. Pero sí puede ser algo que me hubiera pasado, ya no me muevo en el metro, pero toda la vida me moví en transporte público.
COZ: Pero ¿Qué opinas de la figura del artista como un sibarita?
JM: Pues todo se vale, esto no es exclusivo de los artistas yo disfruto más que del lujo, poder hacer lo que quiero hacer, para mí, tener los medios necesarios para llevar a cabo mi proyectos es importante más que cualquier otra cosa.
COZ: Te preguntaban también del apoyo que tienen los artistas, tú decías, “Es que sí tienen”.
JM: Es que sí tienen la verdad, tienen un chorro de apoyos, nos encanta quejarnos, pero estamos de veras que en jauja, ojalá les hubiera tocado vivir el momento que me tocó a mi o a nuestros papás o a nuestros abuelos, ahorita estamos rebien.
Toda esta cantidad de becas que se dan en México, mal dadas, bien dadas, están ahí, existen y son una posibilidad para cualquiera; es otro mundo, antes era mucho más complicado.
COZ: ¿Cómo fue en tus tiempos?
JM: Pues nada, era ráscate con tus uñas, la verdad es que no había apoyos, no había esta comunicación, esta red internacional de apoyos a artistas, fundaciones en otros países que apoyan a los artistas del mundo, toda esta cantidad de becas que se dan en México, mal dadas, bien dadas, están ahí, existen y son una posibilidad para cualquiera; es otro mundo, antes era mucho más complicado.
COZ: ¿Qué hubiera pasado si en tu tiempo hubieras tenido una de esas becas?
JM: Pues a lo mejor me hubiera echado como vaca, como muchos artistas becados, les dan la beca y se echan a ver pasar la vida, a lo mejor hubiera muchas otras cosas más.
COZ: Oye y ¿Qué opinas del mercado del arte?
JM: Eso es algo que no tiene que ver con el arte, es mercado, mercado, podríamos estar hablando del mercado de zanahorias o jícamas, es un tema totalmente aparte; es muy interesante, tiene sus reglas muy específicas; es comprar y vender.
COZ: ¿Qué papel juega el gobierno en este mercado?
JM: ¡Bo! ¿En el mercado del arte? No sé qué tanto, no sé la idea de que el estado se volviera legitimador de un artista, podría ser parte de, pero no creo que sea definitivo, no creo que el gobierno sea el legitimador de la obra de un artista para que entonces pueda tener un lugar mejor en el mercado del arte, creo que obedece a otras reglas.
COZ: Por último, ¿Cuál sería el mensaje que darías a quienes están empezando y quienes ya están consolidados como artistas?
JM: Tengo que ser un poquito cursi pero pues es la verdad, que perseveren, que sean honestos que no se crean que se van a morir de hambre, no es cierto, esta profesión está llena de mitos en ese sentido es una profesión como cualquier otra, hay que darse su lugar, hay que estar bien parado y hay que estar fuerte, ser consistente, si eres artista sé artista.
Fuente

http://www.lja.mx

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