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viernes, 18 de enero de 2019

El Museo de la Ciencia presenta su nueva exposición temporal ‘Las máquinas de Leonardo Da Vinci’


 20190117 expo Da Vinci en Museo Ciencia 6738

 Muestra formada por más de 50 réplicas de inventos de da Vinci, muchas de ellas interactivas




- La muestra, producida por la empresa polaca Araneus, conmemora el quinto centenario de la muerte del genio italiano - Permanecerá en la Sala de Exposiciones Temporales del Museo hasta el 23 de abril de 2019 El Museo de la Ciencia de Valladolid acoge una nueva exposición temporal: ‘Máquinas de Leonardo da Vinci’, que ha sido inaugurada por la concejala de Cultura y Turismo, Ana Redondo; la directora del Museo de la Ciencia, Inés Rodríguez Hidalgo; y el socio de la empresa polaca Araneus, Szymon Przebinda. Esta muestra, que tiene como objetivo acercar al público la figura y la obra del genio italiano, conmemora el quinto centenario de la muerte de Leonardo da Vinci (1452, Anchiano - Vinci, Italia - 1519, Amboise, Francia); polímata renacentista conocido principalmente por su destacado talento como ingeniero, inventor y pintor.


 En esta línea, la muestra reúne más de 50 fidedignas réplicas de inventos de da Vinci reconstruidas a partir de sus bocetos originales. Entre otras, el público podrá observar una bicicleta, un paracaídas, una escalera de asalto o una ballesta.


Todas las piezas han sido realizadas por expertos artesanos italianos, utilizando exclusivamente materiales que estaban disponibles en la época de da Vinci, como la madera (predominantemente de cerezo), el hierro, la cuerda o el tejido de lino. Además, numerosas máquinas expuestas son interactivas, por lo que el público tendrá la posibilidad de aprender principios básicos de física e ingeniería a través de la manipulación de las mismas. Entre otras aplicaciones prácticas, los visitantes podrán comprobar el funcionamiento de una cadena, invento que sigue utilizándose actualmente sin apenas modificaciones; levantar y mover peso gracias a la grúa giratoria, máquina utilizada para la construcción de todo tipo de cúpulas; experimentar con el mecanismo de propulsión de un barco de paletas; o sorprenderse con el reflejo infinito de la cámara de espejos.


 La exposición se completa con una veintena de reproducciones de famosas pinturas del artista, como ‘La Mona Lisa’ (La Gioconda), ‘La última cena’ o el ‘Retrato de un músico’; la mayoría de ellas en el tamaño y formato originales. Asimismo, la exposición ofrece información detallada, tanto en castellano como en inglés, del funcionamiento de cada una de las piezas del recorrido. ‘Máquinas de Leonardo da Vinci’ permanecerá en la Sala de Exposiciones Temporales del Museo del 17 de enero al 23 de abril de 2019. Un proyecto que ya ha recorrido con gran éxito ciudades como Múnich, Frankfurt, Leipzig, Ljubljana o Lisboa.

Fuente
https://www.valladolid.es


domingo, 6 de enero de 2019

¿ Dónde se esconde la creatividad ?


La novelista Amy Tan profundiza en el proceso creativo, en busca de indicios de cómo evolucionó la suya.


Amy Tan

Novelista



Amy Tan es autora de libros tan queridos como The Joy Luck Club, The Kitchen God's Wife y The Hundred Secret Senses.

Porque debes escuchar

Amy Tan, nacida en Estados Unidos de padres inmigrantes de China, rechazó las expectativas de su madre de convertirse en doctora y concertista de piano. Ella optó por escribir ficción en su lugar. Sus muy queridas y exitosas novelas han sido traducidas a 35 idiomas. En 2008, escribió un libreto para The Bonesetter's Daughter , que se estrenó en septiembre con la Ópera de San Francisco.
Tan fue la asesora creativa de Sagwa , la serie de PBS para niños nominada al Emmy, y ha aparecido como ella misma en The Simpsons . Ella es la dominatrix líder en ritmo, cantante de respaldo y segunda pandereta con Rock Bottom Remainders , una banda literaria de garaje que ha recaudado más de un millón de dólares para programas de alfabetización.

Lo que otros dicen

"[Ella] tiene un maravilloso ojo para lo que dice, un buen oído para el diálogo, una profunda empatía por su tema y una forma de escribir sin escrúpulos" - Orville Schell, New York Times

Fuente


Tu genio creativo esquivo



Elizabeth Gilbert reflexiona sobre las cosas imposibles que esperamos de artistas y genios, y comparte la idea radical de que, en lugar de que la persona rara "sea" un genio, todos nosotros "tengamos" un genio. Es una charla divertida, personal y sorprendentemente conmovedora.




Elizabeth Gilbert

Escritor

La autora de "Come, reza, ama", Elizabeth Gilbert ha pensado mucho sobre algunos temas importantes. Sus fascinaciones: el genio, la creatividad y cómo nos encontramos en nuestro camino cuando se trata de ambos.

Porque debes escuchar

Elizabeth Gilbert enfrentó una crisis de la premiducidad haciendo lo que todos soñamos en secreto: escapar por un año. Sus viajes a través de Italia, India e Indonesia resultaron en el megabestsselling y profundamente amado memorias  Eat, Pray, Love ,  sobre su proceso de encontrarse a sí misma al salir de casa. 

Es una escritora de revistas desde hace mucho tiempo, que abarca música y política para Spin y GQ , además de novelista y escritora de cuentos. Sus libros incluyen la colección de cuentos  Peregrinos , la novela  Stern Men  (sobre pescadores de langosta en Maine) y una biografía del leñador Eustace Conway, llamada  The Last American Man . Su trabajo ha sido la base de dos películas hasta ahora (Coyote Ugly , basada en su propia historia de trabajo en el famoso bar en la ciudad de Nueva York, y Eat, Pray, Love , con el papel de Gilbert interpretado por Julia Roberts. No está mal para un año de descanso.
En 2010, Elizabeth publicó Comprometido , una memoria que explora sus sentimientos ambivalentes sobre la institución del matrimonio. Y su novela de 2013,  La firma de todas las cosas , es "una historia en expansión de la exploración botánica del siglo XIX".
Gilbert también posee y dirige la tienda de importación Two Buttons en Frenchtown, New Jersey.

Lo que otros dicen

"Gilbert es irreverente, hilarante, alegre, valiente, inteligente y tiene un dominio magistral de su prosa brillante". - Lista de libros

Fuente



sábado, 5 de enero de 2019

Cómo el bombardeo de hilos se convirtió en un movimiento mundial



La artista textil Magda Sayeg transforma los paisajes urbanos en su propio patio de juegos decorando objetos cotidianos con tejidos de punto y crochet coloridos. Estas cálidas y difusas "bombas de hilo" comenzaron siendo pequeñas, con postes de señales de alto y bocas de incendio en la ciudad natal de Sayeg, pero pronto la gente encontró una conexión con la nave y la extendió por todo el mundo. "Todos vivimos en este mundo digital acelerado, pero aún anhelamos y deseamos algo que pueda relacionarse", dice Sayeg. "El poder oculto se puede encontrar en los lugares más sencillos, y todos poseemos habilidades que solo esperan ser descubiertas".



Magda Sayeg

Artista textil


Magda Sayeg usa bombas de hilo hechas a mano y llamativas para sacudir la forma en que vemos el mundo y nos damos cuenta de cosas que no habíamos visto antes.

Porque debes escuchar

Considerada como la madre del bombardeo de hilados, el trabajo de 10 años de Magda Sayeg incluye el autobús cubierto de punto / ganchillo ampliamente reconocido en la Ciudad de México, así como su primera exposición individual en Roma en La Museo des Esposizione. Su trabajo ha evolucionado para incluir instalaciones a gran escala en todo el mundo, incluidas comisiones y colaboraciones con empresas como Commes Des Garçons, Fashionbook CR, Absolut Vodka, Insight 51, Mini Cooper, Gap, Smart Car. Ella sigue participando en espectáculos como el Triennale Design Museum de Milán, Le MUR en París y la Galería Nacional de Australia, entre otros. Sus instalaciones también se han destacado en los monumentos estadounidenses de la cultura contemporánea, como The Standard Hotel, South By Southwest y el Austin City Limits Festival.
Más recientemente, Magda ha ampliado su obra de arte para abarcar nuevos medios y técnicas, como en su exposición individual en Roma, que exploró el uso de la iluminación con material de punto. Ella continúa expandiendo sus límites al unirse a la compañía de medios integrados 1stAveMachine como uno de sus directores, que servirá como plataforma para nuevos tipos de experimentación y colaboración.
Los proyectos recientes incluyen una instalación para Dover Street Market en la ciudad de Nueva York que cubre una columna de 6 pisos y un autobús Route Master Double Decker de punto en Londres.

 

Fuente




Un proyecto,de paz pintado en 50 edificios




EL Seed fusiona la caligrafía árabe con el graffiti para pintar mensajes de esperanza y paz llenos de color y remolinos en edificios de Túnez a París. El artista y TED Fellow comparten la historia de su proyecto más ambicioso hasta la fecha: un mural pintado en 50 edificios en Manshiyat Naser, un distrito de El Cairo, Egipto, que solo se puede ver desde una montaña cercana.




eL Seed

Artista


El artista franco-tunecino eL Seed combina el arte histórico de la caligrafía árabe con graffti para retratar mensajes de belleza, poesía y paz en todos los continentes.

Porque debes escuchar

Nacido en París de padres tunecinos, eL Seed viaja por el mundo, haciendo arte en París, Nueva York, Jeddah, Melbourne, Gabes, Doha y más allá. Su objetivo: crear un diálogo y promover la tolerancia, así como cambiar las percepciones globales de lo que significa el árabe. En 2012, por ejemplo, pintó un mensaje de unidad en un minarete de 47 metros de altura en la mezquita Jara en Gabes, Túnez. Esta y otras piezas se pueden encontrar en su libro,  Lost Walls: Graffiti Road Trip through Tunisia
Más recientemente, creó un extenso mural en el vecindario Manshiyat Naser de El Cairo, que abarca 50 edificios y solo se puede ver desde la cima de una montaña local. Con la intención de honrar a los recolectores de basura históricos del vecindario Manshiyat Naser, la pieza dice: "Cualquiera que quiera ver la luz del sol claramente necesita limpiarse los ojos primero".

Lo que otros dicen

"Un artista callejero nacido en París de padres tunecinos, eL Seed no aprendió a leer ni a escribir en árabe hasta su adolescencia, pero cuando renovó su interés en su herencia tuvo un profundo efecto en su arte". - BBC

Fuente

Cómo la pintura puede transformar comunidades



Los artistas Jeroen Koolhaas y Dre Urhahn crean arte comunitario pintando vecindarios enteros e involucrando a aquellos que viven allí, desde las favelas de Río hasta las calles del norte de Filadelfia. ¿Qué ha hecho que sus proyectos tengan éxito? En esta charla divertida e inspiradora, los artistas explican su enfoque de arte primero y la importancia de una barbacoa en el vecindario.



Haas & Hahn

Pintores de favela

Trabajando como Haas & Hahn, los artistas Jeroen Koolhaas y Dre Urhahn colorean las paredes urbanas, y capacitan a jóvenes pintores en el proceso.

Porque debes escuchar

Es una imagen que se ve en todo el mundo: Praça Cantão, una plaza dentro de la favela de Santa Marta en Río, con rayas de colores del arco iris que convierten los muros de mampostería en una visión brillantemente unificada. Impulsado en 2010 por los artistas holandeses Jeroen Koolhaas y Dre Urhahn en colaboración con el grupo local "Tudo de cor para você", la pintura fue realizada por 25 jóvenes del vecindario y reformuló la plaza como un lugar de orgullo compartido. Desde entonces, los locales han continuado con el proyecto, con grupos de trabajo de pintura mensuales y otras actividades que involucraron a 800 personas y transformaron la estética y la psicología social de toda la favela.
 
Conocidos como "pintores de la favela", Haas & Hahn han estado trabajando en proyectos comunitarios en Río por casi 10 años. También han trabajado en Haití y Curazao, y en 2011 se mudaron al norte a un barrio difícil en el norte de Filadelfia, donde capacitaron al equipo de pintura de Filadelfia para cubrir un corredor comercial desgastado en enormes bloques de colores. Regresaron a Río en 2014 para un nuevo proyecto en la favela de Vila Cruzeiro.
Fuente

Un viaje por la mente de un artista





Dustin Yellin crea obras de arte fascinantes que cuentan historias complejas inspiradas en mitos. ¿Cómo desarrolló su estilo? En esta charla que desarma, comparte el viaje de un artista, a partir de los 8 años, y su forma idiosincrásica de pensar y ver. Sigue el camino que lo lleva a su último trabajo importante (o dos).




Dustin Yellin

Escultor

Aclamado por sus monumentales "pinturas escultóricas", Dustin Yellin ahora nutre voces en la comunidad artística con Pioneer Works, su gigantesco centro de arte de Brooklyn. Porque debes escuchar Las fascinantes esculturas de cristal de Dustin Yellin explotan el collage en formas tridimensionales y le han ganado elogios de todo el mundo del arte. A partir de los primeros trabajos de resina en capas, las esculturas de Yellin aumentaron en tamaño (y peso), culminando en el tríptico de 12 toneladas y tres paneles . Pero el proyecto más ambicioso de Yellin puede ser Pioneer Works, un colosal complejo artístico de 27,000 pies cuadrados en Red Hook, Brooklyn. Con sus residencias, talleres y laboratorio de ciencias en el lugar, Pioneer Works cultiva la experimentación interdisciplinaria sin importar el potencial de ganancias. Lo que otros dicen "" [Dustin Yellin] es un artista tan completamente conectado con la gente, casi no hay un lugar donde vaya a donde alguien no esté esperando para abrir una puerta y darle la bienvenida "" - New York Times, 19 de marzo de 2014

TED
https://www.ted.com

viernes, 4 de enero de 2019

En salas: DA VINCI, de Milán a la National Gallery de Londres

          Resultado de imagen de Leonardo Da Vinci.

Que sea esta una buena oportunidad para saludar el año desde las salas de cine, una reunión imperdible de obras de Leonardo Da Vinci.
2018 fue un año de crecimiento para la industria de cine en Colombia, nos dejó 16 nuevos teatros, el cine llega a 66 ciudades y hay más de mil pantallas para unos 172,863 espectadores cada día. Tenemos una sala por cada 39,428 habitantes del país y aunque sigue siendo poco, el crecimiento es continuo. Un colombiano consume en promedio 1.3 películas al año, y en 2018 se estrenaron 40 películas colombianas que representaron el 3.1% de los espectadores. Bogotá suma 20.6 millones de espectadores; 33% del consumo del país y las salas comerciales, no todas, se han aventurado a expandir los horizontes temáticos, ampliando las oportunidades de los espectadores para descubrir nuevas y diferentes historias a través de la pantalla.
'Arte en Pantalla' es una de esas apuestas, una serie de producciones que nos propone un viaje que a través de las exposiciones de arte más emblemáticas del mundo filmadas en alta definición y con entrevistas a curadores, restauradores y expertos, nos permite acercarnos desde una sala de cine a esos lugares donde ocurre la historia. A través de esta serie hemos visto en las salas de Cine Colombia documentales y películas sobre legendarios personajes como Vincent van GoghRembrandt, Henri Matisse, y hemos explorado en episodios como el de Los Impresionistas; en 2018 la temporada cerró con el documental Cézanne, retratos de una vida, y el 2019 comienza con Leonardo Da Vinci
pintor, arquitecto, científico, ingeniero, escultor, filósofo, anatomista, músico, escritor, urbanista e inventor. Un artista que superó el espíritu de su tiempo y cuya obra trasciente en el tiempo y ahora se exhibe desde las salas del museo en la salas de cine. 
Nacido en Toscana en 1492 y fallecido en Francia en 1519, Da Vinci se formó como artista en Florencia en el taller de Andrea de Verrochio. Sus primeros grandes trabajos los realizó en Milán durante las dos décadas que vivió bajo el mecenazgo de Ludovico Sforza (Duque de Milán). Luego fue a Roma donde trabajó para Julio de Médicis y sus últimos años estuvo en Francia bajo la protección de Francisco I. Y aunque es reconocido como uno de los grandes maestros de la pintura, solo sobreviven alrededor de 20 de sus obras, de las cuales la más reconocida es La Mona Lisa; también son célebres La última cenaLa anunciaciónLa Virgen de las RocasLa belle ferronière, además de su famoso dibujo Hombre de Vitruvio, y todas, por primera vez en la historia, habitan un mismo lugar para na exposición nunca antes vista, posiblemente un evento irrepetible.
Cuando la National Gallery de Londres anunció una exhibición dedicada a Da Vinci, nadie pensó que esta pasaría a la historia como uno de los eventos artísticos más relevantes del presente siglo, tal vez por ello se realizó esta pieza audiovisual que ahora llega a salas de cine y que con comentarios de los curadores, historiadores del arte y restauradores, nos dan la posibilidad de acercarnos con lupa a lienzos que continúan asombrando y conmoviendo a los amantes del arte. 
Este documental, llamado DA VINCI: De Milán a la National Gallery de Londres, es dirigido por Phil Grabsky y tendrá funciones únicas en Colombia el 25, 26 y 27 de enero de 2019 en Bogotá, Medellín, Cali, Bucaramanga, Manizales, Barranquilla, Cartagena, Armenia, Ibagué, Manizales, Popayán y Pereira.
Imperdible esta mirada al montaje, la inauguración y el éxito de la exposición que recopiló, bajo un mismo techo, las piezas más emblemáticas del genio renacentista de su periodo milanés en la National Gallery de Londres.
Fuente

Aphostol – Mundos Oníricos

Hoy nos acercamos al mundo del Arte Digital de la mano de Sergio Miguel Ramos, un artista que proviene de la factoría deviantArt y que se da a conocer como Aphostol. Entre lo fantástico y lo oscuro, Sergio nos da a conocer su trabajo así como sus impresiones y la forma de entender su Arte. (Clic en imágenes para ampliar).
enkil: Cuentanos, ¿quién es Aphostol?
Aphostol: Bueno Aphostol es mi alter ego en la red , la parte de mi que se divierte creando…  en realidad me llamo Sergio Miguel, vivo en Valladolid y tengo 32 años.
enkil: ¿Cómo te inicias en el mundo del Arte Digital? 
Aphostol: Pues a raíz de registrarme en Deviantart , siempre había tenido inquietudes artísticas, pero no había encontrado la manera de expresarlas… vi lo que se podía llegar a hacer con programas como el photoshop y me puse con ello, de esto hace un año y medio.
enkil:¿Qué es el Dark Art? ¿Está Aphostol identificado con ese estilo?
Aphostol:No del todo, el Dark Art es más pesimista, más deprimente , a veces incluso roza lo macabro, sin embargo en mis trabajos hay lugar para la esperanza.
enkil: Hay gente que identifica el Arte oscuro con personas desencantadas, tristes y melancólicas, pero no tiene porque ser así. ¿Cómo es Aphostol en su día a día?
Aphostol:Me considero una persona muy normal , en ocasiones me siento triste o melancólico, pero la mayoría de las veces no es así, me temo que no cumplo con los cánones de estética y personalidad de un Dark artist jejeje.
enkil: En tus imágenes podemos ver referencias a la mitología y al cine. ¿Cuales son tus fuentes de inspiración?
Aphostol: En gran parte son mis fuentes de inspiración… siempre me ha fascinado la mitología, sobre todo la Nórdica y la Cristiana y en cuanto al cine el género fantástico y de ciencia-ficción son mis favoritos. También me siento inspirado  por la literatura fantástica autores como Tolkien, Robert Jordan , Salvatore  o George R.R Martin están entre mis favoritos.
enkil: ¿Cómo describirías el mundo que creas con tus imágenes?
Aphostol: Son mundos oníricos, a veces oscuros, a veces apocalípticos … pero en ellos siempre hay lugar para la esperanza.
enkil: ¿Cuál es tu proceso de creación y con que herramientas cuentas?
Aphostol: Mis herramientas de trabajo son Photoshop CS3 , algo de Corel Painter X y una tableta digitalizadora Wacon Intous 3.
Mi proceso de creación comienza con una idea , una imagen en mi mente , que surge mientras veo una película,  leo un libro o simplemente  porque si… a partir de hay busco las fotos de stock que necesito (últimamente cada vez menos) y empieza el proceso de creación en el que combino fotos con dibujo; en mis últimos trabajos cada vez hay más partes dibujadas y mi meta es que al final todas lo sean, cuando llegue ese momento es cuando realmente me sentiré como un artista.
enkil: ¿Crees que un artista digital puede sentir lo mismo ante su obra que uno tradicional?
Aphostol: Pienso que la sensación puede ser la misma, cuando termino un trabajo y estoy satisfecho con el resultado…  no se, es una sensación muy reconfortante; eso no quita, que piense que tiene mucho más merito, transformar  un bloque de piedra en  una hermosa escultura.
enkil: ¿Con qué salidas cuenta un artista digital? 
Aphostol: En cuanto a las artísticas, pienso que es muy complicado llegar a ser alguien en este mundillo, no solo depende del talento que puedas tener, esto lo he podido comprobar en Deviantart, hay muchos artistas que pienso que no merecen la fama que tienen y otros con un gran talento pasan desapercibidos.
Con respecto a las laborales hay más posibilidades, por propia experiencia te puedo decir que si que se reciben ofertas, otra cosa es que, como es mi caso, no tengas tiempo material y tengas que rechazarlas.
enkil: Las galerías son terreno propicio para pintores, escultores e incluso fotógrafos. ¿Es este un terreno complicado para un artista digital? 
Aphostol: Por el momento si, digamos que es un arte nuevo y todavía no cuenta con el prestigio de la pintura o de la escultura, pero pienso que todo llegara. Por otro lado  hay muchos puristas que solo ven el dominio de unos determinados programas informáticos y no el talento que se esconde detrás, hay artistas digitales con muchísimo talento…  es solo cuestión de tiempo que también tengan su reconocimiento.
enkil: ¿Qué papel juega Internet dentro del mundo digital?
Aphostol: Muy importante, puedes tener tu propia galería en la red, la gente de cualquier parte del mundo puede ver tus trabajos y por otra parte puedes conocer a otros artistas y aprender de ellos… o como en este caso hacer una entrevista!!
enkil: ¿Qué artistas te gustan o te influyen a la hora de crear?
Aphostol: Mi artista preferido es Luis Royo, estoy totalmente influenciado por su obra… ha sido capaz de crear un mundo propio fascinante.
enkil: ¿Qué planes de futuro tiene aphostol?
Aphostol: Mejorar mi técnica con el dibujo, digamos que el necesitar todavía, de fotos de stock para realizar mis trabajos me limita mucho, hay muchos ideas que tengo en mente que no puedo llevar a la practica por ello… pero bueno, lo principal es seguir divirtiéndome, si algún día dejo de hacerlo sera mala señal.
Títulos de arriba a abajo: Ares – True romance – Tears of stone – The last empire – New horizont – Its time of hope – Exile – Dark star – Dragon wars – Histori of an imposible – Other world the mesenger – Tears of stone II – The wheel of time – Time to dream
Fuente

Robert Tirado© – “Fly Buterfly”
Robert Tirado es un artista gráfico Venezolano con sede en Valencia. AEI.UO es su proyecto experimental que reúne ilustración digital, pintura y diseño gráfico. Sus obras son consecuencia de la experiencia en técnicas de arte tradicional a las cuales le da un perfecto equilibrio entre el aspecto particular del trabajo digital y la expresión de la vida real en la pintura con la que el artista juega desde su juventud. AEI.UO trata de la investigación de diferentes formas de obtener resultados óptimos basándose en el encanto femenino e influenciado por la música, la historia, el Arte y el mundo moderno de la moda, no dejando nunca de lado la poesía, las formas geométricas y una mirada crítica frente a todo.
Robert Tirado© – “My Private Cabaret”
Robert Tirado© – “Chic Squid”
Sus obras y piezas de arte han sido publicados en revistas de arte y diseño de toda Europa y América y ha sido ganador de concursos de proyectos diversos. Ha trabajado junto con bandas de música de vanguardia y colectivos (diseño web e ilustraciones) y participó en muchas exposiciones de arte desde 2004 a 2009. AEI.UO es definitivamente una nueva propuesta para aquellos que buscan una perspectiva más fresca sobre el arte y una amplia gama de posibilidades en esta era digitalizada. A Robert Tirado también lo podemos ver en Flickr y en Behance.
Robert Tirado© – “Mademoiselle Taxidermiste”
Robert Tirado© – Loving the Excess and Success”
“Empecé a pintar desde que era un niño muy pequeño. Porque tenía la sensación de que era mi cosa preferida en todo el mundo. Me gustaban los colores, lápices, pinceles y pinturas … así que mi familia decidió darme un apoyo para llevar a cabo mis conocimientos de arte. Fui a clases de arte cuando tenía 12 años. Fue muy agradable, porque mi maestra me mostró algunos libros de arte con imágenes de Salvador Dalí … y fue una gran influencia para mí en mis primeros tiempos”
Robert Tirado© – “Feather Heaven”
Robert Tirado© – “Nola Berlin”
“Estoy enamorado de todos los colores. Por lo general es un gran recurso en mi proceso y, por supuesto, el producto final. Puedo utilizar los colores como un espejo de mis propios sentimientos. Frecuentemente hago un montón de reflexiones sobre la psicología del color y sobre el simbolismo, pero a veces puedo ser más empírico y primario”
Robert Tirado© – “Kissable Lips”
Robert Tirado© – “Amor Escultural”
“Mi inspiración vino de la mujer y toda su belleza, pero estoy influenciado por el arte, la historia, la música, el mundo de la moda, la familia y los amigos o la arquitectura. También de mi admiración por algunos ilustradores y diseñadores, aunque mis obras de arte pueden ser muy diferente a las obras de esos artistas. Quisiera acercarse a la escena de la ilustración moderna a través de mis obras de arte y mi técnica de personal.”
Robert Tirado© – “Amore Sohuii”
Robert Tirado© – “Nana Galaxian”
“Los únicos puntos limpios son los realizados con pintura” (Robert Tirado)
Robert Tirado© – “Goldie”
Robert Tirado© – “Goldie”
Robert Tirado© – “Goldie”
Fuente

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