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jueves, 15 de febrero de 2018

Emily Kame Kngwarreye


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Emily Kame Kngwarreye (o Emily Kam Ngwarray) (1910 - el 3 de septiembre de 1996) era una artista australiana indígena de la comunidad de Utopia en el Territorio del Norte . Ella es una de las artistas más prominentes y exitosas en la historia del arte australiano indígena contemporáneo .

Vida 


Nacida en 1910, Kngwarreye no se dedicó a la pintura en serio hasta casi los 80. Nació y vivió en el grupo de idiomas Anmatyerre en Alhalkere, en la comunidad de Utopia, a unos 250 km al noreste de Alice Springs . Emily tenía un hermano y una hermana, y no tenía hijos propios. Los hijos de su hermano son Gloria Pitjana Mills y Dolly Pitjana Mills. [1] Su cuñada era Minnie Pwerle , madre de Barbara Weir a quien Kngwarreye crió en parte. Kngwarreye murió en Alice Springs.


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Arte temprano 

La formación artística inicial de Kngwarreye fue como una mujer indígena tradicional, preparando y usando diseños para ceremonias de mujeres. Su entrenamiento en técnicas occidentales comenzó, junto con el del resto de la comunidad Utopía, con batik . Sus primeras obras de tela de batik se crearon en 1980. [2] Más tarde se mudó del batik a la pintura sobre lienzo:
Hice batik al principio, y luego de hacerlo aprendí más y más y luego cambié a la pintura para siempre ... Entonces fue lienzo. Me rendí en ... tela para evitar todo el hervor para sacar la cera. Me puse un poco flojo, lo dejé porque era demasiado trabajo duro. Finalmente me cansé de ello ... No quería continuar con el trabajo duro que requería batik: hirviendo la tela una y otra vez, encendiendo fuegos y usando todo el jabón en polvo, una y otra vez. Es por eso que renuncié al batik y cambié al lienzo, fue más fácil. Mi visión se deterioró a medida que fui creciendo, y por eso abandoné el batik en seda, era mejor para mí pintar. 
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Las pinturas acrílicas fueron introducidas en Utopia en 1988/89 por Rodney Gooch y otros miembros de la Asociación de Medios Aborígenes de Australia Central (CAAMA). Una exhibición de algunas de las pinturas del trabajo de estos artistas organizada por CAAMA se llevó a cabo llamado "Un proyecto de verano", donde el trabajo de Kngwarreye recibió atención inmediata de la crítica. La atención que recibió coincidió con el auge mundial del arte que ocurrió en este momento.

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Mientras que el estilo aborigen predominante se basó en el desarrollado con la ayuda del maestro de arte Geoffrey Bardon en la comunidad de Papunya en 1971, con muchos puntos de tamaño similar cuidadosamente colocados uno al lado del otro en distintos patrones, Kngwarreye creó su propio estilo artístico original. Este primer estilo, en sus pinturas entre 1989 y 1991, tenía muchos puntos, a veces uno encima del otro, de diferentes tamaños y colores, como se ve en Wild Potato Dreaming (1996).
Inicialmente Kngwarreye pintó para CAAMA y la familia Holt en la estación Delmore Downs; en 1991 estaba produciendo muchas obras para la Aboriginal Gallery of Dreamings en Melbourne, así como Fred Torres de Dacou, ubicado en Adelaida.

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Estas pinturas originales de diferentes estilos fueron rápidamente subastadas , con un ingreso para el grupo de pintores Utopia de más de $ 1 millón en 1989/90. La primera exposición individual internacional de Kngwarreye se celebró en el Oude Kerk, Amsterdam , en 1999, por la Aboriginal Gallery of Dreamings. En 2013, se inauguró en Cheltenham, Victoria , Australia, el Emily Museum, [4] el primer museo con un solo artista aborigen .

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Estilos 

Kngwarreye pasó por diferentes estilos individuales en su corta carrera como pintora profesional. En 1992, comenzó a unir los puntos en líneas con rayas horizontales y verticales paralelas, representando ríos y terrenos , en muchos colores diferentes. Ella comenzó a usar pinceles más grandes que anteriormente. Sus pinturas posteriores se basaron en puntos mucho más grandes que el trabajo más fino e intrincado que hizo cuando comenzó.
En 1993 comenzó a pintar parches de color junto con muchos puntos, que eran como anillos que eran claros en el medio como se ve en Alaqura Profusion (1993). Esto se hizo con una brocha de afeitar que se llamó su estilo 'vertedero', que usaba colores muy brillantes. El mismo estilo de anillos de color también se ve en My Mothers Country y Emu Country (1994).

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En 1995 terminó lo que los críticos llamaron su fase colorista " y comenzó a pintar con franjas lisas que cruzaban el lienzo. Las rayas originalmente gruesas a menudo representaban las líneas de las pistas de ñame , como en Yam Dreaming (1994) y Bush Yam (1995). Ella expresó los extraños patrones de crecimiento del ñame, una planta que era crítica para la supervivencia humana en el desierto, pero era muy difícil de encontrar.
Más tarde, en 1995, sus pinturas comenzaron a parecerse en cierto modo a las pinturas expresionistas abstractas americanas de Jackson Pollock , con muchas líneas más delgadas que cruzaban el lienzo. Su tema principal continuó siendo el ñame, como en Yam Dreaming Awelye (1995) y también en las pinturas en blanco y negro de Yam Dreaming . Varias semanas antes de su muerte, Kngwarreye pintó muchos lienzos durante un período de 3 días en 1996, utilizando un pincel muy grueso, como en Body Paint (1996).

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Emily Kame Kngwarreye

ADVERTENCIA: Se informa a los familiares del artista que las imágenes de Emily Kame Kngwarreye y otros aborígenes que podrían haber fallecido aparecen en esta exposición y sitio web.

Acerca de Emily

Retrato de Emily Kame Kngwarreye
Emily Kame Kngwarreye. 
Foto: Greg Weight, 1994.
Emily Kame Kngwarreye es una de los artistas contemporáneos más importantes de Australia. Emily nació a principios del siglo XX y creció en una remota área desértica conocida como Utopía, a 230 kilómetros al noreste de Alice Springs, distante del mundo del arte que buscaba su trabajo.
Aunque Emily comenzó a pintar tarde en su vida, era una artista prolífica que a menudo trabajaba a un ritmo que contrastaba con su avanzada edad. Se estima que produjo más de 3000 pinturas en el curso de su carrera de pintura de ocho años, un promedio de una pintura por día.
Durante casi dos tercios de su vida, ella solo tuvo contacto esporádico con el mundo exterior. No fue sino hasta los 80 años cuando se convirtió, casi de la noche a la mañana, en una artista de prestigio nacional e internacional.
Su notable trabajo fue inspirado por su vida cultural como una anciana Anmatyerre, y su custodia de por vida de los sitios de Sueños de las mujeres en su país del clan, Alhalkere.

A la izquierda, una imagen en color de una roca con una formación de arco yuxtapuesta, a la derecha, con un retrato en blanco y negro de Emily Kame Kngwarreye.
Imágenes (de izquierda a derecha): 
formación del arco de la roca antecesora, Alhalkere. Foto: Harriet Pike, Ronin Productions, 2007. 
Retrato de Emily Kame Kngwarreye. Foto: Greg Weight, 1994.
Fue en Alhalkere donde residió la esencia de su ser, fue su Sueño que fue la fuente del poder creativo, de su conocimiento. Tan profunda fue su identificación con Alhalkere que infundió su vida y su sistema de creencias, y gobernó sus relaciones de parentesco y las conexiones con otras personas. Alhalkere fue la fuente de sus pinturas: su genio loci. Incluso físicamente, la nariz perforada de Emily rinde homenaje al antepasado Alhalkere, una roca perforada que se alza sobre el País del mismo nombre.
Alhalkere era el lugar y la ley que continuamente recreaba en su arte. Las visiones de Emily Kame Kngwarreye sobre Alhalkere son su legado cultural personal para el mundo. Cada vez que se le pedía a Emily que explicara sus pinturas, sin importar si las imágenes eran un velo resplandeciente de puntos, un campo de puntos de 'basurero', rayas crudas o líneas negras elegantes, su respuesta siempre era la misma:
Mucho, eso es todo, Awelye (mi sueño), Arlatyeye (lápiz yam), Arkerrthe (lagarto delta de montaña), Ntange (semilla de pasto), Tingu (cachorro de Dreamtime), Ankerre (emu), Intekwe (comida favorita de emúes, una planta pequeña), Atnwerle (judía verde) y Kame (semilla de ñame). Eso es lo que pinto, mucho. [1]
Vista aérea de las estribaciones spinifex y spinifex
Imágenes (de arriba a abajo): Vista aérea de las estribaciones spinifex con gomas fantasmas. Spinifex. 
Fotos: Mike Gillam.
La promulgación de estas fuertes conexiones culturales con su comunidad y su país a través de los lazos de parentesco, la historia ancestral y el derecho fue una práctica cotidiana que influyó en su arte, haciendo que su vida y su arte fueran inseparables.
Por extensión, una exposición de su obra, sin importar cuán grande o pequeña sea, siempre es la misma historia, en la cual el todo se trata de la totalidad de su existencia expresada como sus Sueños en todas sus manifestaciones.
Es posible encontrar en el trabajo de Emily enlaces visuales con casi todas las fases del modernismo occidental y con aspectos de las prácticas artísticas japonesas.
Que ella no sabía virtualmente nada del mundo del arte más allá de la utopía y extrajo su energía, creatividad e inspiración de un pequeño parche del país en el centro del interior de Australia es solo uno de los muchos desafíos radicales que plantea su arte.

Cronología

alrededor de 1910
Emily Kame Kngwarreye nace en su país, Alhalkere, a unos 230 kilómetros al noreste de Alice Springs, en el centro de Australia. Es aquí donde se encuentra por primera vez con un hombre blanco (y caballos) cuando tiene unos 10 años de edad.
Década de 1920
Los primeros pastores se establecen en las tierras de los pueblos Anmatyerre y Alyawarr, que incluyen el país de Emily, y nombran el área Utopía.
1930 y 1940
Emily se somete a un matrimonio arreglado. Al igual que muchos otros aborígenes, Emily y su esposo trabajan en propiedades pastorales. También trabaja en los equipos de camellos que transportan suministros entre Alcoota y Wolfram Mine en la estación de Mount Riddock. A finales de la década de 1940, Emily se vuelve a casar, en lo que ella llama un "partido de amor".
1976
Los derechos territoriales aborígenes se otorgan en el Territorio del Norte y Emily se muda de la propiedad pastoral.
1977
Batik-making se presenta a las mujeres en Utopía como parte de un programa educativo ampliado financiado por el gobierno. Este es el comienzo del uso de Emily del material presentado en su arte.
1978
Utopia Women's Batik Group se forma, con Emily como miembro fundador.
1979
Emily y otras mujeres involucradas en el reclamo de tierra Utopia realizan una ceremonia Awelye antes de una audiencia de arbustos del Land Claim Tribunal, lo que demuestra la poderosa naturaleza del arte como evidencia para mostrar la conexión con el país. Los pueblos Anmatyerre y Alyawarr obtienen el título de propiedad absoluta de la utopía en virtud de la Ley de Derechos de la Tierra Aborigen (Territorio del Norte) de 1976 .
1988La Asociación de Medios Aborígenes de Australia Central (CAAMA) completa su primer proyecto con Utopia Women's Batik Group, llamado Utopia - A Picture Story. Los 88 seda batiks son adquiridos por Holmes à Court Collection en Perth.
1988-89
La tienda CAAMA, con sede en Alice Springs, inicia un proyecto presentando Utopia Women's Batik Group para pintar sobre lienzo con pinturas acrílicas. Entre los 81 trabajos realizados se encuentra el primer lienzo de Emily Kame Kngwarreye, Emu Woman , que llama la atención al instante. La demanda de su trabajo aumenta a un ritmo fenomenal hasta su muerte, casi ocho años después. Se estima que Emily produjo más de 3000 trabajos en ocho años, un promedio de uno por día.
Obra, 'Emu Woman' 1988-89
Emu Woman 1988-89
Pintura sintética de polímero sobre lienzo, 92.0 x 61.0cm. 
Colección Holmes à Court, Heytesbury. 
© Emily Kame Kngwarreye, Viscopy con licencia 08.
1989
Emily Kame Kngwarreye y Louie Pwerle son los primeros en recibir el proyecto CAAMA / Utopia Artists-in-Residence financiado por la Fundación Robert Holmes à Court. Esta residencia se completó en Utopia.
1990
Con Louie Pwerle, Emily hace un viaje fuera del desierto a una exposición de sus pinturas en el Instituto de Arte Contemporáneo de Perth. Emily tiene cinco exposiciones individuales en Sydney, Melbourne y Brisbane, además de 12 exposiciones colectivas.
1992
Emily viaja a Canberra para recibir una beca creativa de artistas australianos del primer ministro, Paul Keating. Es la primera vez que un artista indígena recibe este prestigioso premio.
1993
Emily completa su trabajo de 22 paneles, Alhalkere Suite , para la entrada en el Premio de Arte Contemporáneo Joan Clemder y Peter Clemenger en la Galería Nacional de Victoria. El trabajo ahora es propiedad de la Galería Nacional de Australia.
1995 Se completael trabajo épico de 8 x 3 metros de Emily, Big Yam Dreaming , y se lo dona a la Galería Nacional de Victoria.
1996
Una gran retrospectiva nacional de gira del trabajo de Emily programada para 1998 es planeada por la Galería de Arte de Queensland. Emily rinde homenaje a la galería haciendo su última instalación final, los 18 paneles Utopia . En las últimas dos semanas antes de su muerte, Emily pinta una serie de 24 pequeños lienzos en un período de tres días, conocida como "La última serie" . Estas obras representan una desviación radical de todos los trabajos anteriores.
Emily muere el 2 de septiembre de 1996.
Fuente

Yam soñando 

Kngwarreye particularmente presentó canciones de ñame en sus obras. La planta de ñame era una importante fuente de alimento para los aborígenes del desierto. Pintó muchas obras sobre este tema; a menudo, sus primeras acciones al comienzo de una pintura fueron dejar las líneas de seguimiento del ñame. Esta planta fue especialmente significativa para ella: su segundo nombre Kame significa la flor amarilla del ñame que crece sobre el suelo. Ella describió sus pinturas teniendo un significado basado en todos los aspectos de la vida de la comunidad, incluidas las plantas de ñame.


Imagen relacionada

Éxito 

El éxito y la demanda de las pinturas de Kngwarreye le causaron muchos problemas dentro de la comunidad al tratar de mantener su identidad individual El mito de la mujer de unos 80 años que nunca había estado fuera del desierto central convirtiéndose en una gran pintora fue una de las razones de su popularidad. Ella, de hecho, había estado en Perth , Adelaide , Sydney y Canberra , aunque esto fue solo después de que se hizo famosa. Hubo mucha presión por parte de la comunidad blanca para que pintara de cierta manera, cuando creían que uno de sus estilos era más exitoso que otros.


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Ocho pinturas de Kngwarreye en la subasta de invierno de 2000 de Sotheby's reunidas se vendieron por $ 507,550, y Awelye (1989) se vendió por $ 156,500. También en 2000, el trabajo de Kngwarreye fue uno de los ocho grupos individuales y colaborativos de artistas indígenas australianos que se exhibieron en el prestigioso Nicholas Hall en el Museo Hermitage en Rusia. La exposición recibió una recepción positiva de los críticos rusos, uno de los cuales escribió:

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Esta es una exposición de arte contemporáneo, no en el sentido de que se hizo recientemente, sino en que está enmarcada en la mentalidad, la tecnología y la filosofía del arte radical de los últimos tiempos. Nadie, aparte de los aborígenes de Australia, ha tenido éxito al exhibir dicho arte en el Hermitage. [5]
El 23 de mayo de 2007, su pintura de 1994 Earth's Creation fue comprada por Tim Jennings de Mbantua Gallery & Cultural Museum por A $ 1,056,000 en una subasta de Deutscher-Menzies en Sydney, estableciendo un nuevo récord como obra de arte aborigen. 

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Explotación 

Con éxito llegó la atención no deseada. Muchos otros vendedores de arte sin experiencia irían a su comunidad para tratar de obtener una parte de la acción, Kngwarreye describió una vez a un amigo cómo había "escapado de cinco o seis carros de vendedores de arte 'aspirantes' en Utopia".
De acuerdo con Tim Klingender de Sotheby, Kngwarreye fue "un ejemplo de artista aborigen que fue perseguido implacablemente por carpetbaggers hacia el final de su carrera y produjo un cuerpo de trabajo grande pero inconsistente". 

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EL MUSEO EMILY

Ahora abierto

Celebrando el genio de EMILY KAME KNGWARREYE (1910-1996) con más de 200 obras fundamentales, que representan toda su obra, incluida la nunca antes vista en Australia, pero exhibió internacionalmente 5x15 metros "EMILY WALL" y sus obras maestras "LAST SERIES".
El primer museo dedicado a un Artista aborigen individual se abrió a principios de 2013.
SOLO CON CITA 
Llame al 0457 005 000 o al 0419 329 886 o por correo electrónico ( museum@emilymuseum.com.au )
Adultos $ 20 / Niños $ 10
El muro de Emily
Emily Wall. Compuesto por 53 paneles - "My Country" 1995 (5x15 Metros)
La fábrica / almacén en Cheltenham se estableció en 2001 para albergar una serie de colecciones que actualmente suman más de 3500 pinturas y obras de arte que van desde arte aborigen, grabados antiguos y mapas, biblioteca, arte chino y europeo y una rara colección de la Tierra también como rocas espaciales (meteoritos) y materiales relacionados.
Las 350 obras maestras aborígenes que se adquirieron entre 1990 y 1995 para formar la colección itinerante internacional Nangara fueron devueltas a Cheltenham en 2009. Más de 200 obras de Emily Kame Kngwarreye fueron reservadas para formar el núcleo de un Museo Emily ubicado en Melbourne pero no pudieron encontrar el gobierno interés o patrocinadores para financiar el ambicioso proyecto después de intentar durante una década.
Además de mostrar "The Emily Wall" (5 metros por 15 metros) y una pantalla giratoria de las 200 pinturas centrales de Emily, incluiremos exposiciones de nuestras otras colecciones.
El muro de Emily

El muro de Emily

El muro de Emily
La instalación del Museo Emily.

MEDIOS DE COMUNICACIÓN

El espíritu de Emily - RACV Royal Auto (Abre una nueva ventana) 
The Emily Museum by Jeremy Eccles (Se abre en una ventana nueva) 
Arte y artículo antiguo (Descarga de imagen, se abre en una nueva ventana)
The Emily Museum Warehouse

EL MUSEO EMILY

11-15 Christensen Street 
Cheltenham, Victoria 3192
Móvil: 0457 005 000
                                       Correo electrónico: museum@emilymuseum.com.au
El Museo EmilyMapa de localización
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