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sábado, 21 de octubre de 2017

William Kentridge


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William Kentridge (n. Johannesburgo, el 28 de abril de 1955) un artista sudafricano mejor conocido por sus collages, dibujos, grabados y películas animadas. Atrajo fama internacional después de participar en 1997 en la Bienal de Johannesburgo y la Bienal de La Habana al igual que en Documenta X. Explorando el uso de video a través de sus dibujos, Kentridge presenta una vista emblemática del estado actual de Sudáfrica.

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En 1976 obtuvo su título en Política y Estudios Africanos en la Universidad de Witwatersrand y después estudio arte en la Fundación de arte de Johannesburgo hasta 1978. Durante esos años trabajo como diseñador para producciones de películas y enseñaba grabado hasta que se mudo a Paris en 1981 para estudiar teatro en L'École Internationale de Théâtre Jacques Lecoq. Durante los ochentas Kentridge fue director de arte para algunas series de televisión. Fue entonces que comenzar a crear películas animadas con sus propios dibujos.

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 Aunque su obra no está relacionada directamente con la época de segregación racial, ha adquirido fama internacional como artista que trabaja con temáticas sobre el colonialismo y apartheid. Sus cortometrajes están ambientados en la industrial y minera Johannesburgo, emblema de abuso e injusticia. Su obra es mayormente construida filmando sus dibujos, borrando, cambiándolos y volviéndolos a filmar. Continua este proceso meticuloso alterando cada dibujo hasta el final de la escena. Estos son después mostrados como películas de arte. [2] Aparte de sus dibujos y películas, una parte integral de su carera esta unida a su pasión por el teatro. Desde 1975 a 1991 fue miembro de The junction avenue theatre company, en Johannesburgo y Soweto. En 1992 empezó a colaborar como actor, director y diseñador de escenografía en The handspring puppet company. Esta compañía, que interpreta obras como WoyzekFausto y Ubu Rey, crea piezas multimediales usando marionetas, actores y animación.

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William Kentridge: «Cualquier persona que esté interesada en el arte tiene que acudir a referentes españoles»

William Kentridge
William Kentridge - Efe

El creador sudafricano, premio Princesa de Asturias de las Artes, inaugurará exposición en el Museo Reina Sofía el 31 de octubre

Ayer llegó a Asturias, donde tiene actividades en Avilés, Mieres y Gijón. Desde ese mundo austral negro en el que nació blanco, luchador y creativo, habla en esta entrevista de su trabajo y de los mundos artísticos que le interesan. William Kentridge (Johannesburgo, 1955), voz clara y firme, alma artística e inquieta, exhibe desde hace unos días en Oviedo la videoinstalación «More Sweetly Play the Dance». Y, a partir del 1 de noviembre, el Museo Reina Sofía abrirá al público una monográfica, «William Kentridge. Basta y sobra», que se centrará en su producción escénica (teatro, ópera y performance), aunque no faltarán sus proyectos plásticos

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¿Cuál es el papel que ha de tener un artista en el mundo?
Es una pregunta imposible. El artista no crea porque tenga una papel, una misión que cumplir en la vida, trabaja en el estudio y allí va encontrando los significados. Lo importante no es el papel que debe asumir el artista sino el resultado que obtiene. El artista, en su estudio, puede revisitar el proceso de búsqueda del significado del mundo, porque el estudio se convierte en un modelo de cómo construimos no solo nuestras almas, sino también sobre la relación entre ellas. Es una especie de extensión del cerebro donde se crea nuestra conciencia del mundo y desde allí se traslada al exterior.
¿Ha variado con el tiempo su manera de entender el arte?
No me gustan las definiciones. Cuando empecé a trabajar en Sudáfrica a mediados de los setenta el país vivía una situación complicada, con el apartheid, la lucha de partidos y no había mucha distancia entre el arte y todo lo demás. Había que hacer los vídeos que se hacían en ese momento. Pero, con el paso del tiempo, a finales de los ochenta la cosa cambió y mi trabajo se hizo más personal, se empezó a nutrir con mis propias visiones y mis pensamientos, y resultaba más fácil conectar con el público.
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Ha conseguido al mismo tiempo el beneplático de la crítica y del público. ¿Cuál es la receta?
Si tuviera la receta se la daría. Durante los últimos años del apartheid en Sudáfrica hubo un boicot cultural, de modo que no tenía expectativas de formar parte de la comunidad artística internacional. Cuando llegó la democracia, a principios de los noventa, y ese boicot terminó, las bases de mi manera de hacer arte ya estaban formadas. Entonces aparecieron algunos críticos, que comenzaron a hablar de mi trabajo, de su fortaleza, de cómo se movía en medio de contradicciones extraordinarias o de la descripción que hacía del mundo que me rodeaba. A mí me gusta que los críticos hayan tratado bien mi trabajo y también que el público lo haya respaldado. Todo esto es parte de esa reflexión más amplia de cómo el arte da sentido al mundo.

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Trabaja en muchas disciplinas: dibujo, escultura, cine, performance, escenografías... ¿Qué significa para usted el término multidisciplinar?
Para mí el arte es una migración de ideas de una disciplina a otra. Un medio puede provocar pensamientos en otro. Trabajar con música puede generar una serie de dibujos y con ellos puedes componer una sucesión de animaciones y con ellas crear algo nuevo sobre un escenario teatral. Me interesa mucho esa relación entre lo que ves, lo que sientes, lo que oyes; cómo la música y el sonido afectan a una imagen visual, la relación entre mirar y leer... Me apasiona.
¿Le quedan territorios vírgenes por explorar?
Me interesan las nuevas técnicas cinematográficas. Estoy empezando a trabajar con cámaras de 360 grados. Es un territorio nuevo que puede ser fantástico para hacer performances.

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¿Le gusta más la soledad del estudio o dirigir a un grupo de personas en una ópera?
Un equilibrio entre ambos. Me gusta el trabajo en el estudio, cuando nadie te molesta, y también hacerlo con más de sesenta personas: actores, cantantes, sastres, diseñadores, técnicos... Es muy excitante. Imagínese, en un teatro de ópera me dan un escenario con 60 metros de ancho y 20 de alto para componer un relato con un montón de gente. Es un placer, sí, pero eso no te quita los ataques de pánico a las cuatro de la mañana, porque falta algo, porque no te cuadra una imagen, hay que rescatar un objeto o poner otra proyección.

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España es un país de artistas. ¿Cuáles son sus referentes?
Cualquier persona nteresada en el arte tiene que acudir a referentes españoles y citar a Velázquez. Pero para mí una figura central, por múltiples razones, es Goya. También admiro a Picasso, y Juan Muñoz es un artista muy importante para mí.

Fuente

viernes, 20 de octubre de 2017

El futuro del arte digital

                                                     El futuro del arte digital 
Artfutura Ibiza propone desde un taller de sintetizadores frutales a videomapping
Tras el éxito de su presentación en la isla el año pasado, en 2017, ArtFutura Ibiza extiende su alcance a varios municipios más y amplía su programación. «Nuestro objetivo es difundir el uso creativo de las nuevas tecnologías. Lo intentamos hacer a través de talleres y conferencias», explica uno de los fundadores de ArtFutura Ibiza, Caen Botto. «Nos hemos encontrado siempre una carencia muy importante en Ibiza de este tipo de actividades. De oferta al público de todo este mundo. Además, el año pasado tuvimos muy buena acogida con todo lo que presentamos», añade su colega Marta Rupérez, la otra fundadora.
Para esta edición de 2017 ´Criaturas digitales cognición aumentada´, ArtFutura Ibiza incorpora talleres especializados que dieron comienzo el 16 de octubre en el centro Cultural de Jesús, y un taller gratuito para niños, el 21 de octubre en el C19 de Vila de 10 a 13 horas.
«El curso para niños ´Construcción de sintetizadores con frutas´, trata de explicar a los más pequeños cómo las frutas transmiten electricidad a través del líquido que tienen», explica Marta Rupérez. «El curso estará impartido por dos docentes de la Politécnica de Madrid y el objetivo es que las frutas se conviertan en el teclado para que los más pequeños puedan hacer música tocándolas», añade. El mínimo de edad son ocho años y, aunque el máximo son 18, «siempre decimos a los que son más mayores que se busquen a un niño para poder estar en el curso», bromea.

Lugares elegidos


El programa Audiovisual se proyectará en varios auditorios: Hoy en el Centro Cultural de Jesús a las 10 y a las 20 horas. En Can Jeroni será el día 22 a las mismas horas. En Can Ventosa se proyectará el 23 a las 19 horas y el 24 de octubre a las 10 y a las 19 horas. En el Cine Regio de Sant Antoni será a las 10 de la mañana el día 27 de octubre y el Centro Cultural Cervantes será a las 20 horas. En paralelo a su estreno mundial. Se trata de una programación para todos los públicos y gratuita. «Si que es cierto que para los primeros cursos que impartimos, de un nivel más avanzado, pedíamos que la gente tuviera, aunque fuese, algún mínimo conocimiento de las cosas de las que íbamos a hablar», comenta Caen Botto. «Pero para estas charlas no se pide nada. Es para todos los públicos, incluso para los curiosos que no hayan asistido nunca a ninguna charla o curso de estos temas, pueden ser estas charlas informativas», explica Botto.
La programación de ArtFutura Ibiza es posible gracias a la colaboración del Instituts d´Estudis Baleàrics, el Consell de Ibiza y los ayuntamientos de Santa Eulària, Sant Josep, Ibiza y Sant Antoni.

Proyecto mundial



ArtFutura explora, desde 1990, los proyectos y las ideas más importantes surgidas en el panorama internacional del arte de nuevos medios, el diseño de interacción, la realidad virtual y la animación digital. 2017 será su XXVIII edición y en la actualidad el evento se celebra en más de veinte ciudades del mundo. «Nuestro objetivo en ArtFutura Ibiza a largo plazo es conseguir más socios o parteners y conseguir que ArtFutura Ibiza tenga una sede fija aquí y poder ofrecer cursos todo el año. Hacernos mucho más grandes, y más fuertes», explica Botto.
Fuente
http://www.diariodeibiza.es

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