Lucian Freud, La vida pintada,

             

 

                                 



La cultura es una creación del ser humano en sí mismo y el arte es una de las expresiones más especiales que refleja la necesidad de comunicar algo, les da a los estudiantes la oportunidad de exponer sus emociones, sus pensamientos, sus ideales y sus sueños de forma creativa, contribuye con la actividad cerebral, desarrollo de habilidades artísticas, como técnica de relajación, arte-terapia, disminuye el estrés y el poco control de emociones, además les brinda un espacio para socializar y canalizar sus energías de forma positiva.

Lucian Freud (Berlín, 8 de diciembre de 1922 – Londres, 20 de julio de 2011)²​ fue un pintor y grabador británico, considerado como uno de los artistas figurativos más importantes del arte contemporáneo.³​

Luego de haberse iniciado en el surrealismo en su juventud, se convirtió tras la Segunda Guerra Mundial en uno de los principales representantes de la pintura figurativa inglesa. Especializado en retratos, estos suelen excluir la expresión de sentimientos y los personajes representados aparecen bajo una fuerte luz, y con una carnalidad muy perceptible en el caso de los desnudos.⁴​

Recibió la Orden del Mérito del Reino Unido.

Sus padres fueron el arquitecto Ernst Ludwig Freud (1892–1970) y Lucie («Lux») Brasch (1896–1989). Era nieto de Sigmund Freud. Tuvo dos hermanos, el escritor y parlamentario Klemens Raphael Freud (1924) y el editor Stephan Gabriel Freud (1921). Su sobrina, Emma Freud, es una prominente productora de radio británica.

En 1933, cuando Lucian tenía solo 11 años de edad, el padre de Lucian, Ernst Freud, tuvo que emigrar con su familia a Londres, Reino Unido. La emigración ocurre motivada por la llegada de Hitler al poder. Ernst Freud fue luego quien organizó la recepción de los abuelos de Lucian, en 1938: Sigmund Freud y Martha Bernays quienes llegaron junto a su hija (tía de Lucian) Anna.⁵​ Lucian recibió la nacionalidad británica en 1939. Durante este período estudió en el Dartington Hall School en Totnes, Devon, y después en el Bryanston School.

Lucian Freud fue un gran amigo del pintor expresionista figurativo Francis Bacon, desde 1959 y hasta su muerte 1992. Las obras de Lucian, particularmente los variados retratos de la madre, suelen describirse como las más importantes representantes de la escuela neofigurativa inglesa.

Durante un breve período estudió en la Central School of Art de Londres y después con mucho éxito en la Escuela de Pintura y dibujo Cedric Morris's East Anglian, en Dedham. Se alistó como marino mercante en un convoy del Atlántico Norte en 1941, antes de serle invalidado su servicio en 1942.

En 1943, El editor ceylanés Tambimuttu comisionó al joven artista para ilustrar un libro de poemas de Nicholas Moore, titulado The Glass Tower.

En su primera exhibición individual, en la Lefevre Gallery, en 1944, expuso su celebrado cuadro El cuarto del pintor (The painter's room).

Para el verano de 1946, viajó a París antes de continuar a Italia por varios meses. Desde entonces viviría y trabajaría en Londres.

El 20 de julio de 2011, falleció "en paz" en su domicilio de Londres, según un comunicado de su abogada Diana Rawstron que recoge France Presse

Las primeras pinturas de Freud a menudo están asociadas con el surrealismo y muestran personas y plantas en yuxtaposiciones inusuales. Estos trabajos están usualmente hechos con pintura muy fina y a partir de los años 1950 empezó a realizar retratos, muy a menudo desnudos, sin nada más, utilizando la técnica del empasto (o impasto). Los colores son a menudo neutros.

Los temas de Freud son personas y sus vidas; amistades, familia, colegas, amantes y niños. En contadas ocasiones acepta retratos por encargo. Como él mismo dice en sus memorias: "El tema es autobiográfico, cuanto tiene que ver con la esperanza y la memoria y la sensualidad y la participación, la verdad..." "Pinto gente, no por lo que quisieran ser, sino por lo que son".

El uso de animales en sus composiciones está muy extendido y es a menudo característico que aparezcan las mascotas al lado de su propietario. Ejemplos de retratos de animales y personas en la obra de Freud incluyen Muchacho y Speck (1980-81), Eli y David (2005-06) y dobleRetrato (1985-86).¹¹​

Su pasión por los caballos le llevó a pintar los ejemplares de la escuela en Darlington, donde, además de montarlos, incluso dormía en los establos. De estos, cabe destacar los retratos de Grey Gelding (2003), La yegua Skewbald (2004), y Yegua comiendo heno (Mare Eating Hay) (2006).

Su cuadro "a la manera, al estilo de Cezanne" (after Cezanne) es notable por su forma inusual y el alto precio que pagó la Galería Nacional de Australia, de $ 7.4 millones de dólares americanos. Un retrato de pequeño formato de la reina Isabel II del Reino Unido causó controversia, al mostrarla tan envejecida (o más) de lo que es. La prensa británica publicó críticas contrapuestas sobre él.

Pintor de producción no demasiado extensa y sumamente cotizado ahora, cuenta con apenas cinco ejemplos en España: cuatro en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, ("Reflejo con dos niños, autorretrato", "Gran interior, Paddington", "Último retrato" y "Retrato del barón H.H. Thyssen-Bornemisza"), existe otro retrato del barón, de mayor formato, que al parecer lo heredó su hija Francesca. En museos de Hispanoamérica, hay que citar dos pinturas en el MUNAL de México y una en MALBA de Argentina..

Explosión de luces y palabras en el Guggenheim

La proyección sobre la fachada del Museo Guggenheim recoge textos de 19 escritores. Foto: José Mari Martínez

Ocho proyecciones de luz muestran obras de Jenny Holzer en la fachada del museo con textos de 19 escritores

- Hace cuarenta años sus primeros pósteres aparecieron pegados de forma anónima por las calles de Nueva York. Ahora, Jenny Holzer, la artista de las palabras, expone en los museos más famosos del planeta y proyecta sus mensajes en calles, plazas y edificios emblemáticos. El Guggenheim presenta a partir de mañana una retrospectiva dedicada a esta creadora estadounidense, considerada como una de las más relevantes de la actualidad, que incluye también obras de nueva creación, como letreros electrónicos con dispositivos robotizados y pinturas. También proyecciones de luz sobre la fachada exterior del edificio de titanio de Frank Gehry, de las que podrán disfrutar a partir de hoy los bilbainos y bilbainas al aire libre al anochecer hasta el próximo día 30. Un espectáculo de mapping en el que las palabras de 19 escritores -vascos, estatales e internacionales- toman el museo bilbaino.

Ocho proyecciones de luz creadas para cinco lugares distintos, uno de ellos desde la torre de Iberdrola, muestran 169 textos de autores como Gabriel Aresti, Bernardo Atxaga, Kirmen Uribe, Miren Agur Meabe, Itxaro Borda, Felipe Juaristi, Amaia Iturbe, la poetisa estadounidense Elizabeth Bishop, las mexicanas Coral Bracho y Kyra Galván o las polacas Anna Wirszczyńska y Wisława Szymborska. Textos elegidos por la propia artista, que acaban reflejándose en la ría y que golpean la retina y la conciencia del público que los contempla.

En presencia de la artista y del director general del Guggenheim Bilbao, Juan Ignacio Vidarte, ayer se hizo la última comprobación para que hoy esté todo perfecto. El horario para contemplar las proyecciones es de 20.30 a 22.30 horas, de lunes a jueves, y de 20.30 a 23.30 horas, de viernes a domingo.

RETROSPECTIVA En el interior del museo, a partir de mañana se abrirá al público la muestra Jenny Holzer. Lo indescriptible, un completo recorrido por la obra de una de las artistas más relevantes de nuestro tiempo. En Bilbao, los visitantes descubrirán las reflexiones que Holzer ha expresado a lo largo de toda su carrera presentadas a través de un amplio abanico de instalaciones creadas algunas expresamente para el museo.

El propósito de la artista es involucrar al público mediante la creación de espacios evocadores que invitan a los observadores a plantearse y, quizá, a definir su postura sobre asuntos polémicos, entre los que se incluyen la crisis global de los refugiados, la violencia contra las mujeres y los abusos sistemáticos de poder. La obra de Jenny Holzer gira en torno al lenguaje. Con textos categóricos e incisivos, la artista aborda elementos fundamentales de la existencia humana, incluyendo el poder, la violencia, las creencias, la memoria, el amor, el sexo y la muerte.

El objetivo de Holzer es involucrar al espectador mediante la creación de espacios evocadores que provoquen una reacción, un pensamiento o la adopción de una postura, dejando a la autora, a menudo anónima, en un segundo plano. Para ello, se basa en un lenguaje “directo, conciso y mordaz”.

Esta exposición, comisariada por Petra Joos, curator del Museo Guggenheim Bilbao, y patrocinada por la Fundación BBVA, presenta obras de nueva creación, realizadas específicamente para que dialoguen con el edificio bilbaino.

Durante más de cuarenta años, Jenny Holzer ha presentado sus mordaces ideas, argumentos y aflicciones en lugares públicos y exposiciones internacionales, incluyendo el World Trade Center, la Bienal de Venecia, los museos Guggenheim de Nueva York y Bilbao, el Whitney Museum of American Art y el Louvre Abu Dabi. Holzer fue la primera mujer en recibir el León de Oro en la Bienal de Venecia en 1990.

Fuente

https://www.deia.eus

El MoMA saca a subasta en París un excepcional dibujo de Picasso

Detalle del dibujo «Jouese de flûte et nu couché» de Picasso que saldrá a subasta en París - Christie's

El valor de «Joueuse de flûte et nu couché» (1932) se estima entre 250.000 y 350.000 euros

Un excepcional dibujo de Pablo Ruiz Picasso, « Joueuse de flûte et nu couché» («Flautista y desnuda acostada» (1932), inédito en el mercado del arte y perteneciente al MoMA de Nueva York, saldrá a subasta el próximo 28 de marzo en la sala de Christie's en París, según ha anunciado este miércoles la casa de subastas.

Realizada con lápiz y tinta china sobre papel, esta obra cuyo valor se estima entre 250.000 y 350.000 euros será vendida en beneficio del fondo de adquisiciones del Museo de Arte Moderno.

El dibujo, que data de octubre de 1932, un año particularmente prolífico en la vida privada y artística de Picasso, forma parte de una serie de tintas chinas que revelan su pasión por Marie-Thérèse Walter, su amante entre 1927 y 1935 y madre de su hija Maya Widmaier-Picasso.

«El día en que encontré a Marie-Thérèse, me di cuenta de que tenía ante mí lo que siempre había soñado», confesó un día Pablo Picasso. El artista representó en este dibujo a su musa desnuda a la izquierda y lo que podría ser su doble retrato a la derecha, bajo el disfraz de una niña inocente de ambigua feminidad.

«La enorme calidad de esta obra combinada con su prestigioso origen suscitará sin duda alguna el interés de numerosos coleccionistas internacionales presentes en París», subraya Antoine Lebouteiller, director del departamento de arte impresionista y moderno de Christie's.

Este dibujo sobre papel fue regalado por Picasso a su marchante Daniel-Henri Kahnweiler y en 1961 pasó a formar parte de las colecciones del MoMA por una donación de la artista estadounidense Eve Clendenin.

La obra será expuesta en Christie's París del 23 al 27 de marzo y durante la mañana del día de la subasta.

Fuente

https://www.abc.es

COMENZÓ LA FERIA ART DUBAI, CON FOCO EN EL ARTE LATINOAMERICANO Y PRESENCIA ARGENTINA

Argentina y América latina ocupan un lugar especial este año en la edición número 13 de Art Dubai, la importante feria internacional de arte de la ciudad de Dubai, que se lleva a cabo del 19 al 23 de marzo en los Emiratos Árabes Unidos, sobre el Golfo Pérsico.

Inaugurada al público hoy -ayer se realizó la inauguración "cerrada", que se lleva a cabo para los visitantes VIP (coleccionistas, curadores y críticos de arte llegados desde todas partes del mundo, entre ellos 130 directores y curadores de museos como el Guggenheim, el Moma y la Tate), lo particular de la feria de arte de Dubai es, por un lado, su gran escala: aquí los espacios son gigantes, participan de ella más de 90 galerías de 40 países, y se desarrolla prácticamente sobre la playa, en un área próxima al mar Arábigo.

Por otra parte, Art Dubai expone una mezcla cultural especial: una línea conceptual que une los países pertenecientes al sur global (desde Asia y África hasta América Latina), y obras creadas tanto por artistas egipcios como de Azerbaijan, Líbano, Rusia, Estados Unidos e Inglaterra.

Esta perspectiva de ángulo amplio, esta variedad de producciones artísticas observable -muy poco frecuente en las ferias europeas o americanas- hace que visitar la feria y todos los proyectos satélites que la rodean (las exposiciones y performances paralelas, la semana del arte de la ciudad de Dubai y la Bienal de Sharjah, que funciona en paralelo, más la feria de arte Sikka) se convierta en una entrada por la puerta grande a un mundo cultural nuevo, muy diferente al que se está habituado en la Argentina.

Pero además este año es especial para Latinoamérica, porque el director artístico de la Bienal es el español Pablo del Val, quien estuvo trabajando durante los últimos años en la feria de México Zona MACO.

Por lo tanto conoce al dedillo el mundo del arte latinoamericano: "Por eso quise comenzar una sección nueva con foco en América Latina, la conozco muy bien", detalla Del Val a Télam.

Por esta razón -y por la especial apertura global y perspectiva que tiene la directora internacional de la feria, la curadora y gestora griega Chloe Vaitsou- el arte latinoamericano está muy presente en la feria: América latina tiene una seccion especial en Art Dubai llamada "Residents".

Entre los 12 creadores de la región presentes en la sección, curada por la brasileña Fernanda Brenner, se encuentran artistas provenientes de San Pablo, La Habana, Lima, Bogotá, Miami, Río de Janeiro y Buenos Aires.

Los artistas argentinos que exponen sus obras en Art Dubai son dos jóvenes creadores, Luciana Lamothe -artista de la galeria Ruth Benzacar- y Nicanor Aráoz, pertenece al staff de la galería Barro.

Los argentinos muestran en "Residents" (que se lleva a cabo por primera vez) las producciones artísticas que son fruto de las residencias de creación que llevaron a cabo durante los dos últimos meses en Dubai (Lamothe y Aráoz estuvieron viviendo en los Emiratos Árabes y trabajando aquí, en talleres de artistas).

"La experiencia me pareció totalmente inusual", comenta Lamothe. "El taller que tuve era gigante y, por el tipo de obras que yo hago (grandes esculturas realizadas con materiales de construcción, como acero, hierros y maderas) estaba bueno estar inmersa creando en esta ciudad: porque en Dubai siempre hay barrios y edificios gigantescos que se están construyendo. Es una ciudad llena de grúas. Es una ciudad en permanente construcción".

Por su parte, Aráoz comenta que el espacio de su taller se encontraba cerca de los talleres de otros artistas, con lo cual el intercambio y la amistad fueron dándose naturalmente. "La verdad es que nos influimos unos a otros", dice. "Para mí estar creando acá es muy diferente a todo lo vivido con anterioridad. Conocí personas de países y culturas lejanas, extrañas a América Latina. Dubai es un punto de inmigración de Asia, entonces acá podes encontrar pakistaníes, filipinos, tailandeses, hindúes y hasta africanosÂ…", detalla Aráoz.

Durante la recorrida vip de ayer sucedió un hecho curioso: el Sheik y Príncipe de Dubai Hamdan bin Mohammed, segundo hijo del gran líder político de la región, el jeque Mohammed bin Rashid Al Maktoum, monarca de Dubai y vicepresidente y primer ministro de los Emiratos Árabes Unidos, visitó la feria rodeado por más de una decena de guardaespaldas, todos vestidos con túnicas blancas.

El Sheik miró obras y recorrió los espacios de las galerías hasta llegar al sector de América latina, donde se detuvo a observar especialmente la escultura de Aráoz, una extraña mezcla de materiales combinados y pintados en colores fluorescentes. (Télam)

Fuente

https://www.grupolaprovincia.com

Convocatoria de propuestas del 18º MEM, festival internacional de arte experimental

Falling leaves - MEM 2018


MEM, festival internacional de arte experimental, abre convocatoria para recibir propuestas para su decimoctava edición, que tendrá lugar en noviembre en Bilbao. Se buscan todo tipo de propuestas artísticas, del tipo que sean: expositivas, performativas, instalaciones, proyectos multimedia.

El MEM presenta dos categorías:

A/ Proyectos con presupuesto de menos de 300 €

B/ Proyectos con presupuesto de menos de 1.000 €

(En este importe se incluye IVA, transporte, alojamiento, etc.)

Si estás interesado en participar en MEM 2019, envía tu propuesta, lo más completa posible, incluyendo rider, necesidades, presupuesto, fotos, vídeos, planos, etc. (imprescindible rider y presupuesto), por correo postal a:

MEM‐RMO

Calle Cortes 29, 6º E 48003 Bilbao (Spain)

o por email a: mexmfest@yahoo.es

MEM se reserva elderecho de utilizar las obras seleccionadas, o fragmentos de las mismas, con fines estrictamente promocionales del festival.

Ficha a rellenar:

Título:

Autor:

Año de producción:

Duración/medidas:

País:

Sinopsis (90 palabras):

Currículum vital (90 palabras):

Web:

Datos de contacto:

La convocatoria finaliza el día 15 de junio de 2019.

Se recomienda enviar las propuestas lo antes posible.

Más información en www.festivalmem.com

Fuente

http://www.artezblai.com

La metamorfosis de la española Lita Cabellut se hace visible en Londres

Londres, 14 mar (EFE).- El único autorretrato de gran formato de la española Lita Cabellut da la bienvenida al público en su nueva muestra, "Transformación", en la Opera Gallery de Londres, como muestra de la transición que vive actualmente en su creación artística.

"Aunque la transformación que estoy experimentando todavía no tiene forma, a raíz de iniciar esta etapa de construcción y destrucción de mis obras, ha sido cuando realmente he empezado a sentirme libre y a entender el arte como algo que no se puede controlar", cuenta a Efe Cabellut, cuyo autorretrato ha titulado precisamente "Metamorfosis".

Una trayectoria que comenzó casi cuando era una niña. Porque el Museo del Prado "cambió" su vida cuando tenía trece años y descubrió al artista del barroco Pieter Paul Rubens y su cuadro "Las tres gracias", una obra que le transmitió "libertad, armonía, confianza y una belleza intensa y fascinante", recuerda.

En esa visita, Cabellut (Sariñena, 1961) comprendió las infinitas posibilidades que ofrecía la pintura para crear nuevos mundos, expresiones y formas de cambiar la realidad.

"La pintura me conmovió y me brindó una nueva perspectiva de vida, de futuro y hasta de mi mismo estado de ser, pero no como algo negativo, sino más bien como una lección personal de que los cambios son positivos, aunque den vértigo", explica la artista oscense.



Aunque el pintor flamenco le sorprendió entonces por "su capacidad de lectura objetiva basada en la belleza y en el respeto a la mujer", fue el aragonés Francisco de Goya quien la cautivó con su técnica del claroscuro y el uso de los contrastes por su fiel reflejo de la esencia humana.

"El ser humano es un claroscuro, somos la noche y el día, somos un contraste, somos luz y oscuridad; y esto es lo que es extraordinario de nuestra existencia, que entre lo bestial y lo divino hay toda una gama de colores que nos hacen maravillosos, profundos, vulgares...", relata Cabellut.

Son las personas -de la calle, famosas, religiosas, históricas, influyentes, ficticias- las que inspiran a la pintora en su creación artística pues, para ella, "todos son dignos de tener un retrato y, cada uno de ellos, -matiza- es un trozito mío, porque yo soy todo eso".

Ese contraste y antropocentrismo están presentes en las 22 obras que conforman "Transformación", una muestra elegida personalmente por Cabellut que alberga sus retratos craquelados de gran formato y cuyos títulos llevan nombres de estrellas como una metáfora de su transición.


"Una estrella antes de morir da muchísima luz y, cuando se rompe, no desaparece, sino que su materia ronda por el universo para volver a reconstruirse en una nueva. Esto es precisamente lo que ocurre con la destrucción de mis cuadros: no los rompo, los transformo", manifiesta.

El tríptico adquiere especial relevancia en esta nueva etapa de la creadora, ya que le permite aunar esa construcción y destrucción de sus cuadros en una misma obra.

Un formato de tres paneles, que permite a Cabellut exhibir en el primero la realidad y "la herencia genética"; en el segundo, los rodillos que han dado vida a ese cuadro y que son reflejo de los logros y fracaso de la artista y, en el tercero -para ella el más importante- la reproducción de la misma pintura, pero rota.

Esta destrucción de la pieza, según subraya, "no se hace de forma agresiva, sino con confianza, como un ejercicio de libertad".

Antes de llenar su vida de pinceles y lienzos, Cabellut tuvo que lidiar con el abandono de su madre, la muerte de su abuela, la vida de mendiga en las calles de Barcelona y los trámites de un orfanato.

         

Durante muchos años, las facturas las pagaba intercambiando sus dibujos hasta que, finalmente, su trabajo se profesionalizó "después de practicar y repetir una y otra vez la misma sombra, la misma pincelada, el mismo contrapunto" y de aprender en la Academia Gerrit Rietveld en Ámsterdam, cuenta.

Ahora, Cabellut mira al pasado y ve "mucha suerte y amor ajeno" en el camino y, para el futuro, no espera otra cosa más que "responder como lo hicieron tantas personas" en su vida y utilizar su trabajo "para dar voz a quienes no la tienen", recalca.

La muestra "Transformación", que podrá verse hasta el 29 de marzo en la Opera Gallery de Londres, tiene lugar al mismo tiempo que la exposición "La victoria del silencio" en el Museo Goya de Zaragoza (España) en la que, asegura Cabellut, su transformación "también está presente".

Brenda Pérez Zapater

Fuente

https://es.finance.yahoo.com

Pioneras: las mujeres de la vanguardia rusa.

Nadeshda UDALTSOVA Cubismo, 1914 (Cubism) Óleo sobre lienzo. 72 x 60 cm (con marco 105.5 x 93 cm) Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

ALGUNAS DE LAS MÁS DESTACADAS MUJERES DE LA VANGUARDIA RUSA FORMAN PARTE DEL MONTAJE ESPECIAL QUE ACOGE EL MUSEO THYSSEN.

Parece que este 2019, los museos más importantes de nuestro país se han puesto de acuerdo para ofrecernos un baño tremendo de arte ruso. Efectivamente, si la semana pasada buceábamos en los mares de la Fundación Mapfre, hoy caminamos un par de manzanas hacia arriba para surcar las estepas de principio del siglo XX en exclusiva compañía femenina. El Museo Thyssen Bornemisza acoge en sus salas la exposición Pioneras. Mujeres de la vanguardia rusa.

Liubov POPOVA Arquitectura pictórica, 1918 (Painterly Architectonic) Óleo sobre lienzo. 45 x 53 cm (con marco 52.2 x 60 cm) Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

La pinacoteca madrileña lleva a cabo un montaje especial dedicado a las más destacadas artistas de este movimiento, contó con una participación femenina no solo numerosa, sino también extremadamente activa y relevante. Natalia Goncharova, Alexandra Exter, Olga Rózanova, Nadeshda Udaltsova, Liubov Popova, Varvara Stepanova y Sonia Delaunay son algunas de las representantes de esta corriente artística que se desarrolló en la Rusia prerrevolucionaria.

                          

Liubov POPOVA Arquitectura pictórica (Bodegón: instrumentos), 1915 (Painterly Architectonic (Still Life: Instruments) ) Óleo sobre lienzo. 105,5 x 69,2 cm (con marco 131 x 94 cm) Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

Todas ellas crecieron y se formaron en un régimen que se aferraba a los valores de la época preindustrial. Sin embargo, se convirtieron en pioneras de la creación, difusión y defensa de los nuevos lenguajes artísticos que fascinaron y escandalizaron a partes iguales a la sociedad rusa y europea de comienzos de siglo. Al contrario que sus compañeros masculinos, ellas no se unieron en un grupo concreto ni etiquetaron su arte de ninguna manera. Sí se conocieron e influyeron mutuamente, pese a que sus nombres se asocian a diferentes tendencias.

                    

Natalia GONCHAROVA El bosque, 1913 (The Forest) Óleo sobre lienzo. 130 x 97 cm (con marco 139.5 x 105 cm) Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

Natalia Goncharova fue una figura esencial en las conexiones de las vanguardias europeas con el arte ruso coetáneo, especialmente con el neoprimitivismo francés y el rayonismo cultivado por Larinov. También Alexandra Exter contribuyó a dicha cohesión artística. Vivió largas temporadas en París donde conoció a Picasso y a Braque. De ahí su marcada tendencia cubista. Más tarde, junto a Sonia Delaunay, se decantó por el lenguaje futurista italiano. Mientras Olga Rózanova apostaba por el color, el arte no figurativo y la continua búsqueda de nuevas formas de expresión, Liubov Popova combinó su fascinación por el arte antiguo ruso con el clasicismo italiano.

                    

Olga RÓZANOVA Hombre en la calle (Análisis de volúmenes), 1913 (Man on the Street (Analysis of Volumes)) Óleo sobre lienzo. 83 x 61,5 cm (con marco 103 x 80.5 cm) Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

Varvara Stepanova, la más joven de las pioneras, admiró durante los primeros años de su carrera, a los poetas futuristas. En septiembre de 1921, se unió al grupo de artistas que decidieron abandonar la pintura de caballete. Stepanova, única artista de su época con formación en artes aplicadas, expandió sus ideas al terreno del diseño de vestimenta y textil, a la decoración de espacios públicos y teatrales y se convirtió en una de las principales representantes del constructivismo.

Varvara STEPANOVA Jugadores de billar, 1920 (Billiard players) Óleo sobre lienzo. 66 x 129 cm (con marco 82.5 x 147.5 cm) Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Nacional Thyssen Bornemisza

Pioneras. Mujeres artistas de la vanguardia rusa reúne una selección de 12 obras de las colecciones propias del museo, además de textos, biografías y fotografías. El conjunto muestra la revolución cultural femenina que experimentó Rusia durante una etapa artística especialmente fértil.

Fuente

https://loff.it/oops

TEFAF Maastricht, la cita más importante para galerías y coleccionistas de arte

La singularidad y la calidad son las características distintivas de TEFAF Maastricht, y sitúan a la Feria y a sus 279 marchantes participantes en una posición inigualable dentro del mercado internacional del arte. La rareza y variedad de los objetos a la venta dentro de la Feria ofrecen a los coleccionistas privados e institucionales una oportunidad incomparable de contemplar y adquirir algunas de las piezas más exquisitas disponibles en el mercado. La edición número 32 de la Feria abrirá sus puertas al público el sábado 16 de marzo, tras dos jornadas de preinauguración para los coleccionistas los días 14 y 15 de marzo. TEFAF Maastricht, que celebra más de 7000 años de historia del arte, tendrá lugar en el Palacio de Exposiciones y Congresos MECC de Maastricht hasta el día 24 de marzo.

Importantes artistas modernos y contemporáneos están representados en TEFAF Modern, la tercera sección de TEFAF Maastricht en cuanto a tamaño, que ha experimentado la mayor afluencia de nuevos expositores. Los stands temáticos o dedicados a un solo artista son los protagonistas dentro de la sección. Así, el stand de Henze & Ketterer (Stand 444) se centra en las obras de Ernst Ludwig Kirchner (1880 – 1938), Erich Heckel (1883 – 1970) y Emil Nolde (1867 – 1956) producidas durante la Primera Guerra Mundial, reflejando el infierno que fue este conflicto. Una de las obras más destacadas del stand es Porträt Hugo (1914), óleo sobre lienzo, de Ernst Ludwig Kirchner. El retrato procede del patrimonio de Kirchner, donde ha estado desde la muerte del artista en 1938. El precio de venta es de 3,5 millones de francos suizos.

Un nuevo expositor, Fergus McCaffrey (Stand 440), con sede en EE. UU., presenta una exposición individual dedicada a las obras de Barry X Ball (nacido en 1955). En el stand se exhiben siete trabajos que examinan los últimos diez años de la producción en piedra del artista. Destaca principalmente Purity, (2008 -2018), tallada en ónice iraní blanco translúcido y acero inoxidable. Conectando lo antiguo con lo moderno, la obra está basada en La Purità (1720 – 1725) de Antonio Corradini.

El stand de Pace Gallery (Stand 441) también está centrado en un solo artista; la galería presentará una selección de pinturas y dibujos de Piet Mondrian (1872 – 1944) procedentes de la colección personal del legendario marchante Sidney Janis, íntimo amigo de Mondrian, que ilustran la aparición y la importancia de la abstracción en el arte moderno. Reclining Nude (Dunes and Sea) (1910), carboncillo sobre papel, se creó en un momento clave de la carrera del artista y demuestra la deconstrucción de las imágenes hasta su forma geométrica propia de Mondrian.

En el stand de Saloman Lilian (Stand 309), el primer plano lo ocupa una obra nunca expuesta con anterioridad. Se trata de Bodegón de un manuscrito iluminado (ca.1550), óleo sobre tabla, que había estado en una colección francesa privada desde el siglo XIX y que supone una representación inusual de un manuscrito, un tema que no se ve con frecuencia en los bodegones de Antiguos Maestros.

Haboldt & Co (Stand 351) continúa con el tema de obras nunca expuestas anteriormente con un trabajo recién descubierto e inédito de Paolo Veneziano (1290 – 1362) que representa a La Virgen y el Niño (con Santo Domingo y San Pedro Mártir en el marco exterior) en témpera y fondo de oro sobre tabla.

TEFAF Antiques, que con 92 expositores es la sección más grande de la Feria, presenta un abanico inigualable y muy variado de artes decorativas, ofreciendo algo para todos los gustos de coleccionismo posibles. Tiernas memorias infantiles se manifiestan en la exquisita casa de muñecas de Anna Maria Trip, que se presenta en el mercado por primera vez. Esta encantadora pieza, completamente original y una auténtica rareza dentro de los objetos de este estilo, está realizada en caoba, plata, porcelana, telas, marfil, latón y cristal, ca. 1750 – 60, y está expuesta en John Endlich Antiquairs (Stand 235).

Vanderven Oriental Art (Stand 104) presentará una exposición titulada Provenance, que pone de relieve obras excepcionales con una procedencia incomparable, reflejando la importancia que los coleccionistas dan a este concepto. En el stand cabe destacar un impresionante Plato de pescadores, de Yongzheng, realizado ca.1730. Un plato de porcelana semi cáscara de huevo «Famille Rose», delicadamente pintado con una escena de cuatro pescadores sujetando redes y nasas. La pieza se encontraba originariamente en la colección de James Garland, EE. UU. James Garland fue uno de los primeros coleccionistas americanos de este tipo de obras conocidos y bien documentados.

En el stand de Alessandra di Castro (Stand 108) destacan principalmente tres monumentales jarrones «dragones» en porcelana china azul y blanca. Estas excepcionales piezas están en perfecto estado. La sumamente estilizada decoración floral en blanco sobre blanco y la elegante simplicidad de su esquema de color en blanco y azul se adaptan perfectamente a los gustos europeos de la época. Se encuentran, sin duda alguna, entre las piezas de porcelana china fabricadas para la exportación más importantes del siglo XVIII. Los jarrones pertenecen al periodo Kangxi, ca. 1700 – 1722 y proceden del Palazzo Ala Ponzone.

Dentro de la sección Antiques se encuentra la colección de joyería de seis expositores, en TEFAF La Haute Joaillerie. Regresando por segunda vez a la Feria, G (Stand 142) presenta las creaciones de joyería de Glenn Spiro. La esencia de los diseños de Spiro –descrito con frecuencia como un auténtico diseñador de joyas– son gemas raras y de una belleza deslumbrante. Los visitantes de la Feria no quedarán defraudados. Sobresalen especialmente sus pendientes Fan, creados en 2018. Los pendientes están montados en titanio y engarzados con zafiros púrpuras naturales de 62 quilates de corte «old mine» barroco y espinelas azules naturales de 25 quilates, incorporando dos diamantes blancos de media luna.

Van Cleef & Arpels (Stand 144), una de las casas de joyería más importantes de Europa, presentará un excepcional collar de 1965, elaborado con oro amarillo, rosa y blanco, zafiros amarillos, amatistas y diamantes, y firmado Van Cleef & Arpels. El collar refleja las inspiraciones artísticas que surgieron en la década de los 60, cuando un estilo impregnado con exotismo y pasión por las gemas de colores permitió que naciera una nueva estética.

Galerie Chenel (Stand 426), especialista en antigüedades con sede en París, presenta Torso de Heracles, (siglo I-II d. C.), tallado en mármol. Las obras de esta calidad, tamaño y temática son escasas en el mercado. Al lado de TEFAF Ancient Art se encuentra TEFAF Showcase. Uno de los participantes, ArtAncient (Stand SC2), presenta una excepcional decadracma de plata, procedente de Siracusa, Sicilia, ca. 405-400 a. C., que llamará indudablemente la atención de los coleccionistas en la Feria.

Este año, TEFAF Design y TEFAF Tribal se han entrelazado, haciendo surgir en la Feria varias cautivadoras y sugerentes combinaciones. Jackson Design AB (Stand 617) ofrece la extraordinaria tumbona Marcel Breuer Lounge Chair, de Marcel Breuer (1902 – 1981), realizada en madera de arce contrachapada modelada y tallada y tapizada con lana, 1936. Breuer fue un antiguo profesor de la Bauhaus y la tumbona se creó para la exposición de Heal’s de 1936, denominada «Muebles contemporáneos por siete arquitectos».

Demisch Danant (Stand 610), expositor establecido en Nueva York, presenta una llamativa mesa en madera de olmo, formica y acero niquelado de Geneviève Dangles y Christian Defrance, que fue un encargo único para el apartamento privado de M. y Mme. Burov en París. En 1958, Dangles y Defrance se encargaron del diseño completo del nuevo hogar parisino de los Burov, incluyendo todos los muebles y asientos.

Entremezclados con TEFAF Design se encuentran los seis expositores de TEFAF Tribal, en cuyos stands los visitantes podrán encontrar una amplia muestra de obras de arte oceánico y etnográfico. Llama especialmente la atención una representación naturalista de un par de antebrazos humanos, cada uno de ellos tallado en una pieza única de madera de proporciones monumentales. Esta obra puede encontrarse en la Galerie Meyer – Oceanic & Eskimo Art (Stand 605) y acaba de llegar al mercado procedente de un museo estadounidense. Se trata del único par de brazos de este estilo que se conoce.

Por otro lado, la Galerie Bernard Dulon (Stand 615) presenta un trabajo excepcional de la colección de Kenzo Takada, fundador de la firma de moda del mismo nombre. La pieza es un poste funerario Hempatong, de la etnia de los Dayak, de Borneo, Indonesia. Este monumental trabajo tiene una altura de 250 cm y fue tallado en el siglo XVIII-XIX en madera de hierro erosionada.

TEFAF Works on Paper, situada en un espacio cápsula al lado de TEFAF Antiques, ofrece una amplia gama de obras. El nivel de los trabajos expuestos es extraordinario. Así, Emanuel von Baeyer (Stand 706) presenta una serie completa de Los desastres de la guerra, publicados por primera vez en 1860, por Francisco José de Goya y Lucientes (1746 – 1828), junto con seis pruebas de trabajo de la serie de Los Proverbios, el grupo más extenso de pruebas de esta serie en manos de particulares. Además, Stephen Ongpin Fine Art (Stand 724) muestra un trabajo en tiza excepcional, Paisaje boscoso con ganado y cabras, de Thomas Gainsborough R.A. (1727 – 1788), una rara y delicada obra de este maestro.

TEFAF Showcase acoge a Lowet de Wotrenge (SC1), ArtAncient (SC2), Mathieu Néouze (SC3), Martin Doustar (SC4), Santa Tecla (SC5) y Samantha Sellem (SC6), un fascinante y dinámico grupo de marchantes jóvenes y recientemente establecidos. El abanico de objetos ofrecidos en TEFAF Showcase es muy diverso, destacando especialmente el stand de Samantha Sellem, que se centra exclusivamente en obras de mujeres artistas desde 1920 a 1980.

Fuente

https://www.revistadearte.com

Sant Cugat inaugurará el primer museo de arte textil contemporáneo de España

Sant Cugat del Vallès (Barcelona), 14 mar (EFE).- El Centre Grau-Garriga d'Art Tèxtil Contemporani Cal Quitèria, el primer museo de España de arte textil contemporáneo, abre sus puertas este domingo en Sant Cugat del Vallès con la exposición "Cent anys de tapís a Sant Cugat".

El centro se ha diseñado siguiendo el proyecto original del artista Josep Grau-Garriga y tiene la voluntad de "promover y difundir el arte textil contemporáneo".

Por otra parte, el plan de museización y el comisariado de la muestra inaugural lo ha llevado a cabo la historiadora y crítica de arte Pilar Parcerisas.

La comisaria ha asegurado que la apertura de este centro es un "paso hacia adelante para hacer de Sant Cugat un lugar de referencia en el mundo del arte textil", una actividad que Parcerisas define como "frontera entre un pasado que se basa en la tradición del tapiz y un futuro que quiere responder a la creciente presencia de la creación textil en el arte actual".

El objetivo de este nuevo equipamiento es convertirse en un "centro de arte activo" destinado a la promoción de la obra de Josep Grau-Garriga, pero también a la difusión y el conocimiento de la escuela catalana del tapiz y del arte textil en todos sus corrientes internacionales.

En concreto, la exposición muestra unas setenta obras de arte textil y está dividida en siete áreas que explican la historia del tapiz: sus inicios (1900-1920); el "noucentisme", Art Decó y racionalismo (1920-1944); la renovación del tapiz y la escuela catalana (1955-1980); Josep Grau-Garriga y la creación de un lenguaje (1957-1991); y el arte textil contemporáneo (1992-2011).

Las piezas más destacadas de la muestra son "La Verema" y "Diana caçadora" de Tomàs Aymat, "Temps tendre" y "La crosta" de Josep Grau-Garriga y "L'iris d'eau" de Jean Lurçat.

Según el nuevo museo, durante el siglo XX la población de Sant Cugat destacó por su relación con el tapiz, signo de identidad de su historia reciente.

Fue en 1920 cuando Tomàs Aymat instaló en la localidad la primera industria de alfombras anudadas a mano y de telares de alto y bajo lizo del Estado, instaurando así una tradición inexistente en Cataluña hasta que la Mancomunitat y el Novecentismo la promovieran junto a otros "bellos oficios".

Josep Grau-Garriga (Sant Cugat, 1929 - Angers, Francia, 2011) se convirtió en uno de los impulsores principales de la reevaluación del tapiz como recurso expresivo de primer orden a nivel internacional.

Su obra forma parte de las colecciones de los museos más prestigiosos del mundo, como el MOMA de Nueva York o el Muséé Moderne de la Ville de París. EFE

Fuente

https://www.lavanguardia.com