En su primera experiencia en Frieze New York, Eduardo Navarro hace la comunión del cazador de nubes.
"En todos los trabajos hay una búsqueda de tratar de conectar con algo más grande que el propio cuerpo o que la propia cabeza, y eso es también una forma de transformación".
Cada proyecto es un caso de estudio para el artista argentino Eduardo Navarro (Buenos Aires, 1979), volviendo a demostrarlo en su primera participación en la feria Frieze Nueva York con la galería brasileña Nara Roesler, a cuya nómina acaba de incorporarse.
Formado desde el 2003 en el Programa para las Artes Visuales organizado por el reconocido artista argentino Guillermo Kuitca (Buenos Aires, 1961), la Universidad de Buenos Aires y el Centro Cultural Ricardo Rojas, su trayectoria incluye residencias en países como Canadá, Ecuador y Emiratos Árabes Unidos.
Entre sus principales exposiciones se encuentran "Octopia", hasta junio, en el Museo Rufino Tamayo de Ciudad de México, curada por Daniela Perez y Manuela Moscoso; "Timeless Alex", dentro del marco de la III Trienal del New Museum de Nueva York (2015), co-curada por Lauren Cornell y Ryan Trecartin; "Órbita", en la Universidad Torcuato Di Tella de Buenos Aires (2013); y "Estudio Jurídico Mercosur III", en el Faena Art Center de Buenos Aires (2013), con curaduría de Sonia Becce.
Durante el 2016 se lo verá en SeMA Biennale MediaCity de Seúl, en la Bienal de São Paulo y, próximamente, en una performance en el High Line Art de Nueva York, bajo la curaduría de la italiana Cecilia Alemani, directora artística de este espacio público y curadora de la Sección Projects de Frieze Nueva York, donde su compatriota Barbara Victoria, colaboradora de ARTEINFORMADO, lo ha entrevistado con el objetivo de conocer más acerca de su metodología de trabajo y de su proyecto "Instrucciones para el Cielo".
ARTENFORMADO (AI): Presenta la performance "Instrucciones para el Cielo" en Frieze New York. ¿Nos puede contar de qué se trata?
EDUARDO NAVARRO (EN): El proyecto consiste en trabajar con un fenómeno natural que no es predecible ni controlable. Con esa idea de base lo que hice fue desarrollar una serie de estructuras o elementos que se incorporan al cuerpo, que son espejos. Es una estructura sujetada al cuerpo que permite a uno ver el cielo.
De alguna manera capta al cielo ya que es un disco de espejo bastante grande, tiene un metro veinte más o menos de diámetro. Las bailarinas que portan los espejos llevan un disco en la cabeza, que es también de espejo.
La idea es que estas bailarinas que llevan estas estructuras muevan el cuerpo en función de cómo esté el clima y cómo esté el cielo ese día, sobre todo siguiendo a las nubes. El prototipo lo empecé a desarrollar en una residencia que se llama Banff Centre en Canadá y cuando me invitaron a proponer una idea para Frieze propuse esta idea que venía desarrollando.
AI: En ese sentido, sus obras son experimentos que cuestionan constantemente la percepción y el tiempo. ¿Cuál es la búsqueda o la consigna fundamental de la última etapa de su obra, y principalmente de Instrucciones para el Cielo?
EN: En todos los trabajos hay una búsqueda de tratar de conectar con algo más grande que el propio cuerpo o que la propia cabeza, y eso también es una forma de transformación. Es algo que es mucho más grande que uno, como lo es por ejemplo el cielo o la naturaleza de un río, de un volcán, de animales o de fenómenos climáticos. Pero siempre hay una búsqueda de lograr una comunión con el paisaje y con lo que le está ocurriendo a ese elemento, pero no desde un lugar científico de investigación y de medición, sino más bien de comunión.
AI: ¿Cómo es esa comunión?
EN: Es una forma de invertir los roles. Siempre la formación de la naturaleza la entendemos a partir de lo que medimos y en lo que la estudiamos. En mis trabajos trato de que los roles del observador y del objeto observado sean difusos, entonces el trabajo se convierte en el objeto de estudio, y no es un objeto de estudio finito que se abarca con distancia. Es decir, para entender las nubes hay que entrar en comunión con la nube donde esa persona es una nube, se transforma en una nube, y no es una medición científica.
En mis trabajos trato de que los roles del observador y del objeto observado sean difusos
AI: Su formación comienza en Argentina y se desarrolla en residencias en países como Estados Unidos y Canadá. ¿Nos puede contar ese recorrido?
EN: Mi formación principal fue con Guillermo Kuitca. Después de que terminé de estudiar con ellos en el 2005 (del 2003 al 2005 estudié con ellos), comencé una etapa de investigación que todavía sigue y de alguna forma fue creciendo con residencias y artistas que fui conociendo, explorando mis intereses.
Es un poco parecido a lo de las nubes y el clima, ¿qué incluye a qué?. También viví en Ecuador cuatro años y esos años fueron de estar muy en contacto con el paisaje, con la naturaleza, con el cielo.
AI: En ese sentido, ¿en qué influye en su trabajo el lugar desde donde produce?
EN: De chico me mudé mucho y me siento extranjero. Siempre el trabajo que yo hago incluye el contexto en donde estoy, el afuera. No hago esculturas en un lugar fijo y después las envío, mis trabajos son siempre desarrollados para ese sitio, esa institución o ese contexto, y cargan con todo lo que es ese ambiente.
Pero eso siempre fue así, también en Buenos Aires busco trabajar desde las periferias. La idea de salir a buscar y explorar territorios que son desconocidos es algo que vengo haciendo desde siempre.
AI: ¿Cómo acompaña a esa exploración su metodología de trabajo?
EN: Trabajo en una búsqueda de tener un diálogo con algo que no me es familiar. Surge de una curiosidad que es parte del desarrollo de las obras que hago. Por lo general trabajo con muchas ideas a la vez, como con diez ideas a la vez.
En la medida en que empiezo a desarrollar una idea surgen cinco ideas más, es una especie de proceso exponencial. Entonces el proceso de desarrollar un trabajo, como por ejemplo, en Instrucciones para el Cielo, desarrollé seis ideas de las cuales quedó una, entonces hay mucho tiempo que dedico a ir filtrando.
Filtrando, filtrando y filtrando, y siempre la última idea es la que funciona, pero para que esa idea funcione siempre la base de esa idea son ideas que quedan a mitad de camino y que vuelven a surgir más adelante. Es un ciclo de acumulación de las ideas. En sus trabajos Eduardo desarrolla los prototipos y luego los multiplica junto a su equipo de producción
AI: ¿Cómo define el soporte con el que va a desarrollar una obra?
EN: Por lo general los prototipos los hago yo. Elaboro un prototipo, por ejemplo, el prototipo de Instrucciones para el Cielo de Frieze lo hice en una residencia. Primero era una idea mucho más pequeña, una estructura de espejos que iba agarrada a la cabeza, y te permitía ver el cielo. Luego de esa idea decidí hacer una estructura mucho más grande. Una vez que tengo definido el prototipo o se multiplica o se extiende y eso lo hago con mi equipo de producción. Pero la primera instancia de investigación y de lectura lo hago sólo.
AI: ¿Qué material de lectura acompañó la investigación de Instrucciones para el Cielo?
EN: Leí mucho Tao. La verdad no soy muy fan de leer mucho de investigación científica ni de arte. Me interesan más las cosas anormales, como noticias y todo lo que ocurre con lo que llega a los medios: noticias sobre animales, fenómenos o cosas extrañas dentro de la sociedad que me parecen interesantes. No tengo un interés científico de investigar. Me parecen más curiosos algunos fenómenos sociales.
No tengo un interés científico de investigar. Me parecen más curiosos algunos fenómenos sociales
AI: ¿Nos puede contar sobre su experiencia en Frieze y otras ferias?
EN: Las ferias son lugares para conocer gente y contactarse, no tengo mucha experiencia en mostrarme en ferias, nunca presenté en Frieze. Es la primera vez que hago una proyecto para una feria, no sé cómo funciona. Lo único que espero es que no llueva.
AI: ¿Nos puede contar sobre su vínculo con la Galería Nara Roesler?
EN: Empecé a trabajar con ellos hace unos meses, estamos en proceso de conocernos, es una galería de São Paulo, que también tiene espacio en Nueva York y en Río de Janeiro. Para mí es una experiencia distinta.
AI: Para cerrar, ¿nos puede contar cómo sigue su año?
EN: Ahora empiezo a planear la obra que voy a desarrollar para la Bienal de São Paulo. Luego tengo una residencia en inSite CasaGallina de Ciudad de México, y luego produciré una obra para la SeMA Biennale MediaCity de Seúl. Y próximamente en Nueva York el 19, 20 y 21 de junio hago una performance en el High Line Art.
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