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miércoles, 31 de marzo de 2021

El insecto que tiñó el mundo de rojo: la grana cochinilla, de los cuadros de Van Gogh a nuevas sillas de diseño

Moises Hernández implementó la grana cochinilla para pintar su colección de sillas que ya comercializa en su estudio en Ciudad de México.STUDIO MOISÉS HERNÁNDEZ


El rojo intenso que se extrae de este insecto fue un tinte muy codiciado en la época precolombina. Tras la llegada de Colón, se convirtió, después del oro y la plata, en el tercer producto más exportado a Europa desde la Nueva España. Hoy, el diseñador mexicano Moisés Hernández lo utiliza para pintar sus sillas de madera



El oro y la plata no fueron las únicas grandes riquezas que el imperio español encontró al llegar a América. Aquellos conquistadores que arribaron a las costas del sureste de México, entre 1519 y 1521, también hallaron un tesoro de tamaño minúsculo que vivía entre los nopales (cactus): la grana cochinilla. Con el extracto de este insecto se obtenía un color rojo carmesí altamente cotizado por los pueblos prehispánicos, ya que el tono intenso perduraba por mucho tiempo y se utilizaba para teñir textiles como la lana o la seda. En aquel momento no se había encontrado un colorante con estas características, por lo que este gran producto fue exportado a Europa y al mundo entero.

El tono rojo intenso obtenido de la grana cochinilla (nocheztli en náhuatl), un pequeño insecto de unos seis milímetros de largo con caparazón blanquecino, nunca antes se había utilizado para teñir muebles de madera, algo que llamó la atención del diseñador Moisés Hernández (Ciudad de México, 1983). Hernández, pues, utilizó la grana cochinilla para pintar su colección de sillas que ya comercializa desde hace unas semanas en su estudio en Ciudad de México.

“Primero experimentamos con algunos trozos de madera porque no podíamos utilizar la misma técnica que usan los artesanos para teñir los textiles. Al principio fue complicado lograr que la tintura se adhiera a la madera. Se despintaba muy fácil, pero al final logramos por primera vez una nueva técnica de madera pintada con cochinilla por inmersión”, explica Hernández a ICON Design.

La grana cochinilla es un insecto que vive en los nopales, una especie de cactus.
La grana cochinilla es un insecto que vive en los nopales, una especie de cactus.ALAMY STOCK PHOTO
Con el extracto de este insecto se obtenía un color rojo carmesí altamente cotizado por los pueblos prehispánicos.
Con el extracto de este insecto se obtenía un color rojo carmesí altamente cotizado por los pueblos prehispánicos.ALAMY STOCK PHOTO

Para teñir las maderas, se hierve el agua que posteriormente se coloca en unos moldes hechos a la medida de cada pieza de la silla, y se agrega la grana cochinilla triturada para formar una especie de tintura súper caliente. “Las maderas se sumergen unas horas en esta agua-tintura, ya que cuando el agua está hirviendo penetra completamente las fibras de la madera. Con esta técnica, el color no solo queda en la superficie, sino que entra completamente al material. Eso convierte cada pieza en algo muy valioso: si se raspa la superficie de la silla el color va a seguir ahí”, dice Hernández.

El diseñador modifica las tonalidades de la grana agregando sustancias ácidas, que provocan colores naranjas y rosas tenues, y alcalinas, con las que se puede crear tonos morados, púrpuras, rosas intensos o rojos obscuros. “La finalidad de usar la grana cochinilla es acercarnos más a la tierra y alejarnos de los productos con base de petróleo que son tóxicos. Esta es otra alternativa para acercarte al color utilizando ingredientes naturales”, subraya.

Dos asientos pertenecientes a la colección de sillas grana de Moisés Hernández.
Dos asientos pertenecientes a la colección de sillas grana de Moisés Hernández.STUDIO MOISÉS HERNÁNDEZ
“Las piezas de maderas se sumergen en esta agua-tintura, ya que cuando el agua está hirviendo penetra completamente las fibras de la madera", dice Moisés.
“Las piezas de maderas se sumergen en esta agua-tintura, ya que cuando el agua está hirviendo penetra completamente las fibras de la madera", dice Moisés. STUDIO MOISÉS HERNÁNDEZ

Las piezas de la colección de sillas grana de Moisés Hernández cuentan con un diseño es muy simple: un respaldo delgado ligeramente arqueado, una base de apoyo sutilmente curva para brindar mayor comodidad, y unas patas rectas conectadas por una pieza de madera en la parte inferior que sirve para apoyar los pies. “Mi objetivo es que el diseño de la silla sea casi invisible, que no se hable de la forma, sino que lo que resalte sea solo el color de la grana cochinilla, que es el tesoro de la pieza”, comenta.

Para este diseñador, que estudió en la Escuela Cantonal de Arte de Lausana (ECAL), la mayor virtud de la grana es que “con muy poco de este poderoso insecto se puede obtener un rojo muy intenso y pigmentar grandes cantidades de textiles o madera”.

Aunque también existe la cochinilla americana, la cochinilla de Canarias, y algunas otras especies de Medio Oriente. Apolinar Villa, artesano e historiador de la Universidad Autónoma de Oaxaca, nos recuerda que “la grana cochinilla mexicana era la que proporcionaba colores más duraderos, vivos y brillantes. Además de ser uno de los pocos insectos domesticados del mundo junto con las hormigas, las abejas y el gusano de seda. Este insecto, que en principio es una plaga para los cactus, se logró controlar y cuidar para ser utilizado para algo tan codiciado en los tiempos precolombinos”.

Las piezas de madera se pintan separadas para posteriormente unirlas y crear la silla.
Las piezas de madera se pintan separadas para posteriormente unirlas y crear la silla.STUDIO MOISÉS HERNÁNDEZ
El diseñador modifica las tonalidades de la grana agregando substancias ácidas y alcalinas, y así crear más de seis tonos de rojo.
El diseñador modifica las tonalidades de la grana agregando substancias ácidas y alcalinas, y así crear más de seis tonos de rojo.STUDIO MOISES HERNÁNDEZ

“En la actualidad, la grana cochinilla se cuida durante tres meses en los nopales que previamente se cortaron del campo para posteriormente arrastrar el insecto con un pincel o espátula suave y así no dañarlo. Se lava con agua y se deja al sol hasta estar totalmente seco. Algunos otros textileros lo colocan en un comal o plancha caliente para después triturarlo en un metate o moledor artesanal de piedra hasta que se obtiene un polvo rojo intenso”, relata el historiador.

La grana fue el tercer producto más exportado de la Nueva España después del oro y la plata. Este producto fue muy codiciado por los propios habitantes de México-Tenochtitlan (antigua capital del imperio Azteca, hoy Ciudad de México), los conquistadores españoles, artistas prehispánicos y europeos, y la monarquía de diferentes países del viejo continente. En muchas ocasiones, era utilizado como moneda de cambio para pagar u obtener bienes debido a su alto valor y demanda, detalla una investigación de la UNAM.

La cochinilla mexicana también fue utilizada en obras de Vincent Van Gogh. Se tiene registro de que el pintor holandés utilizó el rojo de la grana en aproximadamente 40 lienzos, según la exposición ‘Rojo Mexicano, la grana en el arte’, del Palacio de Bellas Artes en México. Paul Gauguin, Diego Velázquez, Paul Cézanne, Peter Paul Rubens, Tintoretto, y Piere-Auguste Renoir también fueron algunos artistas que utilizaron la llamada sangre del nopal en sus trabajos. El insecto que tiñó el mundo de rojo.

'El dormitorio de Arles', 1889, una pintura de Van Gogh en donde se utiliza el rojo de la grana cochinilla.
'El dormitorio de Arles', 1889, una pintura de Van Gogh en donde se utiliza el rojo de la grana cochinilla. GETTY IMAGES / DE AGOSTINI VIA GETTY IMAGES
'La Deposición de Cristo', del pintor veneciano Tintoretto, en donde se utiliza la tintura de este insecto, muy usado en la época precolombina.
'La Deposición de Cristo', del pintor veneciano Tintoretto, en donde se utiliza la tintura de este insecto, muy usado en la época precolombina. AFP CONTRIBUTOR / AFP VIA GETTY IMAGES
Fuente
https://elpais.com

El devastador efecto Covid en los museos: las visitas cayeron un 77% en 2020

El Museo del Louvre y su pirámide, el 18 de abril de 2010 en la noche. Esta emblemática galería de arte estima una pérdida de ingresos de 90 millones de euros por la disminución de sus visitas durante 2020. FOTO: Benh LIEU SONG (CC BY-SA 3.0)




En la última temporada, la asistencia de público a museos en todo el mundo disminuyó respecto a años anteriores por el cierre forzoso derivado de la emergencia sanitaria. Si en 2019 los recintos más importantes del mundo recibieron 230 millones de personas, durante 2020 la concurrencia bajó a 54 millones, según The Art Newspaper.


 Los resultados de la última encuesta anual que realiza el medio The Art Newspaper dan cuenta del panorama desolador que han tenido las salas de exhibición de arte el último año. Este sondeo es realizado desde hace ya 20 años y la información que arroja suele ser optimista, dando a conocer cuáles fueron las exposiciones más populares.

Sin embargo, el día de hoy The Art Newspaper informó que durante 2020, las visitas a los 100 mejores museos y galerías del mundo disminuyeron un 77% en relación a 2019. En otras palabras, en 2020 estos museos recibieron un total de 54 millones de asistencias, mucho menos que los 230 millones que tuvieron durante el año anterior.

El Museo del Louvre de París volvió a consagrarse como el más acudido en la última temporada, captando 2,7 millones de visitas, un 72% menos que las de 2019. Aparentemente, la exposición Leonardo, dedicada al célebre pintor florentino, influyó en que el centro cultural se mantuviera a la cabeza de los más visitados: a un día de su cierre en febrero de 2020, la muestra atrajo más de 10 mil personas. Aún así, se estima que sus pérdidas bordean los 90 millones de euros (unos 77 mil millones de pesos aproximadamente, calculando el valor del euro hoy).

Por su parte, el Tate Modern de Londres, que organizó exposiciones que incluyeron a Andy Warhol y Bruce Nauman, ocupó el segundo lugar en la tabla de popularidad con 1,4 millones de visitas, un 77% menos respecto a 2019. Estuvo cerrado durante 173 días (cerca de cinco meses y tres semanas) y en la encuesta, desde el museo señalan que perdieron 56 millones de libras en ingresos (unos 56 mil millones de pesos chilenos).

El Tate Modern superó al Museo Británico como el museo o galería de arte más visitado del Reino Unido, que podría explicarse con que permaneció abierto durante más días en 2020. El Museo Británico, que ha ocupado el primer lugar del Reino Unido durante nueve de los últimos diez años de la encuesta, ocupó el cuarto lugar en la lista mundial. Estuvo cerrado durante 208 días, aproximadamente siete meses, y su número de visitantes bajó un 80% (1,3 millones de visitantes).

El tercer lugar en la tabla de popularidad lo ocupan los Museos Vaticanos, con un 81% menos de visitantes. El quinto puesto fue para el Museo Reina Sofía de Madrid, que estuvo cerrado sólo 80 días y que pudo reabrir a un 33% de su capacidad. Con ello sus visitas disminuyeron en un 72%, de 4,4 millones en 2019 a 1,2 millones en 2020.

También en Madrid, el Museo Nacional del Prado tuvo una caída del 76%: sólo 852 mil personas visitaron sus dependencias, mucho menos que las 3,5 millones de visitas de 2019. Este centro estuvo cerrado por 85 días antes de abrir con un aforo de menos de la mitad de su capacidad.

Fuente

https://www.latercera.com



El arte de Francisco de Goya conquista Andalucía






Estatua de Francisco de Goya

Granada y Córdoba inauguran dos exposiciones diferentes y complementarias con motivo del 275 aniversario del nacimiento del pintor

 La amplia entrada del Palacio de Congresos y Exposiciones de Granada exhibe desde el pasado día 22 y hasta el 20 de junio un despliegue de tecnología punta para mostrar la obra de Goya a través de 40 proyectores de alta definición, exhibiendo más de 1.000 imágenes sobre 35 pantallas gigantes de cinco metros de altura, todo ello sincronizado con piezas de música clásica española de maestros como Albéniz, Falla, Granados y Boccherini.

La muestra, titulada #INGOYA, supone un recorrido por la obra de Francisco de Goya que sería imposible llevar a cabo reuniendo obras en formato pictórico ya que se encuentran dispersas en museos de todo el mundo.

La exposición representa, en palabras de sus organizadores, "una sublime unión del arte con las nuevas tecnologías que acerca la figura de este genial pintor al gran público y, de forma especial, a las jóvenes generaciones".

GRAFAND7131. GRANADA, 22/03/2021.-Los cuadros de Goya cobran vida en la experiencia de última generación que conforma #Ingoya, una exposición que inicia este lunes en Granada su gira mundial para sumergir al visitante en un recorrido por la obra del pintor a través de la proyección de más de mil imágenes de sus creaciones que rotan por 35 pantallas de cinco metros de altura distribuidas por la sala del Palacio de Exposiciones. EFE/Miguel Ángel Molina#{emoji}13;.

Los cuadros de Goya cobran vida en la experiencia granadina. 

 Miguel Ángel Molina / EFE

"Es una exquisita forma de guiarnos con los sentidos a través de sus cuadros donde, desde el inicio de la visita y hasta el final, el público se verá rodeado por una poderosa y vibrante sinfonía de luces, colores y sonidos sin antecedentes. Una forma intuitiva y emocionante de impregnarse de la obra de este maestro", aseguran.

El espacio y el diseño de la propuesta se adaptan a las medidas de seguridad necesarias en el contexto de la pandemia, ya que se desarrolla en un amplio recinto con capacidad para 3.000 personas al que accederán un máximo de 120, lo que garantiza que se respete la distancia de seguridad. El recorrido no incluye ningún elemento táctil que suponga la interacción manual con el espectador y el uso de mascarilla es obligatorio.

Se trata de más de un millar de imágenes pertenecientes a 150 cuadros procedentes de 20 museos de todo el mundo, entre ellos el Metropolitan de Nueva York, explica Yolanda Bergareche, directora de la exposición,

GRAFAND7131. GRANADA, 22/03/2021.-Los cuadros de Goya cobran vida en la experiencia de última generación que conforma #Ingoya, una exposición que inicia este lunes en Granada su gira mundial para sumergir al visitante en un recorrido por la obra del pintor a través de la proyección de más de mil imágenes de sus creaciones que rotan por 35 pantallas de cinco metros de altura distribuidas por la sala del Palacio de Exposiciones. EFE/Miguel Ángel Molina#{emoji}13;.

Un aspecto de la exposición. .

 Miguel Ángel Molina / EFE

Esta experiencia inmersiva consta de dos salas: la introductoria y la "emocional", que constituye el corazón de la muestra.

La primera de ellas es una sala didáctica que explica de forma sencilla la vida y obra de Francisco de Goya y Lucientes a través de cinco paneles informativos y un cronograma en el que se exhiben sus cuadros y lo que ocurría en el mundo cuando los pintó.

Esa sala introductoria da paso a la emocional, que es la que exhibe, a través de 40 proyectores, las imágenes láser de las creaciones del pintor en alta calidad. 'El quitasol', 'La gallina ciega', 'La duquesa de Alba', 'El pelele', las majas o 'El entierro de la sardina' son solo algunos de los 150 cuadros presentes.

La magnitud de los paneles en los que se exhiben esos fragmentos de obras o cuadros enteros (cinco metros de altura) permite "apreciar la pintura de una manera que hasta ahora no se podía hacer", señala el productor de la exposición, Alfonso Mardones, para quien la iniciativa conjuga ocio y cultura.

GRAFAND7131. GRANADA, 22/03/2021.-Los cuadros de Goya cobran vida en la experiencia de última generación que conforma #Ingoya, una exposición que inicia este lunes en Granada su gira mundial para sumergir al visitante en un recorrido por la obra del pintor a través de la proyección de más de mil imágenes de sus creaciones que rotan por 35 pantallas de cinco metros de altura distribuidas por la sala del Palacio de Exposiciones. EFE/Miguel Ángel Molina#{emoji}13;.

Una mujer contempla los cuadros. .

 Miguel Ángel Molina / EFE

La exposición de Granada no es la única que conmemora en Andalucía el aniversario del pintor aragonés. En Córdoba se ha inaugurado en la sede de la Fundación Cajasol la muestra 'Las mujeres de Goya', integrada por 55 obras de las grandes series de grabados del artista".

En ella se encuentra "una contundente denuncia de la injusta situación de la mujer de la época, una crítica que lamentablemente sirve todavía para muchos aspectos de nuestra sociedad a pesar de los avances indiscutibles logrados en la batalla de la igualdad entre hombres y mujeres", señala Antonio Pulido, presidente de Cajasol.

A lo largo del recorrido por esta exposición, se pueden ver distintos modelos femeninos "inmortalizados en un momento histórico en el que la mujer carecía de la posición reconocida que tiene actualmente en la sociedad". Se trata de mujeres valientes como Agustina de Aragón, mujeres luchadoras y solidarias, inconformistas y pioneras, como la torera 'La Pajuelera'.

El espectáculo del arte marroquí contemporáneo conquista el Reina Sofía

 

Foto: El artista Yassine Balbzioui posa ante su obra "Fantasía" durante la presentación de la 'Trilogía marroquí 1950-2020'. (EFE)
El artista Yassine Balbzioui posa ante su obra "Fantasía" durante la presentación de la 'Trilogía marroquí 1950-2020'. (EFE)

'Trilogía marroquí 1950-2020' reúne 250 obras desde la época de la independencia hasta la actualidad. Se puede ver hasta el 27 de septiembre


La primera impresión de la muestra ‘Trilogía marroquí 1950-2020’ que se acaba de inaugurar en el museo Reina Sofía de Madrid es que es gigante. Son 250 obras junto a documentos de archivo -documentales, películas, revistas-, lo cual es una cifra alta, pero también se trata de una cuestión de sesgo. “Es que el arte marroquí es un gran desconocido y esta exposición es un descubrimiento”, comenta Manuel Borja-Villel, director de la pinacoteca y comisario de la muestra junto a Abdellah Karroum. Y también porque es la primera vez que se expone un trabajo de investigación que refleja la historia de un país que tenemos a solo 14 kilómetros. Pueden verla estos días de Semana Santa, pero si quieren evitar aglomeraciones abre hasta el 27 de septiembre.

 

La exposición se incluye en la línea de trabajo de investigación decolonial del museo, puesto que comienza con la época de la independencia en la década de los cincuenta después de más de cuarenta años de protectorado francés y español. Se circunscribe a tres etapas temporales: hasta los setenta, los años de plomo hasta 1999 y finalmente la Generación 00 desde los 2000 hasta la actualidad. Y se atiene a las tres ciudades con mayor efervescencia cultural en este tiempo: Tánger, Tetuán y Casablanca.

placeholderEscultura de la artista Yto Barrada. (EFE)
Escultura de la artista Yto Barrada. (EFE)

“Son artistas que tienen una mirada exterior hacia la modernidad aunque para nosotros fuera de fecha. Tienen otras lógicas. Por otro lado, hay una voluntad internacional de conocer el mundo. Miran a la modernidad, pero también a la tradición con la mezcla de colores, la caligrafía, que para ellos es un elemento místico, y los números. Y tienen fuentes distintas a nosotros”, explica Borja-Villel durante el recorrido por la exposición sobre los artistas que pueblan la muestra, algunos de los cuales se encontraban hoy por las salas del museo (y que a punto han estado de no poder venir por las restricciones de los vuelos desde Marruecos desde ayer noche). Esta exposición, por otra parte, se ha podido hacer gracias a la Fundación Nacional de Museos de Marruecos, el Museo Mohammed VI, del que han salido algunos cuadros, el Mathaf: Arab Museum of Modern Art – Qatar Museums de Doha, del que han salido otros y la Qatar Foundation. “Y su trabajo de campo se hizo antes de la pandemia”, añade Borja-Villel.

La independencia

Todo comienza con la Escuela de Bellas Artes de Casablanca en los cincuenta donde lo que más interesa es la abstracción. De esa época son artistas como Ahmed Cherkaoui, que supo aunar las tradiciones iconográficas marroquíes y lo estético modernista, lo que lo convirtió en un precursor clave del Grupo de Casablanca. Tiene influencias de la Bauhaus de los años veinte y de artistas como Kandinsky. En este grupo también destaca André Elbaz, quien después de los atentados del 11S considerará que el arte ha muerto (y cortará todas sus obras y las meterá en tarros).

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placeholderParte de la exposición 'Trilogía marroquí'.
Parte de la exposición 'Trilogía marroquí'.

Como es la época de la independencia surgen revistas que se utilizan como medio para descolonizar la historia y convencionalismos del país. Aparecen publicaciones como Souffles (1966-1972), Lamalif (1966-1988) e lntégral (1971-1978) y se crearon espacios en los que era posible debatir la modernidad, la construcción nacional y otras cuestiones fundamentales. Fue un tiempo en el que Tánger se convirtió en un importante centro cultural a nivel mundial con figuras como la de los escritores Paul Bowles y Mohamed Choukri y autores de la generación beat.

Años de Plomo

Pero después de los años de cierta libertad suelen llegar las olas reaccionarias y eso ocurrió a partir de los setenta con los golpes de Estado. Son los años de plomo. Aquellos espacios más libres, como habían sido Tánger, Casablanca y Tetuán, se redujeron y comenzó a aparecer un arte más político y combativo. Como el de Latifa Torjani, que estuvo en prisión. O el de Mustapha Hafid que en ‘Universo misterioso’ utiliza los colores de la bandera de Marruecos y que trajo consigo la polémica. En esta sala se puede ver el documental ‘Antes del ocaso (2019), de Ali Essafi, sobre la vida cultural de los años setenta que reúne una importante selección de materiales de archivo -obras de arte, películas, música, voces, etc.- para recrear el ambiente de aquellos momentos de la historia de Marruecos.

placeholderArte considerado 'naif' en los años de plomo.
Arte considerado 'naif' en los años de plomo.

Junto a este arte más comprometido está otro que, aunque puede parecer más naif, también tiene su compromiso. Como el de Chaibia Talal, que es una artista hoy muy cotizada y que retrata a las mujeres en muchas de sus obras. Con gruesas pinceladas de colores vivos, saca a la luz escenas de compromiso social. Algunas de sus colegas, como Fatima Hassan, cuya obra ‘Escena’ (1992), en la que aparecen mujeres en distintos espacios, comparten esa posición.

 

Otro de los documentales que se pueden ver es ‘Sobre algunos sucesos sin importancia’ (1974), de Mostafa Derkaoui, que estuvo prohibido y solo llegó a proyectarse una vez, en París en 1975. Derkaoui y otros jóvenes cineastas entrevistan a poetas, artistas, actores y gente anónima por la calle. El cuestionario era sobre cómo podría ser un cine nacional marroquí emergente pero al final se acaba hablando de política y de cuál era la situación del país.

Generación actual

La última parte de la exposición, la que se inicia con la Transición democrática a finales de los noventa, comienza con la Generación 00, que reflexiona sobre un país “sin memoria”, puesto que apenas se han conservado los archivos, y “sin salario”, por la situación precaria. Pero también hay un afán de internacionalización como muestra la obra de Mounir Fatmi con el logo de Al Jazeera, el primer canal internacional árabe.

placeholderEl artista Mohamed Larbi Rahhali posa junto a su obra 'Mi vida'. (EFE)
El artista Mohamed Larbi Rahhali posa junto a su obra 'Mi vida'. (EFE)

Las mujeres artistas se detienen en el papel de la mujer en la sociedad como hace Maria Karim en una película sobre una mujer que se quiere marchar de Marruecos o Joukaina Joual, con la historia bíblica de Adan y Eva. Faouzi Laatiris, por su parte, recrea con bolsas de basura -los desechos- las pateras (a partir de esta década van a estar bastante presentes).

 

"Seguimos teniendo mucho público local, aunque hemos perdido el 70% del total. Esto cambiará con la vacuna”, dice Borja-Villel

 


El Atlas, el Rif como un entorno casi místico, los vendedores, una película que mediante un travelling se adentra en la frontera y el paso del Estrecho, donde al principio todo parece en orden, pero luego resulta ser un caos. Estos son los objetos de reflexión de los artistas marroquíes actuales, entre los que se cuela el mural carnavalesco de Yassine Balbzioui ‘Fantasía’, que ha pintado en una de las paredes del museo en estos últimos días (y que todavía no se sabe qué se hará con él).

 

Y con esta exposición, el Reina Sofía da comienzo a la programación de 2021, la primera gran condicionada por la pandemia. Borja-Villel la afronta con optimismo. “Seguimos teniendo mucho público local, aunque hemos perdido el 70% del total. Esto cambiará con la vacuna”, sostiene el director del museo que, no obstante, se queda con la cara buena: “con la pandemia, las exposiciones se están convirtiendo más en laboratorios de imaginación radical. Creo que tenemos que aprovechar este trabajo de reflexión”.

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