Páginas

Seguidores

Translate

visitas contador

miércoles, 18 de septiembre de 2019

El petróleo como obra de arte

Resultado de imagen de El petróleo como obra de arte



https://es.euronews.com/2019/09/18/el-petroleo-como-obra-de-arte?jwsource=cl


Nikolay Nasedkin no es un artista cualquiera. Las obras de este pintor ruso cuentan con un elemento muy inusual: el petróleo.

Una exposición de Moscú muestra estos días el trabajo del considerado uno de los principales maestros del expresionismo postsoviético. El petróleo es prácticamente un mito en las conciencias de los rusos, y Nasedkin hace aflorar el mito del crudo al exterior, plasmándo el significado de este en la historia del país.


"El petróleo es sólo un pretexto, sólo un material", confiesa el artista. "En otros tiempos comíamos fruta y ahora consumimos las profundidades de la tierra, y se nos están acabando. Para nuestro país el petróleo es riqueza y poder, y sin embargo a nosotros, a la gente, ese petróleo no nos llega".

La exposición incluye también varios vídeos grabados en el pueblo natal del artista, en la región central de Voronezh. Una especie diario de viaje a su pequeña patria en busca de sus parientes.

"Al usar petróleo a veces arriesga la vida", recuerda el supervisor de la exposición, Kirill Svetlyako. "Los vapores de las suspensiones tienen un efecto negativo para la salud. A pesar de lo cual él está tratando de describir aspectos como la familia y los parientes con ese material".

Lienzos, paneles y hasta columnas estan bañadas de petróleo en esta oscura exposición sobre la historia personal de Nikolay Nasedkin, abierta en la galería Tretyakov de Moscú hasta el próximo 11 de noviembre.

Fuente



Exposición Redes de Vanguardia: Amauta y América Latina viajará a México y Estados Unidos

José Carlos Mariátegui Ezeta, nieto de José Carlos Mariátegui y uno de los responsables de la exposición "Redes de vanguardia. Amauta y América Latina 1926-1930", en el Museo Reina Sofía de España, como parte de las actividades del ARCOmadrid, donde el Perú es invitado de honor.ANDINA
José Carlos Mariátegui Ezeta, nieto de José Carlos Mariátegui y uno de los responsables de la exposición "Redes de vanguardia. Amauta y América Latina 1926-1930", en el Museo Reina Sofía de España, como parte de las actividades del ARCOmadrid, donde el Perú es invitado de honor.ANDINA


José Carlos Mariátegui Ezeta, nieto de José Carlos Mariátegui y uno de los responsables de la exposición "Redes de vanguardia. Amauta y América Latina 1926-1930", en el Museo Reina Sofía de España, como parte de las actividades del ARCOmadrid, donde el Perú es invitado de honor.ANDINA


Muestra está abierta en el Museo de Arte de Lima hasta esta semana


La exposición Redes de Vanguardia: Amauta y América Latina 1926-1930 se presenta con éxito en el Museo de Arte de Lima (Paseo Colón, Cercado de Lima).

Esta muestra, que estuvo hace unos meses en Madrid, viajará dentro de poco al Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México y, después, a Estados Unidos.

La exhibición propone una nueva narrativa sobre las vanguardias latinoamericanas de la década de 1920 desde la perspectiva de la influyente publicación creada y dirigida por el pensador José Carlos Mariátegui.

La curaduría está a cargo de Beverly Adams (Blanton Museum of Art de la Universidad de Texas, en Austin) y Natalia Majluf (Museo de Arte de Lima).

En sus páginas, Amauta reunió textos de literatura, artes visuales, política y economía, y publicó o reseñó la obra de figuras tan diversas como Martín Adán, Jorge Basadre, Jorge Luis Borges, Maxim Gorky, Víctor Raúl Haya de la Torre, Vicente Huidobro y Gabriela Mistral, entre otros pensadores o creadores.

El proyecto incluye una publicación que suma las voces de reconocidos estudiosos del período reunidos para este fin, la cual ya está disponible en el Museo de Arte de Lima.
(FIN) ECG

Fuente

Artbo 2019. Eduardo Ramírez Villamizar: Imperativos del instinto artístico

Resultado de imagen de Artbo 2019. Eduardo Ramírez Villamizar: Imperativos del instinto artístico

Bogotá- Un nombre se repite con fuerza en esta 15ta. edición de la Feria Internacional de Arte de Bogotá, Artbo 2019: Eduardo Ramírez Villamizar, cuya impresionante obra escultórica está presente en varias galerías aquí, como por ejemplo la Nueveochenta (Colombia), León Trovar Gallery (Estados Unidos), entre otras, y que con orgullo la muestran. Y no es por azar, el célebre escultor y pintor colombiano, ya desaparecido, es junto con Edgar Negret una de las figuras más prominentes de la escultura colombiana y latinoamericana. Sus huellas en el volumen quedaron sembradas en muchas ciudades de nuestra América, en Estados Unidos, y también en Cuba.
Cuando uno se acerca a sus piezas de metal, donde predomina el acero, hierro y muchos otros, se respira un cierto aire arquitectónico, pues, según confesó a este periodista un día de mayo de 1988 en Baconao, durante el II Simposio Internacional de Escultura en Santiago de Cuba, él estudió arquitectura durante tres años, pero "no tuve la capacidad de construir nada", y añadió que era un admirador de la arquitectura, pues "me interesa la relación entre escultura y arquitectura, como la hubo en las obras precolombinas, en las pirámides de Chichen Itza, en Yucatán, en las de Egipto, en aquellas catedrales góticas que son esculturas por fuera y por dentro".
Sin saberlo, aquellas confesiones realizadas en los campos de Baconao donde erigía una importante pieza: Entrada a las piedras sagradas, el célebre creador dejaba en claro su testamento artístico: su amor ilimitado por las obras latinoamericanas realizadas por sus predecesores y que le llenó el alma a la hora de crear. 


Entrada a las Piedras Sagradas, pieza de Eduardo Ramírez, emplazada en el prado de las Esculturas, en Santiago de Cuba. foto cortesía Fundación Caguayo
Entrada a las Piedras Sagradas, pieza de Eduardo Ramírez, emplazada en el prado de las Esculturas, en Santiago de Cuba. Foto: Fundación Caguayo


La pieza cubana de Ramírez Villamizar fue concebida en láminas de acero soldadas y está inspirada en las ruinas de Machu Picchu como muchos de sus trabajos. Desde que visitó un día Perú, el artista quedó enamorado de Machu Picchu, el misterio de aquel lugar, pues recordaba en sus palabras en aquella entrevista que cualquier persona con sensibilidad debía ser marcada por esa experiencia. A partir de aquel momento creó muchas obras que denominó: Recuerdos de Machu Picchu. Su obra Entrada a las piedras sagradas, no lleva color como casi toda su creación en metal, pues el hierro oxidado, decía, no es más que la textura y el tono de la naturaleza sometido al control que proporcionan una sensación de fuerza y complementan el sentido arquitectónico de sus trabajos. Del Cuzco hizo una comparación con sus inspiraciones creativas: los acueductos, cascadas y terrazas salen beneficiadas por la belleza colorística del óxido, así como sus estructuras, que solo son estructuras y No transposiciones de elementos particulares de Machu Picchu, quiso especificar, porque la Naturaleza es sagrada.
Cuando le pregunté por la inspiración, el maestro dijo muy rápido: "En realidad, mi obra, a pesar de parecer pensada y fría, siempre ha salido de la intuición y la sensibilidad. Luego se añade el pensamiento y el control matemático. Todo surge espontáneamente. Contrariamente a otros artistas que dicen voy a hacer una escultura con tales elementos y condiciones y de pronto hacen el trabajo y les resulta plástico. En mí, la escultura sale y luego puedo controlarla un poco. Son como IMPERATIVOS DEL INSTINTO."
La forma continua e infinita en sí misma fue uno de los temas que desarrollaría en diferentes etapas de su obra escultórica. Y él notó que entre todas las formas geométricas integradas había insistencia en el rombo, que aparecía con más frecuencia que el cuadrado, el rectángulo, el triángulo u otra forma geométrica, y decidió "de manera pensada que todas sus obras estuvieran basadas en la forma de diamante".
¿Y no se repiten las piezas? Pregunté asombrado: "Estoy contento -dijo entonces- de ver lo que se puede hacer utilizando un solo elemento. Siempre pensé que esto podría empobrecer el trabajo, pero se pueden decir maravillas con una sola forma."


Eduardo Ramírez -Villamizar  Triple Portn, 1999  Leon Tovar Gallery
Eduardo Ramírez -Villamizar  Triple Portn, 1999  Leon Tovar Gallery 


Observando sus esculturas en ArtBo 2019 vienen a mi mente los recuerdos de un joven frente al maestro, cuando aún no tenía conciencia del alcance de su creatividad, y uno se emociona de poder ver aún después de su desaparición física, acaecida hace pocos años, la impronta dejada para sus predecesores, una obra imaginativa, misteriosa, que habla de nuestras raíces latinoamericanas, de la fuerza de los hombres que habitan estas tierras, y donde uno encuentra asidero para soñar. Pues en la aparente frialdad de las obras de Eduardo Ramírez Villamizar se esconden la poesía  y las memorias de las más remotas épocas. Como constante se sometió siempre a la forma, a la construcción, la geometría, los módulos de acoplamientos continuos... Y como expresó aquella vez en la Isla caribeña dejando sus sueños y el alma en las palabras: "YO HAGO SONETOS, ES MI DESTINO. Con mi escultura solo quiero decir una cosa y que se entienda rápidamente, que el espectador la lea y casi inmediatamente la comprenda. Como un poema japonés, que en una sola frase lo dice todo".
Una feria es un almacén de sorpresas, un lugar donde podemos dialogar con las almas y los sentimientos más internos de muchos artistas, encontrar respuestas a emociones, sueños, anhelos, y sobre todo sentir mirando sus creaciones, que es el mejor regalo a quien las crea.
Eduardo Ramírez Villamizar, el célebre escultor, quien en su vida recibió importantes premios y reconocimientos en su Colombia natal y en muchos otros, como en la Bienal de Sao Paulo en 1969, sencillo y amable, como lo conocí en aquel Simposio en Santiago, vibra hoy en sus obras en ArtBo 2019, en cualquier espacio donde yacen esas piezas repletas de sensibilidad y sobre todo de amor por lo nuestro Latinoamericano. Un regalo más de la feria que recién comienza...
En portada:  Eduardo Ramírez Villamizar/ Foto: HERNÁN DÍAZ
Fuente
https://www.arteporexcelencias.com

martes, 17 de septiembre de 2019

Banksy: artista urbano creó el camión más costoso del mundo

Banksy tardó dos semanas en trabajar sobre la estructura de este Volvo FL6. El artista aún no gozaba de una gran fama mundial. (Fotos: Bonhams).
Banksy tardó dos semanas en trabajar sobre la estructura de este Volvo FL6. El artista aún no gozaba de una gran fama mundial. (Fotos: Bonhams).
Banksy tardó dos semanas en trabajar sobre la estructura de este Volvo FL6. El artista aún no gozaba de una gran fama mundial. (Fotos: Bonhams).

En el 2000, el famoso artista Banksy creó una de las obras que más tiempo se tomó recrear. Se trata de una serie de grafitis pintados sobre un Volvo FL6 del año 1998, y que hoy la casa de subastas Bonhams lo ha cotizado en un precio tope de US$ 2 millones.
Banksy tardó dos semanas en trabajar sobre la estructura de este Volvo FL6. El artista aún no gozaba de una gran fama mundial. (Fotos: Bonhams).
El vehículo, bautizado como ‘Turbo Zone Truck’, cuenta con dimensiones de 10.0 m de largo, 2.51 m de ancho y 3.68 m de alto. El camión, que el pasado 14 de setiembre entró a subasta sin éxito, cuenta con un certificado de autenticidad como obra de Banksy.
Banksy tardó dos semanas en trabajar sobre la estructura de este Volvo FL6. El artista aún no gozaba de una gran fama mundial. (Fotos: Bonhams).
La historia detrás de esta creación señala que, años atrás, Banksy estuvo en una fiesta junto al cofundador de Turbozone Internacional Circus. De pronto, el artista recibió la propuesta de tomar como lienzo al camión Volvo que recién había adquirido el empresario.
Banksy, un joven artistas que por aquella época aún no obtenía la fama y reputación de la que hoy goza, aceptó el proyecto e intervino al camión. Según relata el anuncio, el artista trabajó durante dos semanas para finalizar su obra.
Banksy tardó dos semanas en trabajar sobre la estructura de este Volvo FL6. El artista aún no gozaba de una gran fama mundial. (Fotos: Bonhams).
Banksy tardó dos semanas en trabajar sobre la estructura de este Volvo FL6. El artista aún no gozaba de una gran fama mundial. (Fotos: Bonhams).
En el diseño final podemos observar que Banksy plasma su visión sobre una sociedad que utiliza para fuerza para generar un cambio en el sistema, y así sobrepasar a las instituciones que, según la visión del artista, son capaces de censurar al pueblo.
Banksy tardó dos semanas en trabajar sobre la estructura de este Volvo FL6. El artista aún no gozaba de una gran fama mundial. (Fotos: Bonhams).
Banksy tardó dos semanas en trabajar sobre la estructura de este Volvo FL6. El artista aún no gozaba de una gran fama mundial. (Fotos: Bonhams).
Lo cierto es que, luego de intervenido, este Volvo FL6 de 1998 fue utilizado por Turbozone en distintas giras alrededor de Europa y Sudamérica como parte de su espectáculo ‘Cenicienta’.
Banksy tardó dos semanas en trabajar sobre la estructura de este Volvo FL6. El artista aún no gozaba de una gran fama mundial. (Fotos: Bonhams).
Banksy tardó dos semanas en trabajar sobre la estructura de este Volvo FL6. El artista aún no gozaba de una gran fama mundial. (Fotos: Bonhams).
Banksy tardó dos semanas en trabajar sobre la estructura de este Volvo FL6. El artista aún no gozaba de una gran fama mundial. (Fotos: Bonhams).
Banksy tardó dos semanas en trabajar sobre la estructura de este Volvo FL6. El artista aún no gozaba de una gran fama mundial. (Fotos: Bonhams).
Fuente

Bienvenido al museo del futuro

Foto:

Minsait pone al servicio de estas entidades culturales la inteligencia artificial y el internet de las cosas para mejorar la experiencia del usuario: menos esperas y más seguridad


La experiencia de visitar un museo ya no solo depende de las obras expuestas. En los últimos años, los principales museos del mundo se han lanzado a añadir a sus fondos y exposiciones ofertas y servicios cada vez más sofisticados y personalizados, donde la tecnología se ha convertido en el principal aliado. ¿El objetivo? Que la visita sea inolvidable.
Un ejemplo de la unión de la tecnología con la cultura son los Museos Vaticanos de Roma. Gracias a la inteligencia artificial y el Internet of Things (IoT), contemplar la Capilla Sixtina o la escultura de Laocconte puede ser una experiencia aún más única. A través de una 'app', los visitantes podrán consultar en tiempo real la afluencia en cada sala, evitando las incómodas esperas para contemplar una obra de arte, así como de la tienda o la cafetería del museo para decidir el recorrido más conveniente. Esta 'app' también enviará a los usuarios información sobre las obras y promociones adaptadas a sus perfiles e intereses.
Además, la tecnología permitirá a los responsables del museo tener una visión más precisa y completa de lo que ocurre ante los frescos de Rafael o en los apartamentos de Alejandro VI. Así, podrán evaluar en tiempo real el estado de cada área para decidir la intervención adecuada en cada momento.


Foto: EFE/Giorgio Onorati.
Foto: EFE/Giorgio Onorati.
Este proyecto ejecutado por Minsait -compañía que agrupa las capacidades de Tecnologías de la Información y Transformación Digital de Indra- utiliza los nuevos avances también para anticipar situaciones y minimizar riesgos. El mayor volumen de información procesada por los sistemas de Big Data permitirá, por ejemplo, una medición más precisa y puntual del estado de los espacios y de las obras; y un nuevo sistema digital y multimedia de avisos guiará al público por el recorrido más rápido y seguro, canalizando los flujos de personas en base al tipo de incidencia y a la concentración de cada espacio.

La clave: Smart Government Museum

Todas estas tecnologías se engloban dentro del concepto de museo inteligente de Minsait, que pretende ir más allá de la mera gestión de las filas y tiempos de espera. Para ello, la compañía española ha creado una plataforma basada en su solución Smart Government Museum, construida sobre Onesait Platform, la plataforma de soluciones de Minsait para cubrir las necesidades de sus clientes a través de un ecosistema de productos digitales. La solución de Minsait pone a disposición de las entidades culturales la tecnología para la digitalización de servicios, la gestión de los flujos de visitantes y la protección y seguridad de personas y obras de arte.
Esta solución es el resultado de la aplicación a los museos de la tecnología que Minsait ya está instalando en el ámbito de las 'smart cities': la compañía ha desarrollado más de 120 proyectos de ciudades inteligentes en todo el mundo y participa en iniciativas internacionales como Ciudad 2020, CPSE-Labs, Transforming Transport, Arrowhead, e-Vacuate o Mobywallet.


Foto: EFE/Yuri Kochetkov.
Foto: EFE/Yuri Kochetkov.
"Con este proyecto estamos construyendo un entorno a la vanguardia" -asegura Francesco Casertano, security manager de Minsait en Italia- "aplicando tecnologías de 'big data' e inteligencia artificial para que los amantes del arte puedan disfrutar de una experiencia aún más confortable y única".
En su opinión, "el camino hacia un verdadero 'smart museum' es la innovación, que entendemos no solo como evolución tecnológica, sino también como la aplicación de experiencia orientada a lograr espacios más abiertos, dinámicos, inteligentes y atractivos para el público. Este es el concepto que está guiando el proyecto de digitalización en Museos Vaticanos y que queremos trasladar a las instituciones de todo el mundo", concluye.


Algunas de las tecnologías implantadas

Conectividad wifi
Proporcionará al público acceso a internet sin necesidad de autenticación, utilizando un identificador de red independiente.
Centro de procesamiento de datos
Desarrollo e instalación de la sala de control que centralizará la gestión de todos los espacios de los Museos Vaticanos. 
Sistemas de megafonía
Sistemas de emisión de mensajes de voz en vivo, mensajes de voz grabada y de mensajes formados por voz y música para situaciones de evacuación. 
Sistemas de control de flujo
El sistema tendrá como objetivo principal la recolección, el almacenamiento y el procesamiento de los datos sobre flujos de entrada y salida de visitantes mediante la integración de datos provenientes de cámaras estereoscópicas. 
Sistema de sensores 
La aplicación utiliza sensores que adquieren los valores de acuerdo con las solicitudes específicas y los transmiten a los 'gateway' utilizando protocolos de comunicación específicos. Los datos serán recogidos en el CPD para su análisis, que permitirá obtener información útil para la tutela del patrimonio y la seguridad de las personas.
Fuente
https://www.elconfidencial.com

De manifestos, arte y poesía: sobre las vanguardias soviéticas


Afiche original de “Acorazado Potemkin”
Afiche original de “Acorazado Potemkin”
En "Bofetada al Gusto", los compiladores Alberto Tito Giudici y Juan Pablo Pérez, recrean el pensamiento y la obra de los movimientos surgidos antes y después de la Revolución de Octubre, en las figuras de El Lissitsky, Rodchenko, Stepanova, Osip Brik y Maiakovski, entre otros. Infobae Cultura transcribe en exclusiva el prólogo del libro que se presenta hoy


Qué podemos decir sobre las vanguardias artísticas del siglo XX que todavía no se haya dicho. Las relaciones del arte con la técnica, con el absurdo, con la física, con las dimensiones que juegan en un plano, las que juegan entre un plano y un volumen, la cuarta dimensión, las vanguardias asociadas al futuro, la producción moderna industrial, hasta lo más profundo de los campos subjetivos, todo estaba en discusión, todo estaba en juego. Las vanguardias, particularmente con la Revolución de Octubre, fueron a las búsquedas de las grandes transformaciones que producía la política, la Revolución se defendía también desde el arte y con el arte. La gran transformación cultural era la propia Revolución, la gran ruptura epistemológica, los nuevos sentidos los ofrecía la Revolución. El hecho histórico extraordinario fue el gran encuentro entre las vanguardias artísticas y las vanguardias políticas. Las transformaciones en el arte no se realizaban ya sólo dentro de la modernización capitalista, el socialismo también transformaba el arte o el arte aportaba a la transformación social, el socialismo se presentaba como una gran alternativa moderna frente a la otra modernización capitalista.
Pero el título elegido para este libro Bofetada al Gusto provoca volver sobre temas tan caros asociados a las transformaciones que proponían las vanguardias. Por eso resulta muy inteligente reconocer este título, pensando en que la historia del arte se asocia a dos movimientos: la historia del gusto y a la crítica del gusto. Una bofetada al gusto social es un manifiesto colectivo realizado en Moscú en 1912 por los futuristas rusos. Aborda justamente una crítica radical al gusto establecido y es muy explícito además cuando dice: El pasado es estrecho. La Academia y Pushkin menos comprensibles que jeroglíficos. Puskin, Dostoievski, Tolstoi, etcétera, etcétera, deben ser tirados por la borda del vapor del Tiempo Presente. El acto irreverente será una de las condiciones de los manifiestos. El propio Vladimir Maiakovski volverá a recordar este escrito en su otro Manifiesto: ¿Por qué cosa bate el LEF? donde reconoce que: La reacción ha creado un arte y un hábito de vida según su propia imagen, su gusto.

“Bofetada al gusto. Un recorrido por la vanguardia ruso – soviética de 1912 a 1930” ( Centro Cultural de la Cooperación), de Alberto Giudici y Juan Pablo Pérez (comp)
“Bofetada al gusto. Un recorrido por la vanguardia ruso – soviética de 1912 a 1930” ( Centro Cultural de la Cooperación), de Alberto Giudici y Juan Pablo Pérez (comp)
Las vanguardias artísticas en general coincidían en lo básico: la vida era el arte y el arte era la vida. También las tensiones revolucionarias de la política permitieron atravesar la vida y el arte con objetivos claros de modernización. Podemos tomar como ejemplo de este fenómeno la frase que impulsó la Revolución de Octubre: "Electrificar Rusia", consigna leninista que de alguna forma era una metáfora, y a la vez, una acción política ineludible en el necesario proceso de modernización socialista.
Las vanguardias atravesaron el sentido de la creación artística y los nuevos emergentes vinculados a la ciencia, la técnica, la producción industrial. También las vanguardias permitieron junto a las grandes producciones artísticas debatir teóricamente entre sí frente a los diversos manifiestos. Se confrontaba con la idea de que sólo había que representar la realidad tal cual era; a la vez, mientras se hacía un elogio de la técnica y la máquina, se dudaba del cientificismo aplicado al arte como única forma de combatir el naturalismo. El Lissitsky, en su Manifiesto Proun decía que a pesar de que era necesario que el arte se encontrara con la ciencia, el nuevo universo de objetos creados por el artista superaba a la máquina y a los ingenieros. Para el propio Pablo Picasso el cubismo no podía estar asociado únicamente a las matemáticas, la trigonometría, el psicoanálisis, esa mirada cientificista a ultranza era criticada por muchos. Pero es indudable que también existía un debate científico y técnico sobre cómo debía componerse el arte en un plano, las diferencias entre la geometría euclidiana y la no euclidiana. De alguna forma el arte se encontraba con la ciencia en la medida que le permitía ampliar la construcción de nuevos espacios y nuevas dimensiones.
En el debate sobre el cientificismo y el arte se colaba la problemática del espacio, pero también la Revolución necesitaba colocar su impronta de modernización productiva en el otro espacio: el social, que justamente había que transformar. El espacio geométrico era también una forma de vincular los espacios artísticos y políticos en diversas circunstancias como cartografías asociadas y a la vez independientes. En estas condiciones siempre estaba jugando el problema esencial del arte. Como decía Juan Gris, uno de los grandes referentes del cubismo: Se puede inventar aisladamente una técnica, un procedimiento, pero no una condición espiritual. ¿No era la propia Revolución, entonces, una compleja relación entre "lo científico-ideológico" y el espíritu de una subjetividad en juego para cambiar el mundo?

cartel agitprop
cartel agitprop
Todos los manifiestos de las vanguardias artísticas trabajaban sobre algunas premisas que imponían la lucha ideológica y la lucha revolucionaria. En el Manifiesto Productivista de Aleksander Rodchenko y Varvara Stepanova de 1920 se aclaraba muy explícitamente: La misión del grupo productivista es la expresión comunista del trabajo constructivo materialista. El grupo se ocupa de la solución de este problema basándose en hipótesis científicas y poniendo de relieve la necesidad de sintetizar el aspecto ideológico y formal para orientar el trabajo experimental por la vía de la actividad práctica. Sobre este estado entre los espíritus, la materia, el sueño, la vigilia y la transformación moderna, el propio Lenin lanzó una frase que sigue viviendo entre todos nosotros: Todo es ilusión menos el poder.
Los debates se daban entre las vanguardias y entre los expositores de esas vanguardias en todas las direcciones y en todos los niveles. Porque las vanguardias también tuvieron que probarse a sí mismas y demostrar el sentido del arte moderno. Debatieron a veces crudamente entre sí. Se cotejaba si el Futurismo no era una limitada estética positivista o si el Constructivismo no era un tecnicismo abstracto. El Futurismo (que fue uno de los primeros movimientos en ir en ayuda de la Revolución) no era necesariamente una línea ascendente en constante progreso, o quizás, sí lo era para las interpretaciones más superficiales. El propio Futurismo tuvo varios debates en el interior del movimiento y fuera de él. En el Manifiesto del Realismo de Naum Gabo y Antonine Pevsner de 1920 se observaba que: Los intentos realizados por cubistas y futuristas para sacar a las artes figurativas del fango del pasado sólo han producido nuevos desencantos. Estaba en discusión el viejo sistema económico, social y cultural, y también la forma de generar las rupturas del arte con el pasado.

Varvara Stepánova y Aleksandr Ródchenko. Músicos callejeros. Fotografiados en su estudio, en la casa de Vasili Kandinsky, en 1921. Autor anónimo.
Varvara Stepánova y Aleksandr Ródchenko. Músicos callejeros. Fotografiados en su estudio, en la casa de Vasili Kandinsky, en 1921. Autor anónimo.
No deja de ser interesante que un conjunto diverso de vanguardias y manifiestos en Rusia-URSS (inclusive fuera de Rusia) se vinculaban de una u otra forma a la misma y única vanguardia política que proponía el socialismo como sistema de vida o se dividían, como indicaba Maiakovski, en un futurismo de "izquierda" y otro de "derecha" y "los izquierdistas que esperaban a octubre han sido bautizados con el nombre de "bolcheviques del arte".
Resultaría muy importante hacer un estudio comparado de los Manifiestos y de los productos artísticos referenciados en cado uno de esos movimientos. Dentro de un mismo espacio histórico las vanguardias habilitaron una gran diversidad de estéticas y procedimientos. El Manifiesto Nosotros los Futuristas de Osip Brik dice: Dejar desarrollarse libremente todas las personalidades y los grupos creadores. No permitir que ninguna tendencia predomine sobre otra sirviéndose ya sea de una gloria tradicional y consagrada, sea de éxito de moda. Muy a menudo hemos visto en la historia de la humanidad la "moda afiebrada" de impulsar lo nuevo hacia adelante, impaciente de transformar lo antiguo en rutina; y venir la generación siguiente a llorar sobre las ruinas de la belleza y pasar con desdén entre los reyezuelos destronados del éxito fácil. Resulta interesante reconocer en este Manifiesto el elogio a la diversidad y la vigencia de la crítica al éxito.

“Osip Brik. Grotesco”. Diseñado para la portada de la revista LEF, 1924
“Osip Brik. Grotesco”. Diseñado para la portada de la revista LEF, 1924
Un estudio más extendido sobre los manifiestos de las vanguardias podría inclusive reconocer la vigencia de muchos de sus postulados. En el Manifiesto de los Kinoks de Dziga Vertov, "Cine Ojo" (1923) se declaran ideas que hoy siguen teniendo total actualidad, frases como: El cine-drama es el opio de los pueblos pensando hoy por ejemplo el la telenovela lacrimógena, o cuando declara: ¡Abajo los reyes y reinas inmortales de la pantalla! Vivan los normales filmados en la vida durante sus ocupaciones habituales, se parece a una crítica del simulacro de la pos-verdad o a lo virtual en nuestro presente.
Por cierto, no corresponde hacer traslados automáticos sobre los movimientos vanguardistas fuera de sus contextos históricos. Pero vivimos una época de grandes simulaciones donde se confunde la vida real con lo mediático, se ha perdido esa expansión utópica del artista como un trasformador, no sólo de la estética, sino también de la vida. Las vanguardias, lo mejor de las tradiciones vanguardistas, siguen moviéndose desde el fondo de la historia.

Vladimir Maiakovski
Vladimir Maiakovski
Poca veces en la historia tantos artistas e intelectuales con una gran capacidad creativa como Vladimir Maiakovski, Vsévolod Meyerhold, Sergei Eisenstein, Dziga Vértov, Liubov Popova, Vladímir Tatlin, manifestaron a la vez una gran autoridad política y revolucionaria.
Este libro tan bien copilado por Alberto Guidici y Juan Pablo Pérez, curadores y responsables de nuestro Departamento de Ideas Visuales del Centro Cultural de la Cooperación, es indudablemente un gran aporte en nuestro país ante los 100 años de la Gran Revolución Rusa que cambió el mundo.
*Director Artístico del Centro Cultural de la Cooperación
*Bofetada al gusto. Un recorrido por la vanguardia ruso – soviética de 1912-1930 se presenta hoy, lunes 16 de septiembre, a las 19 hs en la sala Raúl González Tuñón del Centro Cultural de la Cooperación, Av. Corrientes 1543.
Participarán de la presentación Luis Felipe Noé, Valeria González, Jorge Dubatti, Juano Villafañe, Hernán Cardinale, Alberto Giudici y Juan Pablo Pérez.
Fuente
https://www.infobae.com

Te puede interesar;

Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...