BIOGRAFÍAS DE ARTISTAS PLÁSTICOS ,ESCULTORES Y MUSEOS DEL MUNDO.: LA PINTURA POSTIMPRESIONISTA

martes, 17 de enero de 2017

LA PINTURA POSTIMPRESIONISTA

DEFINICIÓN Fueron un grupo de pintores con estilos individuales, que establecieron las bases del arte moderno, y que trabajaron aisladamente hacia una pintura personal, tenían un mismo propósito de salvaguardar el arte en medio de la sociedad industrial. Existe una preocupación de darle importancia al dibujo y por captar la luz, como también la expresividad de las cosas, empleando colores vivos mostrando una visión más subjetiva del mundo. El término lo acuñó el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en 1910. Aparece en Francia

INFLUENCIAS Recibieron influencias de las estampas japonesas y chinas. Introdujeron en el arte, el elemento constructivo, el análisis metódico de los colores, la búsqueda del tono local, la composición, del ritmo, tales eran los diversos problemas que daban una nueva orientación a la pintura.

LOS GRANDES MAESTROS Fueron un grupo de pintores con estilos individuales, que establecieron las bases del arte moderno. Aparece en Francia, estos artistas que trabajaron aisladamente, tenían un mismo propósito de salvaguardar el arte en medio de la sociedad industrial, recibieron influencias de las estampas japonesas y chinas. Introdujeron en el arte, el elemento constructivo, el análisis metódico de los colores, la búsqueda del tono local, la composición, del ritmo, dándole una nueva orientación a la pintura.

PAUL CÉZANNE (1839-1906) Nació el 19 de enero de 1839 en Aix-en-Provence, sur de Francia. Hijo de un banquero acaudalado de origen italiano. A los 13 años inicia sus estudios en el colegio Bourbon de su ciudad natal, donde conoció a Émile Zola. Prosiguió en la escuela de dibujo y posteriormente se matriculó, por influencia paterna, en la facultad de derecho, aunque pronto comprendió que su verdadera vocación era la pintura. En 1861 se traslada a París para comenzar su carrera como pintor Asiste a la Academia Suiza para ejercitarse en el dibujo, allí conoce a Pisarro, también visitará el Louvre para estudiar las obras de los grandes pintores del pasado. En1863, sus pinturas se expusieron en la primera muestra del Salón des Refusées. En 1866 el Jurado del Salón Oficial rechazó su admisión, y el pintor escribió una violenta carta de protesta al director de Bellas Artes. En 1870, Cézanne y su compañera, Marie-Hortense Fiquet, se trasladan en L'Estaque, dos años más tarde, la pareja se trasladó a Auvers en Val-d'Oise, cerca de París. En 1880 llega a residir en la Provenza. En 1886, se casó con Marie-Hortense Fiquet. Ese año, el padre de Cézanne murió. En 1888 se traslada a la antigua mansión de Jas de Bouffan, exponiendo de forma ocasional. En 1895 el artista obtuvo su primera exposición individual. Considerado el nexo de unión entre el Impresionismo y la revolución Cubista, pues se separó muy rápidamente de los Impresionistas, dándole mayor importancia a la búsqueda de los planos, la dislocación de la perspectiva y favoreciendo en sus obras los colores sombríos y primarios, aplicados a veces en grandes manchas sin relieve, enfrentaba con autonomía la realidad.

Hacia 1904, alcanzó la consagración en uno de los grandes salones oficiales de pintura. Reconocido como uno de los pioneros del arte abstracto que ha sabido marcar pautas y aún sigue siendo ejemplo y guía para muchos artistas, su extraordinario sentido de la innovación le llevó, ya desde sus primeras pinturas de paisaje a romper con la clásica y muy usada formula. Decía: ¡Ah, pero, qué difícil es romper moldes, ser original!, consideraba que todas las formas naturales podrían reducirse a la combinación de esferas, conos y cilindros, llegando así a la síntesis casi abstracta en el que se recupera el volumen gracias a la geometría, para darle formas y colores mediante pinceladas llegaba a la máxima expresión, que es el anticipo del estilo Cubista del que Cézanne fue precursor, pero afirmaba a la vez una ley universal de dibujar. Pintores jóvenes viajaban hacia Aix-en-Provence para verle trabajar y pedirle consejo. Su pintura se basa más en la inteligencia que en la intuición o la impresión, trabajaba despacio y meticulosamente, siempre se negó a hablar de arte con sus colegas o a participar en manifestaciones artísticas. Cézanne se interesa en plasmar la solidez y la estructura de las formas, aspirando a captar la realidad toda entera, haciendo de su arte una armonía paralela a la naturaleza.

Su extraordinario sentido de la innovación le llevó, ya desde sus primeras pinturas de paisaje a romper moldes, a llegar a ser original, esto lo lleva más tarde a las síntesis casi abstractas, en los que el resumen a la forma y los colores como medio de expresión, considera al color como elemento fundamental del cuadro. Entre sus obras tenemos: “Panes y huevos” 1865, “El padre del artista” 1866, “Retrato del tío Dominique” 1866, “El rapto” 1867, “Retrato de “Achille Emperair” 1867-1868, “La orgía” 1867-1872, “Reloj de mármol negro 1869-1870, “Pastoral” 1870, “El asesinato” 1870, “La casa del ahorcado” 1872-73, “Vista de Auvers” 1873, “Una moderna Olimpia” 1873-74, “Bañistas” 1874-1875, “Señora Cézanne en la butaca roja” 1877, “Naturaleza muerta de la sopera” 1877, “Naturaleza muerta del jarrón y de las frutas” 1877, “El puente de Maincy” 1879-1880, “Tres bañistas” 1879-1882, “Rocas en L'Estaque” 1882-1885, “La montaña de Sainte Victoire” 1885-1887, “Vista del pueblo de Gardanne” 1886, “Martes de Carnaval” 1888, “Arlequín” 1889-1890, “Los jugadores de naipes” (5 versiones entre 1890 y 1895), “Mujer con cafetera” 1890-1895, “Naturaleza muerta con manzanas y naranjas” 1895-1900, “Bodegón con cebollas” 895-1900, “La montaña de Sainte-Victoire, vista desde Bibémus” 1898-1900, “Las grandes bañistas” 1904-1906, “La Montagne Sainte-Victoire et le Château Noir” 1904-1906, “Las grandes bañistas” 1906. El 22 de octubre de 1906, Cézanne murió el 22 de octubre de 1906 en Aix, de neumonía y fue enterrado en el antiguo cementerio de Aix-en-Provence

La montaña de Sainte-Victoire, vista desde Bibémus.Hacia 1898-1900

Pintura que representa un paraje de la montaña de Sainte-Victoire, en donde utiliza masas de color yuxtapuestos para lograr armonía cromática con equilibrio en el espacio, para alcanzar la unidad compositiva. Hay una frase, atribuida tanto a Matisse como a Picasso, según la cual “Cézanne es el padre de todos nosotros” Con sus obras pictóricas pretendía dar una base teórica.

PAUL GAUGUIN (1848-1903) Su nombre es Eugène Henri Paul Gauguin. Pintor y escultor francés, que nació el 07 de junio del año de 1848 en París en el seno de una familia de clase media; su padre el periodista antimonárquico Clovis Gauguin y su madre Alina María Chazal, era hija de la célebre socialista y feminista Flora Tristán, que pregonó la igualdad de la mujer en una sociedad absolutamente patriarcal, en unos años en que empezaba a brotar con fuerza la lucha sindical. En 1849 huyendo de Luis Napoleón la familia partió hacia Perú, durante el viaje muere su padre. Vive en Lima con su familia. Sus recuerdos de Perú le condicionaran durante toda su vida, de ahí, que se auto-bautizara como el "salvaje peruano". Hasta que deciden regresar a Francia. Las imágenes que percibió del Perú le fueron de gran influencia. Gauguin abandonó el colegio, más tarde trabaja en la marina mercante a los diecisiete años y luego va a la Armada durante seis años, visitando América del Sur, Escandinavia y otras partes del mundo. En 1868 muere su madre. Gustave Arosa, un rico banquero, se convirtió en su protector legal. Gracias a él, Gauguin fue un agente de bolsa de éxito. Cuando tenía 25 años se casa con la danesa Mette Sophie Gad, pintora aficionada procedente de una familia acomodada, tuvieron cinco hijos y llevaron una vida holgada. En 1874, después de conocer al pintor Camille Pissarro y ver la primera exposición de los impresionistas, se hace coleccionista y pintor aficionado. Coleccionó cuadros de Manet, Monet, Renoir y Degas, sus pintores favoritos eran Cézanne y Pisarro, de quienes sus primeras obras presentan claras influencias. Su obsesión por la pintura produce que su mujer le abandone, llevándose a sus cinco hijos a Dinamarca.

En 1876 expone por primera vez en el Salón de París, con una obra donde que plasma su asimilación de la subjetividad atmosférica propia del movimiento impresionista. En 1879 expuso con los impresionistas, participando después en las cuatro últimas exposiciones del grupo. “Desde 1879 hasta 1886 participa con regularidad en las exposiciones impresionistas debido a la quiebra de la Bolsa, no le quedó más remedio que convertir su afición a la pintura en oficio. Se aparta de los impresionistas contrariados por su vulgaridad naturalista. Se sentía atraído por el arte, la religión y el modo de vida de los primitivos, razón por la cual viaja a Pont-Aven y luego Tahiti donde pinta sus series de mujeres tahitianas y luego a las islas marquesas. Sintetizaba las formas, usaba colores vivos con tonos fuertes, el color está poderosamente integradas en el equilibrio de la composición delimitada por ritmos lineales curvos. Tiene dos temas preferentes: el mundo exótico de Tahití y el "primitivismo" de Bretaña. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras e identifica la sensación de plano igual que en las pinturas japonesas. Redescubre la geometría y los colores planos. Gauguin afirmaba que la verdadera esencia del pintor era la memoria, no la realidad. Gauguin influirá el fauvismo y expresionistas juntamente con Vicent Van Gogh, su gran amigo. Consiguió con su pintura una superación de la mera realidad descrita, convirtiendo la naturaleza en expresión libre de emociones y en un medio para la imaginación del artista.

Entre sus obras tenemos: “El lago en la llanura”, 1874, “El Sena en el puente de Jena”, 1875, “Paisaje de otoño”, 1877, “Mette Gauguin cosiendo”, hacia 1878, “Jardín bajo la nieve”, 1879, ”Los hortelanos de Vaugirard”, 1879, “Estudio de un desnudo o Susana cosiendo”, 1880, “Interior del artista en París, calle Cárcel”, 1881, “Jardín en Vaugirard”, 1881, “Ruan, tejados azules”, 1884, “Mette Gauguin con traje de noche”, 1884, “La visión tras el sermón”, 1888, “Lavanderas de Arlés” 1888, “El cristo verde” 1889, “El Cristo amarillo”, 1889. “La bella Ángela”, pintado en 1889, “Mujeres de Tahití” 1891, “Manao Tupapau”, 1892, “Arearea”, 1892, “Autorretrato con sombrero”, 1893, “Campesinas bretonas”, 1894, “Vairumati” 1897, “Joven con abanico”, pintado en 1902. “Cuentos bárbaros”, 1902, “Dos mujeres o La cabellera florida”. Sus obras más notables son: “El Cristo Amarillo”, “El espíritu de los muertos vela”, “Café de noche en Arlés”. Su existencia estuvo marcada por los escándalos sexuales, enfermedades, problemas judiciales, y una genialidad que lo señalan como precursor de las vanguardias artísticas, que abrió numerosas puertas para el arte del siglo XX. El artista falleció en Atuona, Islas Marquesas, el 8 de mayo de 1903" de Sífilis a los 54 años.

“La visión tras el sermón”

También llamado “La lucha de Jacob con el ángel” es un cuadro que fue pintado en 1888. Utiliza colores vivos, simplifica los volúmenes y suprime las sombras y las gradaciones de color para crear una atmósfera ilusoria, donde a un grupo de mujeres, tras escuchar el sermón, se les aparecen Jacop y el ángel. Las figuras, ''muy rústicas y supersticiosas'' le dan la obra un significado intelectual.

VICENT VAN GOGH (1853-1890) Nació el 30 de marzo de 1853 en Groot-Zunder, su padre Theodorus van Gogh un pastor protestante holandés, su madre Agostina Segatori. Desde muy joven tuvo inclinación hacia el dibujo. Considerado uno de los principales exponentes del postimpresionismo. Cuando tenía años empezó a trabajar como aprendiz en la galería de arte Goupil en La Haya, sintiéndose atraído por el arte, especialmente de los pintores holandeses como Rembrandt y los paisajistas franceses de la escuela de Barbizón como Millet. Al trasladarse a Londres tuvo su primera crisis de amor con la joven Úrsula Loger, quien rechazó su proposición de matrimonio. Nuevamente la galería Goupil lo destinó a París y en 1876 acabó siendo despedido. Se preparó en un centro protestante de Bruselas y fue enviado en 1879 como misionero evangelista a Wasmes, en Bélgica en la región de Borinage, dedicándose por completo al cuidado de los mineros. Finalmente, en 1880 regresó agotado a casa de sus padres y decide dedicarse a la pintura. Sus experiencias como predicador le sirve en sus primeras composiciones sobre campesinos, la más conocida es “Los comedores de papas” de 1885, que refleja a una familia reunida alrededor de una mesa con luz tenue, comiendo las patatas que han cultivado y recolectado, uno de los diez únicos grabados del pintor. Se trasladó a París con su hermano Theo, donde pudo apreciar la obra de los impresionistas y conocer a Toulouse-Lautrec, como jóvenes artistas de esa época que experimentan ideas nuevas a través de Paul Signac. Van Gogh.

Se establece en Arlés alcanzo su plenitud artística en 1888 entusiasmado por la luz de la Provenza. Es un apasionado del color como vehículo para expresar las frecuentes depresiones y ansiedades que sufrió, sus pinturas son a veces agresivos con contrastes no frecuentes. Abre las puertas al expresionismo del XX. El 23 de diciembre de 1888 tuvo un fuerte altercado con Gauguin. Supuestamente, se cree que el pintor Vincent van Gogh amenazó a Gauguin con una navaja. Más tarde llega a cortarse la oreja y se dirigió al burdel "La Casa de la Tolerancia Número Uno" para obsequiarla a una joven del lugar en un paño llamada Rachel. Posteriormente, sería hospitalizado prácticamente durante todo un año en el sanatorio mental de Saint Rémy. Expreso sus trastornos nerviosos en pinturas llena de espiritualidad, trabajaba muy rápido y llegando a pintar hasta un cuadro por día, trataba los volúmenes como si fueran superficies planas iluminadas frontalmente, con un trazado sensual de una pincelada gruesa y larga, rehuye los degradados, en general; sus pinturas están compuestas de grandes zonas de colores resplandecientes, los contornos de la forma son simple y el dibujo se tuerce con una violencia que revela el sufrimiento interior del artista. Pintó algunas obras mucho más logradas que otras pero llena de sensibilidad y de gran vehemencia profunda donde exterioriza sus sentimientos, representando sus trastornos nerviosos, sus delirios y extravagancias que le llevaron a la locura.

Según los principales biógrafos de Van Gogh, la frustración de su relación profesional con Gauguin, en el que había puesto tantas ilusiones y esperanzas, así como su partida de su amigoGauguin, pudo ser el detonante de sus posteriores crisis psiquiátricas. La calidad de su obra sólo fue reconocida después de su muerte, en una exposición retrospectiva en 1890, Van Gogh se proclamaba realista a ultranza, situando su caballete al aire libre. Durante su breve carrera vendió solamente una pintura. Considerado como el mejor pintor de paisajes de todos los tiempos, la historia de su vida es una gran lección, incluso cuando perdía la razón un año antes de suicidarse, descubre el color y la luz, sigue evolucionando y pinta los mejores cuadros de su vida. Siempre respetaba la proporción y el dibujo con pinceladas atrevidas y planas, tratando los volúmenes como si fueran superficies planas iluminadas frontalmente, rehuye los degradados, los fuertes contrastes de tono y de color, pintando como quien dice a base de “llenar de color y de luz las superficies de los cuerpos”. Era un colorista cien por ciento, que dibujaba directamente con el color. Entre sus obras mencionare: “La silla Amarilla”, “El Restaurante de la Sirena”, “Los Borrachos”, “Noche Estrellada”, “El Patio de la Prisión”, “El Retrato del Pastor Patience Escalier”, “El Camino de los Cipreses”, “Sembrado con cipreses”, “Girasoles”, “Café Nocturno, Interior”,“Los descargadores en Arlés”, “Puesta del sol en Montmajour”, “El viñedo rojo”, la única pintura vendida en vida de Van Gogh, y muchos Autorretratos y una larga serie de autorretratos y otra de girasoles. La causa de muerte es el suicidio, se disparó con un revolver el 27 de Julio de 1890, y muere dos días después.

“SEMBRADO CON CIPRESES”.

Una de sus famosas obras fechada en 1889, se encuentra en el Museo de National Gallery de Londres. El cuadro expresa el espíritu inquieto y profundo de un hombre al borde de la locura, expresando su admiración por la belleza y el poder de la naturaleza. La COMPOSICIÓN del paisaje muestra una sencillez y una extraordinaria hermosura por la simplicidad de sus líneas y por los elementos plásticos que lo conforman. EL COLOR en su totalidad está realizado con pinceladas atrevidas y plana, con una limpieza intensa y original, los Cipreses flamean llena de hermosura en sus líneas y proporciones, siendo resaltado por el color verde que se encuentra como una mancha oscura en un paisaje soleado, pero que resulta difícil de representar, por la gran espiritualidad y el sentido místico que le imprime. Las Espigas con un colorido luminoso, limpio y transparente, crean la sensación de movimiento continuo y eterno; la cual las notamos dobladas por el viento.

El mismo escribió: “Los cipreses siempre están ocupando mis pensamientos. Me gustaría hacer con ellos algo semejante a mis lienzos con girasoles, porque me sorprende que no los hayan pintado como los veo...”..

HENRI de TOULOUSE LAUTREC (1864-1901) Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa, conocido simplemente como Toulouse Lautrec. Nació en el castillo de Albi, Francia el 24 de noviembre de 1864, en el seno de una familia aristocrática. Sus padres, Alphonse de Toulouse-Lautrec-Monfa y la Condesa Adèle Tapié de Celeyran, eran primos en primer grado. Cuando sus padres se separan en 1868, Henri quedó al cuidado de su madre. Como consecuencia de la consanguinidad de sus padres padeció una enfermedad que afectaba al desarrollo de los huesos llamada picnodisostosis y que se le empezó a manifestar en 1874. Sus destrezas para el dibujo fueron estimuladas por su tío, el conde Charles de Toulouse-Lautrec. Comenzó a pintar en 1878 en el taller de René Princeteau, pintor de temas militares y ecuestres. Más adelante estudió pintura con Joseph Florentin Leon Bonnat y Fernand Cormon. Ese mismo año 1878 sufrió la rotura de su fémur izquierdo, al año siguiente la del derecho, razón por la que sus piernas sufrieron un desarrollo anormal a causa de una enfermedad congénita que le provocaba falta de calcio, conservó un torso normal pero las piernas no le crecieron. Aun así tuvo una infancia y una adolescencia feliz, pero llevó su condición física con serenidad y su deformidad no le impidió relacionarse y mantener una vida social normal.

En 1884 Henri fue a vivir al barrio de Montmartre, donde tuvo vecinos como Degas. En 1885 abrió un taller en Montmartre donde frecuentó cafés cantantes, teatros, prostíbulos y salas de baile integrándose plenamente en el ambiente artístico parisino. Se relacionó, entre otros creadores, con Van Gogh, Pierre Bonnard y Paul Gauguin, y de este último tomó algunos rasgos estilísticos, como el uso de los contornos pronunciados. Pero las obras que más influyeron en su peculiar estilo fueron las de Degas y las estampas japonesas ukiyo-e. Los dueños de los cabarets le pedían que dibujara carteles para promocionar sus espectáculos. Al contrario que el incomprendido Vincent van Gogh, llegó a vender obras y fue reconocido, si bien su popularidad radicó en sus ilustraciones para revistas y carteles publicitarios más que en la pintura al óleo. Este mundillo de vicio y extravagancia fue su refugio dando rienda suelta a su bohemia. Se consideraba un cronista social y se mezcló, pintó y fue como el pueblo. En la década de los 90 viajó hasta Londres donde conoció y retrató a Oscar Wilde. El alcoholismo deterioró su salud. Y a partir de 1897 padeció manías, depresiones y neurosis, además de ataques de parálisis en las piernas y en un costado. En 1897 tuvo un delírium trémens llegando a disparar a las paredes de su casa creyendo que estaban llenas de arañas. Sin embargo seguía pintando de forma segura y rápida; pero lo volvieron a recoger alcoholizado en 1899 y lo internaron en un sanatorio mental. Allí realizó una colección de pinturas sobre el circo.

Artista de gran originalidad, el tema de sus obras son los espectáculos, el cabaret, los prostíbulos y el mundo del circo. Lo que le interesaba era la vida tal como era, no como pudiera ser o parecer, admirador de Velásquez, Goya, Ingres, Renoir y los grabados japoneses. Sus carteles y sus ilustraciones de libros son extraordinarios. Entre sus obras tenemos: “Moulin Rouge”,” En el circo Fernando”, “La modista”, “Mujer a la ventana”, “Mujer sentada en un jardín” “

"Suzanne Valadon”, “Bebedora de absenta en Grenelle”, “Bernard”, “Henry Samary”, “La contessa Adèle de Toulouse-Lautrec desayunando”, “Au Moulin Rouge: Le départ du quadrille”, “etc. Fue un artista creador muy productivo. Realizó gran número de óleos, dibujos, aguafuertes, litografías y carteles, así como también ilustraciones. Muchas de sus obras se conservan en el Museo Toulouse-Lautrec en Albi. Su obra inspiró a Vincent van Gogh, Georges Seurat, Georges Rouault y a todos aquellos artistas interesados en el trabajo de litografías y carteles. Sus pinturas nos narra la bohemia y el ambiente de los salones nocturnos: bailarinas, cantantes y prostitutas. En su técnica el dibujo, la captación del movimiento y la carga irónica y caricaturesca es esencial. Fue el impulsor del cartel. El único posimpresionista que no abandona París. La obra de Toulouse-Lautrec se caracteriza por su estilo fotográfico, Su cromatismo es teatral y fantasioso. No fue un artista del plain-air: la luz, en sus escenas al aire libre, es cambiante y poco natural. Destacó, sin embargo, en la representación de la vistosa atmósfera de la vida nocturna, artificial, sórdida y densa. En 1901 tras sufrir una parálisis, se traslada junto a su madre a la residencia familiar donde fallece poco después, el 9 de septiembre de 1901, Saint-André-du-Bois. Está enterrado en Verdelais, Gironde, a pocos kilómetros del Palacio de Malromé, donde murió.

El Salón de la Rue de Moulins

Es una composición muy estudiada, en la que crea un juego de diagonales. A la izquierda queda un vacío, mientras que las figuras se acumulan al centro y a la derecha. Es bueno recordar, que en su corta vida artística, menos de 20 años, Toulouse-Lautrec creó 737 lonas, 275 acuarelas, 363 grabados y carteles, 5.084 dibujos, un cierto trabajo de cerámica y de cristal de colores, y un número desconocido de trabajos perdidos, especialmente en retratos, escenas de la vida nocturna parisina y estudios íntimos.

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES DE LA PINTURA POSTIMPRESIONISTA:

Se admite el arte como reproducción ilusoria de la realidad con reglas y realidad propia, por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y las figuras humanas.
Se elimina la perspectiva en profundidad, se descompone la corporeidad de los objetos a elementos geométricos básicos desmaterializando las formas.
Concordancia entre el efecto volumétrico y el gusto puramente estético a base de cuerpos rigurosamente geométricos.
Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas con colores contrastantes para definir los planos y formas.
Utilización de colores puros con gran carga emotiva y modulada a base de pinceladas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior.
Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-Lautrec).
Sus composiciones son simples y estáticas, buscando la armonía de las masas cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos.
Le da gran relevancia al juego de la luz y los cambios de color que se pueden dar en un mismo objeto.
Muestra un trazo menos realista y experimenta con nuevas técnica, que innovan con nuevas ideas que dan cuenta de los sentimientos que desean expresar.
Rompe con las estructuras clásicas del arte que suponía una interpretación objetiva de los paisajes.