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jueves, 18 de enero de 2018

EL CENTRO DE HISTORIAS ACOGE LA OBRA GRÁFICA CONTEMPORÁNEA A TRAVÉS DE LA EXPOSICIÓN 'DE PICASSO A KAPOOR'


Podrán contemplarse, desde el 18 de enero y hasta el 25 de marzo, obras de más de treinta artistas tan importantes como Picasso, Dalí, Warhol, Murakami, entre otros
Desde mañana, 18 de enero, y hasta el próximo 25 de marzo, el Centro de Historias abre las puertas a una nueva exposición titulada 'De Picasso a Kapoor', una muestra que recorre la evolución de una serie de prácticas artísticas que ponen en valor la obra gráfica contemporánea a través de más de treinta artistas tan reconocidos como Picasso, Miró, Dalí, José María Sicilia, Eduardo Arroyo, Saura,Tàpies, Barceló, Richard Serra, Warhol, Chagall, Spencer Tunick, Takashi Murakami, Hirts, Kapoor, entre otros.
El grabado, la litografía, la xilografía, el linóleo, la impresion digital y la fotografía forman parte de las 75 piezas que integran la exposición, en la que también se podrán contemplar cinco esculturas, que harán reflexionar sobre la relación entre el artista y sus procedimientos.
El recorrido expositivo ha sido planteado en distintos bloques temáticos, en los que aparecen la modernidad y los orígenes del arte contemporáneo en España; la gráfica española de las segundas vanguardias, entre realismo y abstracción; el intercambio cultural internacional en la época franquista; la escultura contemporánea y la obra múltiple seriada; la evolución del arte abstracto en Europa; el Pop Art y la serigrafía; una visión poética del arte español en los años ochenta y noventa, así como las prácticas artísticas y los nuevos modos de producción del siglo XXI.

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Enrique Tábara: ‘Seguimos en una especie de colonialismo en el arte’

Foto: Julio Estrella/ EL COMERCIO.


Foto: Julio Estrella/ EL COMERCIO.

Gabriel Flores 

¿Cuáles eran las inquietudes de los artistas latinoamericanos en la década de los 50? 

​ Recuerdo que el maestro uruguayo Joaquín Torres García decía que el arte que se hacía desde Latinoamérica debía tener una personalidad y que necesitaba despojarse de la influencia europea y estadounidense. En el país, esas inquietudes llegaron antes a través de artistas como Camilo Egas, quien fue parte del arte realista indigenista, donde sobresalió gente como Diógenes Paredes, Eduardo Kingman y Oswaldo Guayasamín. 

¿Cómo cambió su visión del arte que se hacía en Latinoamérica cuando viajó a España? ​

 Antes de ser becado por el Gobierno del Ecuador y viajar a España, en 1955, estaba al tanto de lo que se hacía en Europa. Había visto y leído mucho sobre Vasili Kandinsky. Cuando salí, llevé varias obras abstractas que ya se alejaban de lo figurativo y se acercaban a lo surrealista. Cuando llegué a Barcelona me empapé de todo lo que se estaba haciendo. Tuve la oportunidad de conocer a artistas como Joan Miró, Antoni Tápies y Joan Brossa, que era el líder del grupo de intelectuales de esa ciudad.
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 ¿Se puede caracterizar al arte que se hace desde América Latina? ​

 Cuando hablo del arte que se hace en Latinoamérica, siempre recuerdo la riqueza del arte que tenían todas las culturas precolombinas. Creo que a diferencia de lo que sucede en África, desde hace 100 años, donde ya se puede hablar de un arte africano, acá todavía no se puede hablar de un arte latinoamericano, porque seguimos en una especie de colonialismo artístico en el que todavía no encontramos una personalidad propia. 

¿Por qué es importante, en medio de un mundo globalizado, encontrar esa personalidad de la que habla? ​

 Porque todavía vivimos en una sociedad racista. Están los señores y la gente de segunda clase, como los cholos, los indios, los negros y los montuvios. Muchas de estas personas todavía no están orgullosas de lo que son. Desde hace algunos años tengo la intención de abrir un museo, ahí tengo la idea de grabar en piedra dos mil apellidos indígenas, una forma de dar valor a esas personas y a sus ancestros. 

Usted habla de cholos, montuvios e indígenas, mientras que los artistas contemporáneos están hablando de otras minorías como las mujeres o los grupos Glbti. ​ 


Me parece importante que los artistas jóvenes reivindiquen a otros grupos. Todos los trabajos que estén orientados a mostrar los problemas del ser humano son fundamentales. La igualdad entre las personas es necesaria. Desde hace algunos años vivo en el campo y ahí el montuvio dice: “Con que tenga para comer mañana no me importa nada más”. Lo único que saben es que hay una clase de gente que es superior a ellos y que no pueden hacer nada por cambiarlo.

 ¿Cuál es su criterio del trabajo que están haciendo los artistas de las nuevas generaciones? 

​ El arte tiene mucho que ver con las cosas que a uno lo rodean. Creo que no se puede negar lo que uno es. Sé que cada artista tiene sus búsquedas personales pero estas siempre deberían tener relación en un contexto. Los artistas e intelectuales siempre tenemos que prestar atención a lo que sucede, sobre todo, con temas como el racismo y la desigualdad.

 Usted sigue en contacto con artistas y gestores que viven en España, ¿ha cambiado la percepción del arte que se hace desde la región? ​

 Desde Europa se están dando cuenta que el arte que se genera desde Latinoamérica va teniendo una personalidad. En campos como la música y la literatura eso es más visible. En la pintura no tanto, porque se sigue teniendo como referente a Europa. Uno de los problemas es que los jóvenes no tienen una guía para encaminar su trabajo de otra forma. Cuando a esta serie de cuadros les puse el nombre de ‘Colección Latinoamericana’ fue como un homenaje a las culturas de la región de las que tenemos que sentirnos orgullosos.

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miércoles, 17 de enero de 2018

Van Gogh vuelve a la vida

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La película Loving Vincent ha llegado a nuestras pantallas para deleitarnos una vez más sobre la obra del genio holandés.


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Cuando uno ve el tráiler de la película Loving Vincent, no tiene muy claro a que atenerse, será solo una versión animada de sus obras, habrá historia… todas esas dudas se resuelven rápidamente tras el inicio de la misma.
Loving Vincent no solo es una obra curiosa por el hecho de haber sido pintada fotograma a fotograma sino por que uno como espectador no se espera la trama que hay tras La noche estrellada. A través de un interesante juego de imágenes en color, respetando el estilo pictórico de Van Gogh, la directora nos cuenta la historia del joven Armand Roulin que tiene el encargo de entregar la última carta escrita por Van Gogh a su hermano Theo, mientras que con las imágenes en blanco y negro se cuentan pinceladas de la historia de Van Gogh, momentos de infancia, de su estancia en París y de sus último días con vida.
El espectador se encuentra entonces ante una historia de descubrimiento de la figura de Vincent Van Gogh por parte de Armand a través de sus amistades en París y después en Auvers-sur-Oise, pero también nos encontramos ante una historia policiaca por el interés y las averiguaciones de Armand sobre el misterio de por qué Vincent se suicidó cuando tenía planes de futuro, ¿por qué, si estaba bien, finalmente se mató?
El juego estilístico que vemos en Loving Vincent es de lo más interesante, los personajes son cuadros expuestos a grandes museos alrededor de mundo como se ve en el apéndice de la película, que han sido interpretados por diferentes actores y después han vuelto a su ser al ser de nuevo pintados, pero esta vez no para estar en un museo colgado de una pared, sino para ser exhibidos en los cines de todo el mundo en pantalla grande.
Loving Vincent es una película muy interesante y con un gran trabajo detrás, ya que primero fue rodada con actores y después fue pintada al óleo por pintores no por animadores fotograma a fotograma, dando el resultado tan curioso que podemos ver en las pantallas de nuestras ciudades.



                            Cartel de la película Loving Vincent.


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lunes, 15 de enero de 2018

5 secretos de la Pirámide del Museo de Louvre

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El Museo de Louvre no sólo es símbolo de París, más aún, Francia, sino uno de los acervos artísticos y culturales más importantes alrededor del mundo; es tesoro de la humanidad. Cuando pensamos en éste, lo primero que viene a nuestra mente es la pirámide que lo cubre. Por esta razón, te compartimos 5 datos sobre esta fantástica construcción modernista. Por supuesto, podríamos agregar miles más, pero nos gustaría que nos ayudaras en esta magna tarea.



La Pirámide del Museo de Louvre es responsable de recibir millones de turistas al año; de hecho, este es el museo más visitado del mundo. Y fue diseñada por el arquitecto estadounidense de origen chino Ieoh Ming Pei.



En números, esta pirámide cuadrada tiene una altura de 20 metros, cada uno de los lados de su base alcanza los 35 metros, y tiene un peso total de 180 toneladas. Los materiales empleados para su construcción son principalmente 2: vidrio y acero.


El entrecruzamiento de estos últimos genera paneles romboidales y triangulares; 603 y 70 respectivamente. Sin embargo, algunos creen que en total hay 666 rombos, lo cual brinda una atmósfera esotérica al recinto; por supuesto, las teorías de conspiración están presentes.



Esta pirámide fue inaugurada en 1989, bicentenario de la Revolución Francesa, y es la más grande del museo –frente a otras 2 encargadas de dar luz y ventilación al área subterránea–. A propósito, sus paredes cuentan con una inclinación de 51 grados, por lo que mantiene las mismas proporciones que la Gran Pirámide de Guiza.


Su estilo moderno contrasta con la arquitectura clásica del museo, y representa el punto final de una ruta que va de oriente a poniente y pasa por el Arco de la Defensa, el Arco del Triunfo, la Plaza de la Concordia, los Campos Eliseos y los Jardines de Tullerías.

Por Alberto Apáez

En el Museo del Louvre las obras de arte ya no tienen más secretos



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El prestigioso museo francés utiliza un acelerador de partículas único en el mundo, el New AGLAE, que permite determinar la naturaleza de los elementos químicos que componen las piezas de modo de poder confirmar su origen o datación. Infobae dialogó con científicos que utilizan la máquina, que descansa 15 metros debajo de la famosa pirámide de cristal

El perro de bronce del sitio arqueológico de Bavay “bajo la lupa”
El perro de bronce del sitio arqueológico de Bavay “bajo la lupa”
El perro de bronce, una miniatura de 10 centímetros de largo y 5 de alto, parece aterrorizado frente a la inquietante lente de una máquina electrónica de 27 metros de largo y cuatro toneladas de peso.
Como en una novela de Dan Brown, la asombrosa escena se desarrolla en las entrañas delMuseo del Louvre, en París. En un auténtico "bunker", a 15 metros de profundidad bajo la pirámide de cristal que ocupa el patio central del museo, funciona un universo cibernético sin comparación con ningún otro laboratorio artístico-científico.
Solo un puñado de personas tiene acceso a ese espacio de casi mil metros cuadrados que cobija el nuevo Acelerador del Gran Louvre de Análisis Elemental (New AGLAE). Uno de los recintos, que se mantiene a temperatura constante, encierra a la máquina. A su lado funcionan las salas donde están ubicadas las consolas de control y las computadoras que permiten intervenir sobre objetos de cualquier material. Nada escapa al ojo sensible de ese monstruo de acero.


El New AGLAE, el acelerador de partículas que puede “desmembrar” una obra en segundos
El New AGLAE, el acelerador de partículas que puede “desmembrar” una obra en segundos
Ese es el antro subterráneo de la única máquina en el mundo que puede descubrir todos los secretos que encierra una obra de arte. Como un sabueso mitológico, ese coloso de la tecnología moderna que "olfatea" al diminuto perro de bronce es capaz de "perforar" la estructura del objeto para determinar su datación exacta, el origen biológico de los materiales, sus componentes químicos, la solidez o los puntos frágiles de la estructura.


La famosa pirámide del Louvre
La famosa pirámide del Louvre
"Para hacer una analogía con el lenguaje policial, se puede decir que el nuevo Acelerador del Gran Louvre de Análisis Elemental (New AGLAE) posee la asombrosa capacidad de hacer 'hablar' a todos los objetos inertes", explica a Infobae —en términos didácticos— Claire Pacheco, doctora en física de arqueomateriales, que dirige el reducido equipo autorizado a realizar ese delicado tipo de operaciones.
El perro de bronce fue el primero en "confesar" sus secretos ocultos.
Por una razón inexplicable, esa joya arqueológica permaneció sepultada durante 17 siglos bajo las ruinas de una antigua ciudad romana junto con otras 365 piezas de bronce, plata y oro. Ningún científico había logrado determinar, hasta ahora, a cuánto se remontan esas esculturas descubiertas en 1969 en las extrañas del sitio arqueológico de Bavay, en el norte de Francia.


Claire Pacheco, estudiando el Júpiter de bronce
Claire Pacheco, estudiando el Júpiter de bronce
Frente a una antigüedad, el New AGLAE actúa como la policía científica en una escena de crimen. "Se trata de reunir una serie de indicios que nos darán las respuestas sobre el origen de las obras", resume a Infobae Didier Gourier, director de estudios de ese departamento que depende del Museo del Louvre y del CNRS (Centro Nacional de Investigaciones Científicas).
Así operaron con una estatuilla de bronce también hallada en el sitio arqueológico de Bavay: "¿Es un Júpiter? ¿De dónde proviene el metal? ¿El cobre es de origen español? ¿Los metales provienen de un solo taller o son recuperaciones de otros objetos que fueron fundidos y reutilizados?", se interroga Benoît Mille, arqueo-metalúrgico del equipo.
La respuesta surge de un bombardeo de protones acelerados a 10% de la velocidad de la luz, lo que significa que podrían llegar a la Luna en 13 segundos. En interactividad con el material que compone la estatua, produce un flujo de rayos X y rayos gama que son analizados en tiempo real por el multidetector New AGLAE, que recibe 1,6 millones de datos por segundo.


"No solo identifica los componentes, sino que también detecta las trazas de otros elementos presentes a escala millonésima", precisa Claire Pacheco.
Su capacidad de observación es tan minuciosa que puede explorar incluso una soldadura. "Es algo que no me esperaba. Esos detalles nos permiten comprender cómo trabajaban los escultores, que trataban de ser lo más naturalistas posibles", dice aún sorprendida con los primeros resultados.
Todo lo que viene del pasado puede ser sometido al ojo implacable del New AGLAE: "La presencia de un material o las trazas de otros elementos pueden constituir la firma sobre su origen exacto, su fuente geológica (como una mina o un río de lava), la presencia de capas preparatorias o de ciertos adhesivos en la superficie del objeto. Todos esos indicios permiten reconstituir las rutas comerciales que siguió la materia prima o las herramientas empleadas y exponen, como un libro abierto, todo el proceso de fabricación del objeto", explica con entusiasmo Pacheco.
El nuevo instrumental, único acelerador de partículas del mundo exclusivamente dedicado al dominio del arte, es el heredero de la antigua versión inaugurada en 1988 y que ahora —en comparación— parece una vieja locomotora a vapor. Mientras que la vieja máquina apenas tenía una resolución de 50 micrones, el New AGLAE —cuya renovación costó dos millones de euros— permite descender a menos de 20 micrones (20 milésimos de milímetro).


Los científicos, en la sala de control
Los científicos, en la sala de control
No solo el salto tecnológico es fundamental, sino que permite obtener una gran ganancia de tiempo en el vértigo del trabajo cotidiano. Entre otros méritos, el New AGLAE posibilita la automatización del proceso. Esa ventaja no es insignificante cuando se sabe que el Centro de Investigaciones y Restauración de los Museos de Francia (C2RMF en sus siglas francesas) trabaja con más de 1.200 instituciones nacionales de exposición de Francia y analizan un millar de objetos por año, entre ellos unas 350 pinturas sobre caballetes.
La precisión del New AGLAE permitirá analizar, pixel por pixel y con métodos no invasivos, un cuadro sospechado de falsificación, una frágil tela del Renacimiento o los vitrales de una catedral. Además, esos estudios son imprescindibles antes de emprender una restauración a fin de identificar los colores originales, el proceso de envejecimiento de ciertos matices o las características que presenta el trazo de pincel de un determinado maestro de la pintura universal.


Gracias al instrumental del Louvre, un estudiante que preparaba su tesis doctoral pudo descubrir los mecanismos químicos que provocan el bronceado de los pigmentos a base de cobre, que dan esa tonalidad oscura tan particular a las telas del Renacimiento. Otro estudio resolvió el problema de un hongo pertinaz que ataca las telas conservadas en el ambiente húmedo de las iglesias y que, poco a poco, vela las imágenes hasta hacerlas desaparecer por completo. Ese estudio le permitió descubrir la forma de devolverles el brillo original.
 “La restauración es una operación a mitad de camino entre el arte y la ciencia”, afirma Claire Pacheco.
Algunos aparatos del laboratorio del Louvre fueron miniaturizados para ser transportados: el MoLab (Mobile Laboratory) se desplaza habitualmente a sitios donde existen tesoros imposibles de transportar, como frescos de iglesias o las paredes ornadas de las grutas prehistóricas. Gracias a toda esa tecnología de punta, el arte tiene cada vez menos secretos y, poco a poco, empieza a develar los enigmas de su historia.
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Tapas de alcantarilla se convierten en obras de arte en Japón

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Cerca de 1.700 municipios japoneses instalaron modelos personalizados y coloridos de esas tapas de hierro fundido para embellecer sus espacios públicos e incluso atraer a los turistas. 
Hello Kitty. BEHROUZ MEHRI / AFP


Cerca de 1.700 municipios japoneses instalaron modelos personalizados y coloridos de esas tapas de hierro fundido para embellecer sus espacios públicos e incluso atraer a los turistas. 
Shoji Morimoto tiene una afición singular: recorrer las ciudades japonesas observando sus aceras en busca de tapas de alcantarilla, que se han convertido en obras de arte en el país del sol naciente.
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Cerca de 1.700 municipios japoneses instalaron modelos personalizados y coloridos de esas tapas de hierro fundido para embellecer sus espacios públicos e incluso atraer a los turistas.
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Los diseños suelen hacer referencia a la historia, a la geografía o a especialidades locales: un castillo fortificado para Osaka (oeste), un puente emblemático de la bahía de Tokio para el puerto de Yokohama o el monte Fuji para la ciudad homónima, situada al pie del célebre volcán.
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Tama City, ciudad de la periferia occidental de Tokio, eligió por su parte un icono más reciente: la gata Hello Kitty. El personaje japonés adorna 10 tapas de alcantarilla instaladas a proximidad de un parque de atracciones para niños.
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Morimoto, de 48 años, descubrió su nueva afición durante un viaje a Fukui, en el centro del país, cuando le llamaron la atención las alcantarillas decoradas con dos aves fénix, el animal legendario que renace de sus propias cenizas. 
Luego aprendió que esa imagen simbolizaba la doble resurrección de la ciudad, devastada por bombardeos en 1945 durante la Segunda Guerra Mundial y por un seísmo en 1948.
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'Viajar lejos' 

"A veces investigo para saber por qué determinada ciudad tiene determinado diseño. Estoy impresionado cuando descubro que representa su historia y su cultura", cuenta este empleado comercial en una empresa tecnológica, que dice haber visto todas las cubiertas de alcantarilla artísticas cerca de su casa. 
"Ahora tengo que viajar lejos" para descubrir nuevas obras, explica, sonriente. "Es una caza del tesoro para adultos". 
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Los aficionados como Morimoto fotografían las obras que descubren y las comparten en las redes sociales. Los más fanáticos calcan incluso los diseños. 
Algunos, como Tetsuro Sasabe, se inclinan más bien por las tapas de las redes subterráneas de telecomunicaciones. "¿Por qué está ahí la tapa? ¿Adónde lleva? Me interesa sobre todo lo que hay debajo", dice. 
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Otros consideran que el encanto de esas cubiertas reside en el microcosmo de verdura que crece en sus intersticios y sus rebordes. 
Es tal el entusiasmo en torno a esos objetos en Japón que se organizan congresos de aficionados, a los que asisten miles de participantes.
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Imagen y seguridad

Como no se pueden coleccionar unos objetos de 40 kilos como si fueran sellos o monedas, la empresa GKP ha tenido la idea de editar 1,4 millones de tarjetas con 293 diseños distintos de tapas de alcantarilla y las coordenadas GPS de cada una de ellas.

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Cada tarjeta se puede obtener de forma gratuita, pero únicamente en los edificios públicos del municipio donde se encuentra el modelo de cubierta que representa. 
"Creemos que las tapas de alcantarilla japonesas son productos culturales de los que podemos estar orgullosos", declara Hideto Yamada, un responsable de GKP.  
La moda comenzó hace cuatro décadas cuando el sector del alcantarillado intentaba mejorar su imagen, recuerda Yamada.
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Para evitar que los peatones y los vehículos resbalaran sobre estas tapaderas, estas se empezaron a diseñar con relieves. Así nacieron unos primeros modelos con nubes, olas o estrellas, que con el tiempo evolucionaron hacia unas decoraciones más complejas y coloridas. 
Sin embargo, sólo una ínfima parte de las 15 millones de tapas de alcantarilla están decoradas de esa manera, ya que pueden costar el doble de una tapa común, con sus imágenes pintadas a mano.
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Y cuando se ponen a la venta, los aficionados se pelean por ellas. En octubre, 190 personas participaron en una lotería organizada por la ciudad de Maebashi (este) para repartir 10 cubiertas del municipio por 3.000 yenes cada una, unos 27 dólares.
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domingo, 14 de enero de 2018

El secreto mejor guardado del museo Hermitage es su hotel de lujo

El secreto mejor guardado del museo Hermitage es su hotel de lujo



                      Lobby del hotel Oficial del Museo Estatal del Hermitage (The Official State Hermitage Hotel)
  •                                       Para sentirse como Catalina ‘La Grande’
Con más de 200 años, el museo Hermitage de San Petersburgo (Rusia) es la pinacoteca más completa del mundo según el Libro Guinness de los récords. El museo atesora tres millones de objetos: pinturas, obras gráficas, esculturas, hallazgos arqueológicos y material numismático, entre otros, que van desde la edad de piedra a la actualidad.
Su complejo abarca seis edificios: Pequeño Hermitage, Gran Hermitage, Nuevo Hermitage, teatro del Hermitage, palacio Menshiko y el famoso palacio de Invierno, y fue precisamente en éste último donde empezó todo, cuando la emperatriz Catalina ‘La Grande’ estableció allí su residencia y decidió decorarlo con todo tipo de obras de arte que fue adquiriendo con los años.

El palacio de Invierno y la columna de Alexander en el museo Hermitage de San Petersburgo, Rusia
El palacio de Invierno y la columna de Alexander en el museo Hermitage de San Petersburgo, Rusia (Delpixart / Getty Images)
En 1764, compró un conjunto de 225 piezas que estaba destinado al rey Federico II de Prusia, quien finalmente no pudo comprarlas por falta de recursos. Ella y sus descendientes siguieron reuniendo obras de arte en una gran colección privada que solo unos pocos podía visitar con un permiso especial. Fue el emperador Nicolás I, en 1852, quien lo abrió al público en general.

Interior del palacio de Invierno, museo Hermitage, San Petersburgo, Rusia
Interior del palacio de Invierno, museo Hermitage, San Petersburgo, Rusia (Larry Koester- Flickr.)
Lo que no todo el mundo sabe es que, en 2013, el museo inauguró un hotel de lujo para los visitantes que quisieran sentirse como verdaderos zares.
El Hotel Oficial del Museo Estatal del Hermitage está ubicado en pleno corazón de la ciudad, en el barrio de Dostoyevsky, llamado así por el famoso escritor ruso, en realidad se trata del barrio Admiralteiski, un lugar muy animado lleno de tiendas y cafeterías, cerca de la catedral Vladimirskaya, el museo de la Casa de Dostoievski, y el museo del Hermitage.

Entrada The Official State Hermitage Hotel
Entrada The Official State Hermitage Hotel (The Official State Hermitage Hotel)
AI al igual que la ciudad, majestuosa, opulenta y brillante, el hotel de cinco estrellas muestra características de una arquitectura imperialsimilar al palacio de Invierno en un área de 15.000 metros cuadrados.
El edificio que originalmente fue creado como residencia de la familia Lobov, un comerciante local,más tarde se convirtió en un centro cultural con un teatro, y fue el centro de la cultura y las artes escénicas, luego cayó en decadencia hasta la fecha de su restauración donde se ha conservado su magnífica fachada original.

Exterior del Hotel Oficial del Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo, Rusia
Exterior del Hotel Oficial del Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo, Rusia (Vydrevich Ilya / The Official State Hermitage Hotel)
Los huéspedes serán recibidos por un impresionante vestíbulo con un atrio con columnas y una enorme araña de cristal, y en todo el establecimiento se puede ver una gran colección de lienzos, esculturas de bronce, porcelana, incluyendo réplicas de las obras de arte de la colección del Hermitage.

Habitación delHotel Oficial del Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo, Rusia
Habitación delHotel Oficial del Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo, Rusia (Kolikov Vitaliy / The Official State Hermitage Hotel)
En sus seis plantas se ubican 126 habitaciones de 10 categorías, desde habitaciones Premium y Superior hasta residencias imperiales y presidenciales, cada una diseñada meticulosamente con iluminación suave, detalles elegantes y oro que recuerdan al interior del museo, muebles hechos a mano por el maestro de madera Florentino Savio Firmino, y baños hechos de mármol griego e italiano, pero también con las comodidades del siglo XXI.

Interior de una de las habitaciones del Hotel Oficial del Museo Estatal del Hermitage con detalles similares al palacio de Invierno, San Petersburgo, Rusia
Interior de una de las habitaciones del Hotel Oficial del Museo Estatal del Hermitage con detalles similares al palacio de Invierno, San Petersburgo, Rusia (Kolikov Vitaliy / The Official State Hermitage Hotel)
El establecimiento también cuenta con un spa con todos los servicios: masajes, tratamientos corporales y tratamientos faciales, y tiene dos restaurantes, uno en el que se puede comer como un antiguo zar en el restaurante principal Catalina La Grande, que ofrece un menú inspirado en la cocina clásica servida en el palacio Imperial, o con un estilo más informal en el italiano Michelangelo que ofrece platos inspirados en el corazón de la Toscana.

Restaurante Catalina La Grande en el Hotel Oficial del Museo Estatal del Hermitage
Restaurante Catalina La Grande en el Hotel Oficial del Museo Estatal del Hermitage (The Official State Hermitage Hotel)
Otra de las ventajas para los huéspedes es el servicio de transporte gratuito al museo, así como la reserva anticipada de entradas que evita hacer colas.
126 habitaciones de diez categorías distintas
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