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miércoles, 1 de julio de 2015

El hombre de Mona


En este exclusivo video de David Walsh, propietario de impresionante Museo de Arte Antiguo y Nuevo de Tasmania, habla de su vida como un coleccionista, y por debajo reflexiona riesgo y la renovación como él ofrece cuatro extraordinarias, obras de polarización por jóvenes artistas británicos que data de 1990 a su ascendiente

Estoy acostado en la cama con ansiedad contando las horas hasta el amanecer. He renunciado a tratar de dormir, obviamente. Estoy despierto porque estoy reflexionando prioridades. Un amigo cercano murió la semana pasada, y me dijeron que en la cena anoche que un colega y amigo "sólo habían dejado hora '. Esto es lo que estaba pensando: en lugar de saber que tenía que surgir, sin haber descansado y descontento, en una hora, me imaginaba que la hora estaba todo el tiempo que me quedaba a mí.¿Qué iba a pensar? Los niños y la esposa, por supuesto, pero también el futuro de mi galería, el futuro de mi arte.

Cuando abrí Mona cerca de Hobart mi ambición era modesto. Yo esperaba que la gente visite, pero pensé que iban a ser personas de arte. Para mi sorpresa, mi comunidad, y la comunidad australiana, reclamado como propio. Y empecé a cuidar de que les importaba. Así fue que llegué a preocuparse por el futuro de la Mona. Y así fue que comenzaron las noches de insomnio.
Antes de la apertura de Mona en 2011 había recogido el arte durante años. Las primeras monedas y antigüedades, entonces el arte moderno, a continuación, contemporáneo, pero todo el tiempo intercalados con un puñado de adquisiciones al azar que me hacía cosquillas en capricho. Una vez que el museo abrió sus puertas, empecé a recopilar para el público. ¿Esto se ven bien en la pared? Ojalá que hacer un punto acerca de por qué la gente hace arte? No estaba segura de si debía continuar para satisfacer mis propias debilidades, o permitir que el museo de dirigirme, un personaje de una escritura misma historia. Pero con el dinero escasea, como lo es para la mayoría de nosotros, para comprar a menudo significa vender.

He vivido con obras que inspiran y desafiarme y puedo aprender a vivir sin ellos si esto significa la compra para el museo

Vender no es fácil. Me encantan las cosas que tengo. Cuando la pintura Saville vivía en un almacén, solía entrar y estudiar la pintura, y me coger a mí mismo con la esperanza de que pudiera evitar el tema de la pintura a notar mi presencia. Y el Ofili: controversia desempeñó un papel, pero su belleza cruda me abrumó. Cuando colgamos en la galería Puse un trono en frente de ella. Un ajuste de pintura para un rey. O reina. O algo intermedio.
Y luego estaba el intenso, el plástico, el compromiso de mal gusto en la historia del arte de los hermanos Chapman. Cada vez que lo vi, mi fe en el futuro del arte occidental fue renovado. Decir algo nuevo, uno debe primero saber lo que se haya dicho ya. O el Hirst, sin cesar en bicicleta, un triunfo de la modelo, pero evitando siempre complicidad con credo.
Como ya he dicho, la venta no es fácil. Pero yo he vivido con obras que inspiran y desafiarme y puedo aprender a vivir sin ellos si esto significa comprar para el museo, y para aquellos que visitan, y por el bien de la educación, y para el futuro. Los ingresos de esta subasta (la Post-Guerra y Arte Contemporáneo de noche venta en Londres el 30 de junio ) ayudarán a financiar un ala para albergar una serie de James Turrell trabaja.Serán amplio y luminoso y atractivo y, con suerte, provocativo. Y oscuro y lúgubre, y tal vez apasionante.
Antes de arte, y de su capacidad innegable de esponja de seguridad de todos los recursos disponibles, que estaba haciendo bastante bien financieramente. Hice mi dinero en el juego. Y aquí, en esta subasta, estoy apostando de nuevo. Mi apuesta no es que va a pagar lo suficiente para estas obras para justificar mi venta. Mi apuesta es que el futuro, para mí y para mi museo, es más gratificante que el pasado. Pude mantener estas grandes obras. O podría probar cosas nuevas, sin dejar de ser consciente de que la nueva no es necesariamente mejor que el anterior.

La Santísima Virgen María por Chris Ofili
Chris Ofili, La Santa Virgen María , 1996. Acrílico, óleo, resina de poliéster, collage de papel, brillo, los banderines del mapa y el elefante estiércol sobre lino. Estimado: 1,400,000-1,800,000 libras. Se muestra en Sensation: Young British Artists de la colección Saatchi , London, 1997. Foto © Saatchi Gallery de Londres. Este trabajo se ofrecerá en nuestra subasta posguerra y Arte Contemporáneo de la tarde el 30 de junio en Christie en Londres
Originalmente adquirido por Charles Saatchi directamente del artista, y primero exhibido en Sensation: Young British Artists de la colección Saatchi , en la Royal Academy of Arts, Londres, en 1997, la Santa Virgen María se encontraba el centro de un debate público importante cuando la exposición viajó a Nueva York dos años después. Fue objeto de un ataque salvaje por alcalde de Nueva York Rudolph Giuliani, quien argumentó que su objeto sacrílego profanó la iglesia católica.
Encendiendo un pleito entre Giuliani y el Museo de Brooklyn, la obra de inmediato se encontró en el centro de una tormenta mediática. Ofili dio una declaración expresando su sorpresa por la respuesta de su pintura había provocado. 'No me siento como si me tengo que defender [el trabajo] ", dijo. "Las personas que están atacando esta pintura están atacando a su propia interpretación, no la mía. Nunca se sabe lo que va a ofender a la gente, y no me siento que es mi lugar para decir nada más '.
La inclusión de Ofili en Sensation en 1997 impulsó el artista en el dominio público, y al año siguiente se convirtió en el primer artista negro en recibir el Premio Turner . Sin embargo, podría decirse que no fue hasta la polémica que rodea la Santa Virgen Maríaque Ofili alcanzó la categoría mundial como artista. Es una obra que resume su práctica multicultural, en equilibrio sobre el filo de la navaja entre esos elementos todavía polarizadas esenciales de la experiencia humana: lo sagrado y lo profano.
Como un niño Ofili fue monaguillo, una experiencia que reverbera a través de su arte en las narrativas y la iconografía recurrente. Crecer en Manchester, en los años 1980 y 1990, la iconografía personal de Ofili está impregnada de referencias a la etnia y la cultura negro. Hip-hop tuvo un profundo efecto sobre la multiculturalidad creciente que refleja la obra de Ofili, dibujo de la experiencia urbana negro en un territorio cultural que tradicionalmente habían excluido. Ofili fue inspirado por la película de 1994 de Quentin Tarantino, Pulp Fiction , en el que, en una escena famosa, el personaje de Samuel L. Jackson, el asesino a sueldo Jules, mata a un hombre mientras que proclaman el versículo bíblico. Para Ofili, la síntesis de la catequesis bíblica con un lenguaje contemporáneo que integra la violencia y el humor, fue una revelación.
Evocador de la tradición occidental de la pintura religiosa, en la que la Virgen se representa a menudo con un lactante al pecho, la Santa Virgen María se basa en este repositorio de imágenes de origen, con Ofili formando el pecho de Madonna de estiércol de elefante seca. La aplicación de estiércol directamente a la lona era, para él, una manera en la que para que el medio ambiente directamente en su pintura. Se utiliza ampliamente como fertilizante, aquí se trata de un símbolo del crecimiento y de la maternidad. De esta manera, Madonna Ofili es a la vez de los cielos y la tierra. Dorado con cuentas brillantes, el trabajo se convierte en una metáfora de la transformación: el material humilde es elevada en la misma forma en que la Virgen se convierte en sagrado con el nacimiento de su hijo.

Grandes hazañas contra los muertos por Jake y Dinos Chapman
Jake y Dinos Chapman, grandes hazañas contra los Muertos , 1994. fibra de vidrio, resina, pintura y pelucas.Estimado: 400.000-600.000 libras. Este trabajo se ofrecerá en nuestra subasta Guerra Post y Arte Contemporáneo de la tarde el 30 de junio en Christie en Londres
Hecho en 1994, y ampliamente exhibido en toda la década de 1990, durante el apogeo de los Young British Artists, grandes hazañas contra los muertos se convirtieron en una obra emblemática titular de los hermanos Chapman. Fue durante este momento crucial de su carrera que la obra se muestra en la exposición 1997 Sensation en la Royal Academy de Londres. Como resultado, y en reconocimiento de su importancia, las grandes hazañas contra los muertos desde entonces ha sido expuesto en cada gran retrospectiva sobre los artistas.

"Una hazaña heroica! Con los muertos! " de Los desastres de la guerra (1810-1820) de Francisco de Goya y Lucientes

De pie cerca de tres metros de altura, grandes hazañas contra los Muertos es una de tamaño natural reelaboración escultórica de Goya 'Grande hazaña! Muertos estafadores! ' ('Una hazaña heroica! Con los muertos!'), la hoja más reconocidos y horripilante de Goya de Los Desastres de la Guerra . Creada en 1810 a 1820, los 83 grabados representan la violencia y la inhumanidad de las invasiones napoleónicas de España.
Los hermanos Chapman tomaron los cuerpos decapitados y sin extremidades de la impresión plana, monocromática y gráficamente los trajeron a la realidad de una forma tridimensional que transporta tema intemporal de Goya de los horrores de la guerra en el siglo 20. Los hermanos Chapman cayeron bajo el hechizo de Goya desde el principio en su vida, una vez que confesar que 'incluso consideran cambiar su apellido por el de Goya'. Esta influencia se hace evidente cuando se comparan de Goya Saturno devorando a su Hijo , 1820-1823, del Museo del Prado en Madrid, con una de las notorias del hermano Chapman Hell escenas.
Pero fue en 1993, con la creación de su primer trabajo en colaboración importante, que su obsesión se convirtió en una realidad: en sus Desastres de la Guerra , un cuadro ejecutado en 83 partes y ahora en la colección de la Tate, toda la cartera de Goya se lleva hábilmente a la vida en forma de figuras tridimensionales minutos volver a promulgar todas las horripilantes, detalles escalofriantes originalmente representado por el maestro español.
Fuente
http://www.christies.com


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