Francis Picabia.
Francis-Marie Martínez Picabia (París, 22 de enero, 1879 - 30 de noviembre, 1953) fue un pintor francés.
Picabia descendía por vía paterna de una familia arribada a Cuba procedente de Galicia; su madre era vascofrancesa. Los padres de Picabia se conocieron en París cuando su padre trabajaba como diplomático en Francia.
Trabajó en casi todos los estilos contemporáneos más destacados, como el postimpresionismo, el cubismo, el fovismo, el dadaísmo, el surrealismo y el arte abstracto. Hizo también pintura figurativa, dibujo y collage. Estudió en École des Beaux-Arts y en la Escuela de Artes Decorativas de París. Recibió una fuerte influencia impresionista y fovista, en especial de la obra de Pissarro y Sisley.
De 1909 a 1911 estuvo vinculado al cubismo y fue miembro del grupo de Puteaux, donde conoció a los hermanos Duchamp (Marcel, Jacques y Raymond) en el suburbio parisino de Puteaux, donde se reunían los domingos para discutir sobre arte, matemáticas y otros temas. En 1913 viajó a Nueva York, con motivo de la exposición “The Internacional Exhibition of Modern Art”, celebrada en un cuartel militar, y desde donde se pretendía dar a conocer al público norteamericano la obra de la vanguardia europea, ya mínimamente introducida por el fotógrafo y galerista Alfred Stieglitz y el grupo dadá americano. Picabia vivió en Nueva York hasta 1916, fecha en que viajó a Barcelona, donde estuvo dos años.
En Barcelona apenas mantuvo contacto con la vanguardia catalana, salvo con Josep Maria Tamburini, quien en 1916 editó el primer número de su revista dadaísta "391".
El formato, la concepción y la tipografía deben mucho a la revista 291, editada por Alfred Stieglitz y en la que colaboró Picabia, pero los presupuestos son otros: el tono nihilista, frío, irónico y destructor son propiamente dadaístas. La revista se publicó entre 1917 y 1924, en Barcelona, Nueva York, Zurich y París, y en ella colaboraron, entre otros, Marcel Duchamp, André Breton, Tristan Tzara, Man Ray y Jean Cocteau. Junto a la revista Dada, fue la más importante de este movimiento.
Poco después de 1917, Picabia viajó a París, donde entró de lleno en el círculo dadaísta conducido por Tristan Tzara, participando en manifestaciones y otros escándalos.
En 1922 Dalmau organizó una exposición que reunió 46 obras de Picabia, con un catálogo editado por André Breton. Las obras anteriores a 1922 podrían calificarse como mecanomorfas, que mucho deben al dinamismo futurista. "El apuro" (1914, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid) pertenece a un conjunto de obras realizadas por el artista en 1914, que podrían definirse como transposiciones abstractas de experiencias íntimas.
En torno a 1924 parece regresar a la figuración, sobre todo a partir de la fundación del grupo surrealista: en estas obras parece burlarse de ese onirismo surreal, pintando figuras desmaterializadas, y más adelante iniciará un diálogo con la tradición artística. Su interés por la literatura y el lenguaje fue particularmente evidente en sus últimos trabajos.
En 1930 se celebró la primera de las grandes retrospectivas sobre Picabia en la galería francesa Rosenberg, donde se mostró la obra comprendida entre 1900 y 1930.
.jpg?height=400)
¿Quién fue Francis Picabia?
Francis Picabia fue una de las figuras del principio del movimiento Dada en París y Nueva York. Amigo y asociado de Marcel Duchamp, a Picabia se le conoció por una rica variedad de trabajos que van desde extrañas imágenes de comics de piezas de máquinas a las pinturas basadas en texto que anuncian aspectos del Arte Conceptual. Incluso después de que el Dada había sido suplantado por otros estilos, el pintor francés y escritor continuó explorando una mezcla de estilos diversos y casi incoherentes. Picabia, cambiaba fácilmente de tendencia entre la abstracción y la figuración en un momento en los artistas se aferraban firmemente a un enfoque. Además tenía rechazo por las convenciones del arte moderno alentando algunas innovaciones notables incluso más adelante en su carrera, desde los niveles serie de transparencia de la década de 1920 a los desnudos eróticos de la década de 1940. Igualmente, Picabia sigue siendo venerado por pintores contemporáneos como uno de los artistas más intrigantes e inescrutables del siglo.
¿Cómo se desarrolló Francis Picabia?
En 1895, Picabia comenzó a asistir a la prestigiosa Escuela de Arte Decorativo (École des Arts Decoratifs), donde se formaron otros pintores tales como Vincent van Gogh y Henri Toulouse-Lautrec. Durante este tiempo, produjo sobre todo acuarelas y realizó exposiciones solo una vez en el Salón de los artistas franceses. Rápidamente dejó las acuarelas tradicionales de la pintura, haciendo una transición hacia el impresionismo, influenciado por Camille Pissarro y Alfred Sisley. Igualmente, Picabia creía que la pintura no debía representar la naturaleza, sino la experiencia emocional del artista, por lo que, el impresionismo fue una herramienta para representar sus ideales.
En la década de 1910, Picabia compartió sus intereses con un número de artistas del cubismo, en la inquietud del movimiento por los problemas de representación del estilo que podía evocar cualidades de lo moderno, lo urbano, inspirados en el mundo mecanicista. Inicialmente, estos intereses conformaron su pintura abstracta. No obstante, su atracción por las máquinas forma sus primeros trabajos, dentro del movimiento Dada, en particular sus imágenes de mecanoformosis, inventando máquinas y piezas que fueron pensadas como parodias del retrato. Por lo que, para Picabia, los seres humanos no eran sino máquinas, gobernadas no solo por la mente racional, sino también por una gama de hambre compulsiva. Picabia fue crucial para el movimiento Dada cuando comenzó a surgir en París a principios de 1920, y su obra abandona rápidamente muchas de las preocupaciones técnicas que habían animado a su anterior trabajo. Comenzó a utilizar el texto en sus cuadros y collages para crear imágenes explícitamente escandalosas atacando las nociones convencionales de la moralidad, la religión y la ley.
Mientras que el trabajo de Picabia estuvo animado por el menosprecio del movimiento Dada contra la cultura europea que llevó a la carnicería de la I Guerra Mundial, los ataques de Picabia a menudo se fundamentan en una comedia ligera y gruesa del bufón de la corte. Por lo tanto, sus obras reflejan un artista que no respeta ninguna convención, incluso el arte, puesto que el arte era sólo otra faceta de la cultura más amplia que él rechazó.
En este sentido, las imágenes figurativas eran centrales en la obra de Picabia de mediados de la década de 1920 hasta mediados de la década de 1940, cuando estaba inspirado en temas españoles, románicos y fuentes del renacimiento, usando imágenes de monstruos y, más tarde, se encuentran sus desnudos en revistas de porno blandos. Inicialmente, muchos de estos motivos dispares en los cuadros de transparencia, eran unidos complejamente en capas y apilados unos sobre otros para provocar confusión y asociaciones extrañas. Así mismo, algunos críticos han descrito las transparencias como visiones ocultas o imágenes del sueño surrealista, y aunque Picabia rechazó cualquier asociación con los surrealistas, firmemente se negó a explicar su contenido. Picabia siempre maneja estos motivos con el mismo espíritu juguetón y anárquico que había animado su obra Dada.
Picabia aprendió temprano que la abstracción podía ser utilizada para evocar no sólo cualidades de las máquinas, sino también para evocar el misterio y el erotismo. Esto garantiza que su pintura abstracta sería uno de los pilares de su carrera. Regresó a ella incluso en sus últimos años, durante los cuales atribuyó su inspiración a los oscuros recovecos de su mente, como lo había hecho siempre.
¿Cuál es la importancia de la obra de Francis Picabia?
Picabia hizo mucho para definir el Dada en París y Nueva York, e hizo una reputación como una de las figuras líder de este movimiento. Sin embargo, lo que tal vez animó más el movimiento, fue su espíritu anárquico y su falta de respeto hacia el arte moderno abstracto convencional, que le ha dado su mayor legado. Con este espíritu combativo forma la serie de transparencia de la década de 1920 y los desnudos eróticos de la década de 1940, los cuales han demostrado ser muy influyentes.
En este sentido, cuando muchos artistas pensaban que el arte abstracto y figurativo debían ser separados, Picabia parecía combinarlos. Cuando otros sentían que el desnudo debía permanecer una materia noble, él la envilecía. Picabia parece haber tenido una actitud alegre y a menudo cínica de la creación artística, que lo puso en desacuerdo con muchos de sus colegas más serios, esta actitud que parece tan resonante a artistas contemporáneos, no sólo conllevó a tener menos fe en la capacidad de su arte para cambiar el mundo, sino también llevó a una actitud de los museos y galerías que se balancea entre la tolerancia y el escepticismo.
¿Cuáles fueron las técnicas más usadas por Francis Picabia?
Picabia combinó el arte abstracto y figurativo del movimiento Dada, del cual fue su principal líder. Por lo que, el Dada fue considerado un movimiento artístico y literario iniciado en Zurich, Suiza, que surgió como una reacción a la primera guerra mundial y el nacionalismo que muchos pensaron que había llevado a esta guerra. Influenciado por otros movimientos de vanguardia como el cubismo, futurismo, constructivismo y expresionismo. Por lo que, su salida fue violentamente diversa, que va desde un arte de la performance a la poesía, fotografía, escultura, pintura y collage. Así, la estética Dada estuvo marcada por la burla a las actitudes materialistas y nacionalistas, demostrando ser una poderosa influencia sobre los artistas en muchas ciudades, como Berlín, Hannover, Paris, Nueva York, Colonia, todos los cuales generaron sus propios grupos. El movimiento se disipó con el establecimiento del surrealismo, pero las ideas que le dieron lugar se han convertido en los pilares de las varias categorías del arte moderno y contemporáneo.
¿Cuáles fueron las obras más importantes de Francis Picabia?
Las obras presentadas a continuación son las más importantes de Francis Picabia y en las mismas se resumen los principales períodos creativos y destacan los mayores logros del artista.
-Retrato de Mistinguett (1907)
El estilo de este retrato, con sus formas simplificadas y el color plano, combina aspectos del simbolismo y del fauvismo siendo típico del estilo maduro de Picabia cuando empezó a probar diferentes enfoques. El cuadro fue pintado en el momento en el que estaba construyendo una carrera exitosa como impresionista, siendo un signo de la frecuente tendencia de Picabia para ir hacia direcciones nuevas y sorprendentes. La modelo del retrato Mistinguett, fue una exitosa actriz y cantante amiga de Picabia de la industria del entretenimiento. En vez de pintar un retrato realista de ella, estaba más interesado en revelar su estado de ánimo mediante el uso de la composición y el color espectacular.
-Danzas en la Primavera (1912)
Picabia conoció a Marcel Duchamp alrededor de 1911, y danzas en la primavera, hace eco al desnudo de Duchamp bajando una escalera (1912), señala el impacto importante esta reunión tendría en él. Este cuadro es considerado uno de los mejores ejemplos del arte abstracto de Picabia, expresando su experiencia interior a través de formas geométricas. Usando colores vivos y planos angulares fragmentados, pintó el movimiento y la emoción de una danza campesina mientras estaba en su luna de miel en Italia. Dos versiones de la imagen fueron pintadas. Esta versión se expuso en el importante “Armory Show”, Nueva York, 1913.
-Una muy rara Pintura en la Tierra (1915)
Picabia estuvo fascinado con la idea de los objetos industriales como fuente pictórica. Su objetivo era inventar un “simbolismo mecánico”, y esta pieza es uno de sus ejemplos más importantes, ya que los críticos la han leído como una imagen de un acto sexual en términos mecánicos. Aunque a primera vista, podría ser difícil de leer Picabia fue inspirado por su amigo Marcel Duchamp para plasmar las referencias sexuales en imágenes de máquinas. Este trabajo es también significativo como el primer collage conocido de Picabia ya que contiene dos formas de madera montadas, y el marco es parte integral de la pieza.
-Aquí, se trata de Stieglitz (1915)
Al principio Picabia trabajó con Alfred Stieglitz, quien le dio su primera exposición individual en Nueva York. Pero más tarde criticó a Stieglitz, como es evidente en este “retrato” del galerista como una cámara de fuelle, la palanca de cambio de un automóvil, una palanca de freno y la palabra “IDEAL” por encima de la cámara en letras góticas. El hecho de que la cámara está rota y la palanca de cambios está en punto muerto se ha pensado para simbolizar a Stieglitz como gastado, mientras que el contraste del texto gótico decorativo se refiere al arte anticuado del pasado. El dibujo es parte de una serie de retratos mecanicistas e imágenes creadas por Picabia que, irónicamente, no celebran la modernidad o progreso, sino son obras similares a las mecanicistas de Duchamp, mostrando la misma cuestión que podría proporcionar una alternativa al simbolismo artístico tradicional.
Fuente
No hay comentarios:
Publicar un comentario