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lunes, 16 de julio de 2018

'El impacto de lo nuevo' rinde homenaje al crítico de arte Robert Hughes en el Patio Herreriano


PATIO HERRERIANO
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Desde el martes 17 de julio, y durante cuatro días consecutivos, se proyectarán ocho documentales escritos por el australiano sobre el arte en el siglo XX.

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El salón de actos del Museo Patio Herreriano de Valladolid, presenta desde el próximo martes, 17 de julio, y durante cuatro días consecutivos, el ciclo'El impacto de lo nuevo', un homenaje al crítico de arte australiano Robert Hughes, paradigma de la televisión entendida como servicio público.

Los ocho documentales del ciclo, se proyectarán los días 17, 18, 19 y 20 de julio, a las 19:00 horas con entrada gratuita 'El impacto de lo nuevo', es una serie de documentales sobre el arte en el siglo XX, fue escrito y presentado por Robert Hughes, crítico de arte y escritor de la revista Time.

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En esta serie se muestra como un magnífico profesor, agudo, individualista y franco. En palabras de su creador, Robert Hughes, 'The Shock of the New' son "ocho ensayos visuales sobre la relación de la pintura, la escultura y la arquitectura para resolver los grandes temas culturales de los últimos 100 años".
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Gala artística acerca a China y Cuba, una demostración de los históricos lazos de amistad

CUBA-HABANA-CHINA-GALA CULTURAL
LA HABANA, julio 15, 2018 (Xinhua) -- Imagen del 14 de julio de 2018 de artistas de una agrupación cubana, realizando un espectáculo durante la velada "La noche de Shanghai", en La Habana, Cuba. (Xinhua/Joaquín Hernández)
LA HABANA, 14 jul (Xinhua) -- Una gala cultural con artistas de la provincia china de Shanghai fue el pretexto para acercar este sábado a China y Cuba, dos naciones que continúan fortaleciendo los lazos de amistad, afirmó la miembro del Buró Político del Comité Central del Partido Comunista de Cuba, Mercedes López Acea.
En declaraciones exclusivas a Xinhua, la dirigente política cubana agradeció la visita a La Habana que realiza una delegación de ese país asiático, encabezada por Li Qiang, miembro del Buró Político del Comité Central del Partido Comunista de China (PCCh) y secretario del Comité Municipal de Shanghai del PCCh.
"China es ese país al que admiramos, respetamos, del que ganamos en experiencia y del que siempre esperamos esos lazos solidarios y el fortalecimiento de nuestras relaciones tanto en lo político como económico", apuntó.
La delegación china se encuentra en Cuba para participar en la XXIV reunión del Foro de Sao Paulo, un encuentro donde asisten también más de un centenar de partidos y movimientos sociales progresistas de América Latina y Europa, en un esfuerzo mancomunado por articular estrategias de integración de la izquierda a nivel mundial.
"Eso (presencia de China) ratifica una vez más esa decisión de continuar entre todos haciendo lo posible en cooperación, amistad, intercambios y debates por lograr realmente avanzar en un mundo mejor, donde los seres humanos aspiremos a tener una mejor calidad de vida sobre la base del humanismo", enfatizó.
CUBA-HABANA-CHINA-GALA CULTURAL 
LA HABANA, julio 15, 2018 (Xinhua) -- Imagen del 14 de julio de 2018 de artistas de una agrupación cubana, realizando un espectáculo durante la velada "La noche de Shanghai", en La Habana, Cuba. (Xinhua/Joaquín Hernández)
López Acea igualmente elogió a los artistas chinos pertenecientes al conjunto de cantos y danzas, al de acrobacia, al conservatorio y a la orquesta china de Shanghai, quienes deleitaron al público cubano y a los delegados del Foro de Sao Paulo que acudieron para presenciar una gala excepcional.
"Ha sido extraordinario este encuentro de ambas culturas y el regalo que nos ha hecho China con estos talentosos y virtuosos artistas que nos han hecho soñar. Su calidad, talento, entrega, la expresión escénica en este espectáculo ha sido extraordinaria", indicó la dirigente partidista.
Un total de ocho propuestas presentadas en la velada "La noche de Shanghai" conformaron un programa de lujo para los asistentes, quienes apreciaron la diversidad cultural de ese vasto territorio.
Desde la delicadeza, cadencia y elegancia de las bailarinas al ejecutar danzas típicas, hasta la jovialidad y virtuosismo del intérprete del suona (instrumento tradicional de viento) y la precisión, fortaleza, dinamismo y espectacularidad del joven acróbata, la función no careció de aplausos. Igualmente abundaron los agasajos para los artistas que supieron encantar con su profesionalismo y talento a un público muy diverso.
CUBA-HABANA-CHINA-GALA CULTURAL 
LA HABANA, julio 15, 2018 (Xinhua) -- Imagen del 14 de julio de 2018 de artistas de Shanghai, China, realizando un espectáculo durante la velada "La noche de Shanghai", en La Habana, Cuba. (Xinhua/Joaquín Hernández)
Como preámbulo de la gala, fue inaugurada en el lobby del Teatro Nacional de Cuba una exposición fotográfica que recoge los principales éxitos logrados por esa importante provincia, considerada el mayor centro económico de China, en los 40 años de aplicación de la política de Reforma y Apertura.
Desde este domingo 15 de julio y hasta el martes 17, se desarrollará en La Habana el XXIV encuentro del Foro de Sao Paulo, una oportunidad para que partidos políticos y movimientos sociales progresistas de América Latina, Europa y China tracen acciones conjuntas.
El propósito, según los organizadores del cónclave, es concertar estrategias con vistas a materializar la construcción de un modelo alternativo de desarrollo a través de una mayor integración de la izquierda a nivel regional y mundial.
CUBA-HABANA-CHINA-GALA CULTURAL 
LA HABANA, julio 15, 2018 (Xinhua) -- Imagen del 14 de julio de 2018 de artistas de Shanghai, China, realizando un espectáculo durante la velada "La noche de Shanghai", en La Habana, Cuba. (Xinhua/Joaquín Hernández)
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Pintores de Santiago de Cuba en Feria de Arte Popular en EE.UU.



Una exposición única dedicada a Gala Dalí en el Museu Nacional d'Art de Catalunya

Gala
Del 6 de julio al 14 de octubre de 2018 el Museu Nacional d'Art de Catalunya invita a todos los fans del arte vanguardista a las obras de la increíble Gala Dalí, una de las figuras más icónicas del mundo del arte del siglo XX. La exposición está organizada en colaboración con Museu Nacional, la Fundación Gala-Salvador Dalí y los Museos de Dalí. La Fundación Gala-Salvador Dalí colaboración el Museo por la primera vez y los comisarios de la exposición destacan que se trata de un paso muy importante hacia el establecimiento de la colaboración con las organizaciones museísticas claves de Cataluña.   

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Gala, la musa del gran artista español, nacida como Elena Dyakonova (Kazan, 1894 – Port-Lligat, 1982), era objeto tanto del odio como de admiración entre sus contemporáneos. Esta mujer extraordinaria se ha convertido en la coautora de tanta cantidad de obras del artista, que en el ocaso de su vida Dalí empezó a firmar sus creaciones con el nombre de los ambos: Gala-Salvador Dalí. A lo largo de la vida, Gala no solo inspiraba a Salvador Dalí, sino también creaba objetos surrealistas, editaba textos y experimentaba con modelos de ropa.
La exposición incluye 315 pinturas, bocetos, fotos, documentos y objetos personales que ayudarán a los visitantes a comprender la evolución de la imagen de Gala y la de la actitud pública hacía esta mujer. Los manuscritos del proyecto autobiográfico, postales, libros, ropa y artículos de higiene personal de la heroína de la exposición despiertan gran interés.


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Además de los retratos de Gala creados por Salvador Dalí, los conocedores del arte tendrán la oportunidad de disfrutar obras de otros artistas surrealistas y fotógrafos – Max Ernst, Pablo Picasso, Man Ray y Cecil Beaton. Parte de las exhibiciones (más de 40 obras), también fuentes documentales utilizadas en la preparación de la exposición fueron prestados por la Fundación Gala-Salvador Dalí. Los objetos que ahora son propiedad de museos europeos y americanos y aquellos que pertenecen a varias colecciones privadas también ayudan a revelar el fenómeno de Gala como una personalidad creativa.

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Para la exposición se prestaron obras del Museo de Dalí en San Petersburgo (Florida, Estados Unidos), Museo Haggerty de arte de Milwaukee (Wisconsin, Estados Unidos), Centro de Arte y Cultura Georges Pompidou (París, Francia), Pinacoteca de la Modernidad (Munich, Alemania), Museo de arte moderno de Trento y Rovereto (Rovereto, Italia), el centro de Arte Moderno Reina Sofía en Madrid y muchos otros. La exposición está organizada con el apoyo de Abertis, TRAM, Renfe SNCF, así como en colaboración con la Fundación Damm. 
  • Fechas de la exposición: del 6 de julio al 15 de octubre de 2018.
  • Lugar de la exposición: Museu Nacional d'Art de Catalunya, Barcelona
  • Precio de las entradas: 8 €
UE
En la foto: Salvador Dalí. Portrait of Gala with Two Chops Balanced on Her Shoulder. c. 1934. Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres. © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, VEGAP, Barcelona, 2018.
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ENTREVISTA CON JAVIER MARÍN: ME ENCANTA TRABAJAR CON LAS MANOS Y QUE SE NOTE


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EL ARTISTA PLÁSTICO HABLÓ CON LA JORNADA AGUASCALIENTES DE SUS INICIOS, INQUIETUDES ESTÉTICAS Y EL MUNDO DEL ARTE

“Todos los niños hicimos un dibujito y lo pusimos en el pizarrón y yo vi el mío y me gustó por alguna, razón”
El jueves 12 de julio fue inaugurada la exposición Claroscuro del artista plástico Javier Marín en el Museo Espacio, uno de los escultores más reconocidos del país quien ofreció una entrevista exclusiva a La Jornada Aguascalientes, en donde habló de sus primeros pasos en el arte, la obsesión con la factura de sus obras y sobre las diferencias entre antes y la actualidad.
Tras un pequeño paseo por donde el artista buscó junto con los reporteros de La Jornada Aguascalientes el mejor punto para realizar la entrevista que también fue filmada; Marín sugirió la primera sala donde están tres de sus esculturas más reconocidas como Mujer Varillas de 2007.  
Todas las fotos: Salvador Arce / 

Carlos Olvera Zurita (COZ): Eres artista plástico, pero te has especializado en la escultura ¿Cómo estás?
Javier Marín (JM): Bien, muy contento, aquí dándole los últimos toques al montaje.
COZ: Platícame que podrá ver el visitante del Museo Espacio en esta exposición que se llama Claroscuro.
JM: Va a poder ver más o menos una panorámica de lo que ha sido el trabajo de Javier Marín en aproximadamente 30 años de trabajo. Hay trabajos de diferentes épocas, el montaje está puesto de una manera cronológica y eso lo va a hacer interesante pues quién ya conoce a Javier Marín va a ver incluso piezas de producción inéditas que están hechas para el museo y el que no lo conoce pues se va a poder dar una idea general del trabajo.
COZ: ¿Cuáles son las obras inéditas?
JM: Hay unos dibujos en unos soportes circulares que fueron hechos especialmente para esta exposición y hay una pieza, una instalación que por primera vez se exhibe completa que son las piernas de hombre y de mujer. Se habían exhibido anteriormente de manera individual, o las de hombre o las de mujer, pero nunca juntas como fueron concebidas desde un principio como idea.
COZ: ¿Por qué se tomó la decisión de mostrarlas juntas en esta ocasión?
JM: Sinceramente te lo digo: porque teníamos el espacio, el espacio magnífico del museo que es extraordinarias las salas y te dan chance de todo, son generosísimas y muy bellas salas.
COZ: Hace 10 años estuviste en el Museo de Arte Contemporáneo, El Ocho que le llamamos; ¿Qué ha cambiado desde entonces hasta el día de hoy?
JM: ¡Huy! no sé qué decirte porque para ser sincero no me acuerdo muy bien como estaba armada aquella exposición, pero siempre es interesante ver la evolución en diez años, quien tenga más memoria que yo y haya visto la exposición entonces podrá notar los cambios.
COZ: Pero en tu carrera en general en estos 10 años, ¿Cómo has evolucionado? ¿Qué giros?
JM: Bueno en estos 30, que es más o menos lo que abarca la exposición es muchísimo, hay mucha evolución formal en cuanto al trabajo, las soluciones formales han cambiado muchísimo, series nuevas, medios nuevos, técnicas nuevas.
COZ: Tú empezaste, si no me equivoco, pintando y ahora vuelves a retomar la pintura en una de tus últimas etapas.
JM: De las más recientes, que no es lo mismo que las últimas…
COZ: De las más recientes…
JM: No sé, el trabajo mismo me ha dado la vuelta y me ha regresado a la obra bidimensional que tiene que ver con pintura y con procesos fotográficos y no sé, es la exploración del volumen, la exploración de mis formas.
COZ: ¿En qué momento dijiste: “Quiero que este dedo que dejé marcado sea parte integral de lo que le voy a mostrar a la gente”?
Me encanta trabajar con las manos y me parece valioso y justo que se note, que quien la ve lo note.
 JM: No la planeé así, así se ha dado y de repente estoy contento con mi escultura en un cierto momento que no es para nada el momento donde está más lisita y donde no se ven mis huellas, simplemente… no sé, es el resultado de un trabajo, me encanta trabajar con las manos y me parece valioso y justo que se note, que quien la ve lo note.
COZ: Me encantó cuando explicaste que tuviste que deconstruir la obra por las condiciones del trabajo, es decir, diferentes situaciones físicas te orillaron a esto y tú dejaste que se vieran esos procesos en el resultado final.
JM: Sí, se volvió una constante a lo largo del trabajo, hablando de la evolución del trabajo me di cuenta que sí estaba bien la parte como de la forma integral completamente resuelta, pero también que se podía ir más allá. He podido transgredir mi propia forma, mi propia composición, mi propia pieza terminada, ir más allá, a lo mejor ver qué sucede si la fragmento, si la desarmo, si hay una exploración en la parte de adentro, ¿Qué hay? En el espacio negativo, en las vasijas de barro que son vacías, generan un espacio hacia afuera y hacia adentro; todo eso se vuelve como un campo de investigación que a mí me resulta muy interesante y si soy honesto y me gustaría que cualquier que lo vea lo pueda leer.p
COZ: Precisamente también te gusta que se den cuenta quienes vienen a ver tus obras de que no puedes hacerlas tú solo, tienes todo un equipo detrás.
JM: Sí puedo, pero en el caso de estas esculturas no son trabajo de una sola persona, en todo lo que son las soluciones formales y de materiales y técnicas hay un montón de gente involucrada.
COZ: ¿Recuerdas de tus primeras esculturas? Hablo de tu niñez, creo que todos llegamos a jugar con el lodo, la plastilina, ¿te acuerdas qué moldeabas?
JM: Me encantaba jugar con plastilina, pero yo creo que nada diferente a otros niños: muñequitos y animales y árboles y casas y pues lo que veías, lo que constituías, tu vida y tu entorno.
COZ: ¿Te vieron el talento desde chiquito? ¿Tú solito lo descubriste?
JM: ¿Qué será? En algún momento me di cuenta que aparte de gustarme muchísimo lo que hacía, que no era malo. Me acuerdo mucho de una imagen, de un momento, en el kinder debo haber estado, que todos los niños hicimos un dibujito y lo pusimos en el pizarrón y yo vi el mío y me gustó por alguna razón, más que todos los demás.
COZ: Te lo pregunto porque hay quienes encuentran el gusto y luego la vocación o quienes encuentran la vocación y luego el gusto, ¿En tu caso fue vocación y luego gusto?
JM: Pues van juntos, yo hago esto y aprendí a hacerlo, veía a mi papá trabajar, él era arquitecto, y en sus momentos de estar solo, de estar contento, de estar feliz, de estar consigo mismo, dentro de su casa con sus hijos que supongo amaba; él es cuando se ponía a hacer algo, o dibujaba o pintaba y yo entendí eso y esa fue mi aproximación al mundo del arte, esa fue mi forma de entenderlo, para mi sigue siendo una experiencia placentera.
COZ: Corrígeme si me equivoco, leí en una entrevista que te hicieron en El País, que llegaste tarde porque venías en el metro y se sorprendieron porque llegaste en el metro.
JM: ¿Sería yo? No sé, es que son muchas entrevistas. Pero sí puede ser algo que me hubiera pasado, ya no me muevo en el metro, pero toda la vida me moví en transporte público.
COZ: Pero ¿Qué opinas de la figura del artista como un sibarita?
JM: Pues todo se vale, esto no es exclusivo de los artistas yo disfruto más que del lujo, poder hacer lo que quiero hacer, para mí, tener los medios necesarios para llevar a cabo mi proyectos es importante más que cualquier otra cosa.
COZ: Te preguntaban también del apoyo que tienen los artistas, tú decías, “Es que sí tienen”.
JM: Es que sí tienen la verdad, tienen un chorro de apoyos, nos encanta quejarnos, pero estamos de veras que en jauja, ojalá les hubiera tocado vivir el momento que me tocó a mi o a nuestros papás o a nuestros abuelos, ahorita estamos rebien.
Toda esta cantidad de becas que se dan en México, mal dadas, bien dadas, están ahí, existen y son una posibilidad para cualquiera; es otro mundo, antes era mucho más complicado.
COZ: ¿Cómo fue en tus tiempos?
JM: Pues nada, era ráscate con tus uñas, la verdad es que no había apoyos, no había esta comunicación, esta red internacional de apoyos a artistas, fundaciones en otros países que apoyan a los artistas del mundo, toda esta cantidad de becas que se dan en México, mal dadas, bien dadas, están ahí, existen y son una posibilidad para cualquiera; es otro mundo, antes era mucho más complicado.
COZ: ¿Qué hubiera pasado si en tu tiempo hubieras tenido una de esas becas?
JM: Pues a lo mejor me hubiera echado como vaca, como muchos artistas becados, les dan la beca y se echan a ver pasar la vida, a lo mejor hubiera muchas otras cosas más.
COZ: Oye y ¿Qué opinas del mercado del arte?
JM: Eso es algo que no tiene que ver con el arte, es mercado, mercado, podríamos estar hablando del mercado de zanahorias o jícamas, es un tema totalmente aparte; es muy interesante, tiene sus reglas muy específicas; es comprar y vender.
COZ: ¿Qué papel juega el gobierno en este mercado?
JM: ¡Bo! ¿En el mercado del arte? No sé qué tanto, no sé la idea de que el estado se volviera legitimador de un artista, podría ser parte de, pero no creo que sea definitivo, no creo que el gobierno sea el legitimador de la obra de un artista para que entonces pueda tener un lugar mejor en el mercado del arte, creo que obedece a otras reglas.
COZ: Por último, ¿Cuál sería el mensaje que darías a quienes están empezando y quienes ya están consolidados como artistas?
JM: Tengo que ser un poquito cursi pero pues es la verdad, que perseveren, que sean honestos que no se crean que se van a morir de hambre, no es cierto, esta profesión está llena de mitos en ese sentido es una profesión como cualquier otra, hay que darse su lugar, hay que estar bien parado y hay que estar fuerte, ser consistente, si eres artista sé artista.
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Gustav Klimt y una muestra de arte que es un hito tecnológico

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Ingrasar al universo creativo de un artista era hasta hace poco una metáfora, pero con la aparición de las muestras de arte llamadas inmersivas es un hecho. El espectador está invitado a sumergirse en las obras proyectadas en paredes, columnas y escaleras de forma digital y recorrer de un modo distinto cada una de las figuras, en un viaje sensorial y exploratorio antes impensado.
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Aunque la idea de crear exposiciones de estas características nació hace 30 años, 2018 será recordado como el momento en el que el se popularizó la propuesta. ¿El motivo? Gustav Klimt, el aniversario de su muerte y un proyecto ambicioso, de dimensiones titánicas, que hoy es un suceso en Europa, con más de 300.000 visitantes desde su inaguración en abril último en L'Atelier des Lumières, en París.
La excusa del centenario era perfecta para Gianfranco Iannuzzi, el director artístico, nacido en Venecia, que junto con Massimiliano Siccardi y la colaboración musical de Luca Longobardi crearon una exhibición única sobre el popular austríaco, representante del movimiento modernista y reconocido en cada rincón del mundo. Las condiciones tecnológicas y artísticas del equipo italofrancés estaban dadas y el resultado, por supuesto, fue explosivo. "Orquestar las imágenes y la música como expresión creativa para transformar el espacio y permitirle al público zambullirse no solo en la obra sino en toda una experiencia multisensorial fue el objetivo y el motor de un trabajo que superó mis expectativas", le cuenta Iannuzzi a la nacion revista.




EL NUEVO ESPECTADOR
Con visión rupturista y alma creativa, Gianfranco Iannuzzi, advierte un nuevo vínculo posible entre el arte y el público. "Mi objetivo principal siempre ha sido involucrar al espectador de una manera emocional y hacerlo participar con su presencia, sus movimientos y sus reacciones. Básicamente, sacarlo de un lugar pasivo frente a una pantalla de cine, televisión, smartphone o pintura y ponerlo en el centro de la escena y de la creación misma", dice con entusiasmo.
En cuanto a las posibilidades técnicas, asegura: "La técnica es solo una herramienta. Como un instrumento para el músico o el pincel y el color para el artista, debemos utilizar y dominar la tecnología con el propósito de expresar nuestra intención creativa, despertando así una intensidad de emoción dentro el espectador. Una gama de técnicas de animación y gráficos por computadora, videoproyección y transmisión de sonido nos han permitido revolucionar la perspectiva y la actitud del espectador. Al estimular su percepción multisensorial, podemos ponerlo en el corazón del trabajo. No se trata simplemente de exhibir obras ampliamente conocidas o menos conocidas. Con mi equipo, para este espectáculo, similar a las producciones anteriores, nos hemos esforzado por generar una fuerte reacción emocional en el espectador a través de las imágenes animadas, la música y nuestra mise-en-scène original. Nuestro objetivo es permitir al espectador la libertad de percepción e interpretación en un espacio donde sus movimientos son una parte integral de la experiencia. Al acentuar la dimensión emocional y al sumergir al público en un trabajo tridimensional, se invita a los visitantes a desarrollar una actitud más participativa con respecto al espectáculo y al arte en general. Una vez más, este año, tratamos de ampliar los límites de nuestro enfoque artístico más aún, creando un mayor espacio para la libertad creativa y la experimentación".




KLIMT PARA ARMAR
Meterse en El beso, una de las obras emblemáticas del artista nacido en 1862 en Viena, capital del arte del imperio austrohúngaro, poder circular a través de los colores que toman vida propia y rearman la conocida estampa, caminar dentro de cada uno de los detalles, recibir las proyecciones en el propio cuerpo suena más que atractivo y conmovedor. Pero ¿cómo se logra esto desde el punto de vista técnico? ¿Qué es necesario desde lo estructural? ¿Cómo afrontar el desafío artístico conceptual de trasponer la obra a un espacio?
Para para plasmar todo esto fue necesario un lugar arquitectónicamente adecuado. Es en ese aspecto en el que cumple un rol clave Bruno Monnier, presidente de Culturespaces y creador de Art Lumiere, donde transcurre la muestra, un lugar recuperado del abandono que completa el éxito de Carrières de Lumières, gestionado por Culturespaces desde 2012 en Les Baux-de-Provence, que recibe unas 600.000 visitas al año. "Las prácticas están evolucionando y la oferta cultural debe estar en sintonía con ellas -señala Monnier-. La observación pasiva de las obras de arte ya no es relevante, y estoy convencido de que la gente está aprendiendo cada vez más a través de experiencias como esta y las emociones que generan. El matrimonio del arte y la tecnología digital es, en mi opinión, el futuro de la difusión del arte hacia las generaciones futuras, ya que es capaz de llegar a un público más joven y más amplio que el de los museos tradicionales".




Las exposiciones digitales son promovidas por estos centros de arte, específicamente dedicados al arte inmersivo. Combinada la música con el placer estético, las inmersivas son exhibiciones pioneras en Francia e introducen al arte a un gran número de personas cuyos vínculos con la cultura son relativamente tenues y que, en general, son intimidados por museos e instituciones del tipo más tradicional. "Estas exposiciones pueden ser una forma introductoria y entretenida de descubrir el arte pictórico y formar la base para abrazar y comprender las obras y muestras tradicionales también. El mismo enfoque también es efectivo para poner en contacto a las nuevas generaciones con el arte. Quiero que los visitantes disfruten de una experiencia artística inmersiva y sensorial, porque las personas no aprenden sobre la cultura como lo hicieron en el pasado, sino de forma más amigable y con las nuevas capacidades que también se desarrollan de forma diferente al advenir a un mundo distinto, cuyo desarrollo es cada vez más veloz", explica el presidente de Culturespaces.
VANGUARDIA TECNOLÓGICA
"Desarrollamos el sistema AMIEX® (Art Music & Immersive Experience), utilizando la última tecnología disponible en el planeta, que puede mostrar y coordinar miles de imágenes de calidad con gran precisión a gran escala. En L'Atelier des Lumières, 140 videoproyectores y un sistema de sonido especializado componen un equipo multimedia que puede cubrir una superficie total de 3300 m2, que se extiende desde los pisos hasta los techos y paredes de hasta diez metros de alto y sumerge completamente a los visitantes en las imágenes y música. El desafío fue adaptarse a las estructuras y proporciones excepcionales del lugar para transformarlo en una gran instalación multimedia: paredes panorámicas de ochenta metros de largo por diez metros de alto, superficies de proyección cilíndricas, entre otros desafíos", describe Monnier. "Es un espectáculo hecho a medida. Hemos desarrollado todo el contenido visual teniendo en cuenta que coincida perfectamente con el espacio dentro de la antigua fundición donde se alza el Atelier. Usamos los últimos equipos: proyectores láser de alta potencia, interconectados por fibra óptica a una batería de computadoras y un sistema de sonido espacializado de muy alta calidad. Todo está orquestado por un nuevo sistema de administración de software".




Sin embargo, el enfoque desarrollado no pretende reemplazar los museos. La especificidad de las exposiciones inmersivas de Culturespaces radica en la capacidad de proyectar imágenes de obras extremadamente grandes, lo que permite al público estar completamente sumergido y que pueda contemplar una selección de obras que a veces se exhiben o conservan en todo el mundo y no se reúnen en un solo lugar.
"Con 300.000 visitantes después de dos meses de apertura, la asistencia de L'Atelier des Lumières muestra claramente que faltaba este tipo de centro digital en París y que los espectadores se muestran cada vez más curiosos y atraídos por el arte inmersivo. La tasa de satisfacción de acuerdo con nuestro libro de visitas es del 90%", cuenta Monnier.
L'Atelier des Lumières tiene dos espacios para visitantes: el Halle, con una superficie de 1500 m2 y el Studio, que cubre un área de 160 m2. En el Halle, un ciclo de exposiciones digitales e inmersivas se proyecta continuamente, y alterna entre un largo programa, dedicado a las grandes figuras de la historia del arte, en este caso Gustav Klimt, y un programa corto, que se centra en obras más contemporáneas, en este caso el multifacético artista austríaco Friedensreich Hundertwasser. "En Halle, estamos planeando presentar un ciclo de exposición cada año, centrándonos en las grandes figuras de la historia del arte, y estamos trabajando en la próxima exposición inmersiva, esta vez con un enfoque en Marc Chagall. También daremos carta blanca a artistas digitales que sean capaces de crear un mundo digital único. El programa se renovará cada cuatro meses", anuncia el director del predio.




Para Iannuzzi, la elección de los artistas y el respeto a la obra son fundamentales a la hora de concebir un proyecto de estas dimensiones. En este caso, lo movilizaba el reto de retratar un siglo de pintura vienesa y siente haberlo logrado. "El resultado es un diálogo pictórico continuo entre modelos arquitectónicos, motivos decorativos y utopías futuristas", resume.
Viena adoptó un enfoque completamente autónomo con respecto al resto de la pintura europea del siglo anterior. Se separó del clasicismo académico prevaleciente. Por lo tanto, surgió un movimiento artístico nuevo y completamente original, en una búsqueda para crear arte total. Esta búsqueda y síntesis entre pintura figurativa y decorativa, encarnada muy bien en Gustav Klimt, es el tema principal de la exposición. "Todo el mundo está familiarizado con El beso de Klimt, el símbolo de este resurgimiento artístico vienés. Con Renato Gatto y Massimiliano Siccardi deseamos explorar las diferentes facetas de su obra: su trabajo en los grandes palacios de la Viena Imperial de finales del siglo XIX, así como los tapices vegetales muy detallados y sutiles que creó al aire libre cuando pasó el verano rodeado de naturaleza, y los detalles decorativos que pintó en la ropa y decoraciones de sus retratos de mujeres sensuales o altivas. Y además aparece Egon Schiele, el joven amigo y admirador de Klimt, cuyos trabajos también se ven en una secuencia en la primer exposición", cuenta el director artístico.
"Una vez más, trabajamos con Luca Longobardi para crear música que pudiera evocar y ser coherente con el espíritu de las imágenes y la época. Para ilustrar el trabajo de Klimt y Schiele, decidimos centrarnos en las obras clásicas de Wagner, Beethoven, Strauss y Mahler ensambladas, mientras que las composiciones contemporáneas de Kronos Quartet y Longobardi evocan el mundo de Hundertwasser", describe Iannuzzi. Así, la música aumenta nuestra apreciación visual y ayuda a los espectadores a observar las obras con mayor detalle. La danza de las imágenes con el sonido está diseñado con ingenieros, de modo que quedan en contrapunto con las imágenes. "Espero que traiga a la exhibición digital el mismo ímpetu que la Secesión de Viena trajo a la pintura", se ilusiona Iannuzzi.
El viaje a través de la obra del gran Gustav Klimt vibrando en los salones como nunca se vio concluye el 11 de noviembre. Ingresar en su maravilloso mundo vale 14,50 euros por entrada. "La relación que establece el público con la muestra es impactante de ver, sobre todo en los más pequeños. Muchos llegan con niños de 4, 5 o 6 años que vivencian y disfrutan increíblemente. Bailan y persiguen las proyecciones que aparecen en el suelo o los ves buscando bañarse de flores y prints aquí y allá, es un paisaje aparte observarlos", destaca Lola Vèniel, de la agencia Claudine Colin y responsable de la comunicación de la muestra. Una exhibición en sintonía con Iannuzzi y Monnier, que bien apuntaron el armado a las nuevas generaciones.

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