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miércoles, 16 de mayo de 2018

Artistas-curadores revelan sus proyectos para la 33a. Bienal de San Pablo


La 33a Bienal de San Pablo, que tendrá lugar del 7 de septiembre al 9 de diciembre de 2018 en el Pabellón Ciccillo Matarazzo,en el Parque Ibirapuera ya dio a conocer los detalles finales de lo que  se proyecta como una edición única en la historia del encuentro bianual de arte más importante de Latinoamérica.

Se exhibirán siete muestras grupales curadas por artistas seleccionados junto con doce proyectos individuales seleccionados por el curador en jefe Gabriel Pérez-Barreiro que componen un modelo que da voz a los artistas y valora sus interpretaciones sobre sus propios contextos de producción.


Nombrado por la Fundação Bienal de São Paulo como curador de la 33ª Bienal de São Paulo – Afinidades Affectivas después de su propuesta de organizar el evento a través de un ‘sistema operativo’ alternativo, Gabriel Pérez-Barreiro ha concebido una Bienal que valora la mirada de los artistas sobre sus propios contextos creativos y evita una gran exposición temática..
Además de los doce proyectos individuales, esta edición incluye muestras grupales organizadas por siete artistas curadores: Alejandro Cesarco (Uruguay / Estados Unidos, 1975), Antonio Ballester Moreno (España, 1977), Claudia Fontes (Argentina / Reino Unido, 1964), Mamma Andersson (Suecia, 1962), Sofia Borges (Brasil, 1984), Waltercio Caldas (Brasil, 1946) y Wura-Natasha Ogunji (Estados Unidos / Nigeria, 1970).
De la misma manera que los proyectos individuales no configuran un espectáculo grupal en el sentido tradicional y no están vinculados por ninguna estructura temática o narrativa, las propuestas del artista-curador son completamente independientes entre sí. “Los siete artistas-curadores han estado trabajando con total autonomía tanto entre sí como con la curaduría general. Las únicas limitaciones impuestas son de naturaleza práctica, como los presupuestos y el uso del espacio físico dentro del Pabellón Bienal “, explica Pérez-Barreiro.
Guiados exclusivamente por el concepto de ‘afinidades afectivas’ y por la premisa de que sus propias obras de arte también deben integrar su proyecto curatorial, cada uno de los artistas-curadores ha respondido a la invitación de Pérez-Barreiro a su manera individual, adoptando diferentes metodologías y estrategias curatoriales . “Si bien algunos han adoptado estrategias que son más museográficas e históricas, seleccionando obras de arte existentes, otros han propuesto espectáculos que presentan piezas exclusivamente encargadas, que establecen una especie de curaduría colectiva en un proceso horizontal de investigación artística. Las propuestas son siete ejemplos diferentes de metodología curatorial ‘, agrega.

Los proyectos

Para su exposición Stargazer II, Mamma Andersson seleccionó un grupo de artistas que han inspirado y alimentado su propia producción como pintora. La selección incluye una amplia gama de referencias, como iconos rusos del siglo XV,  Henry Darger (EE. UU., 1892-1973) y Dick Bengtsson (Suecia, 1936-1989), y artistas contemporáneos, como el cineasta Gunvor Nelson (Suecia, 1931) y el piloto de combate y artista sonoro Åke Hodell (Suecia, 1919-2000), entre otros. Los participantes comparten un interés común en la figuración expresiva y el cuerpo humano. “Me interesan los artistas que trabajan con la melancolía y la introspección como forma de vida y como estrategia de supervivencia”, explica Andersson. La exposición también incluye una gran cantidad de pinturas de Andersson, que presentan un diálogo vibrante entre su producción y su inspiración artística.
Antonio Ballester Moreno aborda su proyecto curatorial para la 33ª Bienal de São Paulo como una forma de contextualizar un mundo basado en la relación íntima que existe entre la biología y la cultura, con referencias a la historia de la abstracción y su interacción con la naturaleza, la pedagogía y la espiritualidad. Para este propósito, reúne el trabajo de filósofos, científicos y artistas: “porque todos somos creadores de nuestro mundo, pero entiendo que esa variedad de idiomas nos ha separado del sentido común, por lo que esta propuesta se centra en el estudio de nuestros orígenes, ya sea en relación con aspectos naturales, sociales o subjetivos, los tres ejes que organizan la exposición “, afirma Ballester Moreno.
Titulado Sentido / comum [común / sentido], su proyecto abarca juguetes educativos de las vanguardias históricas, obras de arte de la Escuela de Vallecas (un movimiento vanguardista español de los años 30 cercano al surrealismo) y obras de artistas contemporáneos. Entre los participantes (incluido el propio artista-curador), la exposición presenta al filósofo y educador Friedrich Fröbel (Alemania, 1782-1852); Andrea Büttner (Alemania, 1972); Mark Dion (EE. UU., 1961), quien presenta un proyecto encargado; y Rafael Sánchez-Mateos Paniagua (España, 1979), que es miembro del colectivo Atenta cuya investigación se centra en las prácticas de atención en el campo del arte. Además de participar en el espectáculo de Ballester Moreno, Paniagua también ha contribuido a la publicación educativa de la 33ª Bienal, Convite à atenção [Invitación a la atención], con un nuevo texto escrito para la ocasión.
El proyecto curatorial de Sofía Borges, titulado A Infinita História das Coisas ou Fim da Tragédia do um [La historia infinita de las cosas o el final de la tragedia de uno], explora un collage de referencias mitológicas basadas en interpretaciones filosóficas de la tragedia griega. Su propuesta es la formulación de un espacio activo para investigar los límites de la representación y la incapacidad del lenguaje para mediar en lo real. “En mi trabajo, he pasado años intentando usar imágenes para revelar el estado de la representación de las cosas, hasta que entendí que no hay solución para esto porque, de hecho, es una cuestión de significado. El lenguaje es trágico per se, ya que es ambiguo. Un material no puede usarse para hablar de otro “, explica el artista.
Bajo esta premisa conceptual, el proyecto de exhibición se basa en un modelo curatorial mixto en el que la selección de obras de arte específicas va acompañada de obras encargadas por artistas invitados. Una de las singularidades de la propuesta de Borges -que incluye trabajos de Jennifer Tee (HOL, 1973), Leda Catunda (BRA, 1961), Sarah Lucas (Reino Unido, 1962) y Tal Isaac Hadad (FRA, 1976), entre otros- es confrontar la exposición como algo conjurado más allá del espacio pero también a tiempo. Como tal, el espectáculo se activará durante tres meses a través de un programa de experimentación propuesto por el artista-curador que explora la interacción entre las obras de arte, los artistas y los invitados.
Waltercio Caldas, cuya producción siempre se ha basado en la historia del arte, propone una sala de exposiciones donde obras de arte de diferentes artistas se enfrentan a sus propias obras. “Dado que la práctica de un artista se ocupa de numerosos temas que varían a lo largo del tiempo, he elegido obras de arte que se desvían de sus aspectos más conocidos y que se destacan por su calidad y especificidad. Los resultados de las relaciones entre las piezas seleccionadas se convirtieron en mi principal interés “, explica el artista.
La propuesta de Caldas presenta una reflexión sobre la poética, así como la naturaleza de las formas y las ideas y su implicación en la producción de arte desde finales del siglo XIX. “Al observar la tensión entre estas obras de arte muy diversas, he buscado las sorpresas iluminadoras que surgen de su fricción”. Desafiando su propio trabajo y destacando interacciones a menudo inesperadas, como entre la obra de Victor Hugo (FRA, 1802-1885), Jorge Oteiza (SPA, 1908-2003) y Vicente do Rego Monteiro (BRA, 1899-1970) – ver la aparición de nuevas posibilidades de leer arte.
La propuesta de Alejandro Cesarco se basa en su interés en temas como la repetición, la narrativa y la traducción. Ha seleccionado obras de arte de artistas que comparten algunas de sus preocupaciones conceptuales y estéticas. Titulado Aos nossos pais [A nuestros padres], el programa “cuestiona cómo el pasado (nuestra historia) tanto habilita como frustra las posibilidades, cómo reescribimos el pasado con nuestro trabajo y cómo se produce la diferencia en la repetición”, explica Cesarco. Además del artista-curador en persona, la exposición presenta artistas de tres generaciones diferentes, incluidos Sturtevant (EE. UU., 1924 – Francia, 2014), Louise Lawler (EE. UU., 1947) y Cameron Rowland (EE. UU., 1988). “Dedicar el espectáculo a una relación primaria (biológica o adoptada, literal o metafórica) es una forma de construir una genealogía y tratar de acercarnos a la fuente central de nuestras comprensiones, métodos, inhibiciones, posibilidades y expectativas”.
Para su exposición titulada O pássaro lento [El pájaro lento], Claudia Fontes recurre a una metanarrativa: un libro ficticio del mismo título cuyos contenidos son desconocidos, a excepción de algunos fragmentos y algunos restos materiales. Tanto Fontes como sus artistas invitados presentan obras de arte que activan los vínculos entre las artes visuales, la literatura y la traducción, a través de experiencias que proponen una mayor temporalidad como una alternativa al moderno fetiche de la velocidad. “La experiencia de la velocidad y la lentitud son experiencias políticas enraizadas en el cuerpo. Ambos influyen en la comprensión del espacio, la distancia y el azar. Durante más de un siglo, nuestra especie fue entrenada desde una edad temprana para despreciar la lentitud y desear la velocidad. Como resultado, ahora todos estamos luchando cuando intentamos imaginar una forma diferente de estar con uno mismo y con los demás “, afirma Fontes.
En un proceso curatorial horizontal y de colaboración, cada participante, con la excepción de Roderick Hietbrink (Holanda, 1975), produjo trabajos por encargo para la ocasión: Ben Rivers (Reino Unido, 1972), Daniel Bozhkov (Bulgaria, 1959), Elba Bairon (Bolivia , 1947), Katrín Sigurdardóttir (Islandia / EE. UU., 1967), Pablo Martín Ruiz (EE. UU., 1964), Paola Sferco (Argentina, 1974), Sebastián Castagna (Argentina, 1965) y Žilvinas Landzbergas (Lituania, 1979).
Para su proyecto expositivo titulado Sempre, nunca [siempre, nunca],compuesto exclusivamente por obras de arte comisionadas, Wura-Natasha Ogunji invitó a los artistas Lhola Amira (Sudáfrica, 1984), Mame-Diarra Niang (Francia, 1982), Nicole Vlado (EE.UU. , 1980), ruby ​​onyinyechi amanze (Nigeria, 1982) y Youmna Chlala (Líbano, 1974) para crear, como ella, obras de arte a través de un proyecto curatorial colaborativo y horizontal. El trabajo de estos seis artistas abarca desde lo íntimo (cuerpo, memoria, gesto) hasta lo épico (arquitectura, historia, nación) ‘, explica Ogunji. “En un diálogo abierto y continuo, nuestros proyectos individuales abarcan diferentes prácticas y lenguajes, intersectando ideas y preguntas cruciales para la experimentación, la libertad y el proceso creativo”.
La práctica de cada artista se ve afectada por sus historias individuales y por la compleja relación que tienen con su tierra, naciones y territorios. “Pero no es el hecho de los orígenes o las patrias lo que es revelador, sino que su trabajo subvierte las narrativas hegemónicas y abraza las interrupciones como aperturas necesarias”, agrega el artista-curador.
Fuente: Bienal de San Pablo
PH de portada: escultura de Elba Bairon, participante del proyecto curado por Claudia Fontes.

Fuente
https://jaquealarte.com

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